Cinémas

Le DCU va-t-il disparaître ?

La complexité - pour ne pas dire le bazar - du DCU va-t-elle définitivement couler cet univers super-héroïque ? Ou alors, le coup de grâce viendra-t-il des mauvais résultats financiers de Black Adam ? De son histoire tumultueuse avec Zack Snyder ? De la "double" existence bancale de personnages comme par exemple Batman et Harley Quinn, à la fois dans le DCU comme hors de celui-ci (Justice League et The Suicide Squad, The Batman et Joker : Folie à deux...) ? La liste des problématiques associées au développement du DCU, déjà riche de 11 films, est longue. Et il se pourrait que plutôt de réparer un édifice branlant, les nouveaux patrons de DC Studios James Gunn et Peter Safran le passent au bulldozer pour repartir de zéro...

Clore le Snyderverse et rebooter

D'après The Hollywood Reporter, qui s'appuie sur de multiples sources, il semble d'ores et déjà presque acquis qu'il n'y aura ainsi pas de Wonder Woman 3, la proposition de Patty Jenkins ne collant pas à la stratégie et les plans construits par Gunn et Safran. Des plans qu'ils doivent présenter la semaine prochaine à David Zaslav, big boss de Warner Bros. Discovery. Chez Warner, et par extension chez DC Studios, le temps est à la transformation, et il apparaît très probable que la page du Snyderverse va être tournée. Parce que si l'incarnation actuelle de Wonder Woman doit s'arrêter là, l'effet domino semble inévitable.

Ainsi, le Superman d'Henry Cavill, apparu pour la première fois dans Man of Steel, premier film du DCU, pourrait être le prochain à voir son retour annulé. Et ce, malgré l'annonce du développement d'un Man of Steel 2, consécutif à son apparition à la fin de Black Adam, et officialisé par Henry Cavill lui-même.

Avec cette disparition progressive de la Justice League, Aquaman pourrait aussi remiser son trident au placard après la sortie d'Aquaman et le Royaume perdu. Jason Momoa est d'ailleurs le sujet de rumeurs persistantes l'envoyant incarner un nouveau super-héros DC, l'extra-terrestre ultra-violent Lobo. Quant à The Flash, avec dans le rôle-titre le très controversé et ingérable Ezra Miller, il est tout autant un potentiel succès financier qu'une épine dans le pied de Warner... Les autres super-héros doivent faire un caméo dans ce film prévu pour le 21 juin 2023 mais, toujours selon les sources de The Hollywood Reporter, des discussions sont actuellement en cours au sujet de retirer ou non celui d'Henry Cavill...

Le style James Gunn au pouvoir

À ce stade, les spéculations vont donc bon train et les certitudes ne se dessineront qu'à l'issue de la prochaine rencontre entre le duo James Gunn - Peter Safran et David Zaslav. Mais il est très clair que James Gunn, dont les films Les Gardiens de la Galaxie chez Marvel et The Suicide Squad chez DC ont été très appréciés, va imposer son style, sensiblement éloigné de celui du Snyderverse.

Exemple éclatant, le succès critique de The Suicide Squad en 2021 comparé à l'échec du Suicide Squad de David Ayer en 2016 a envoyé un signal fort, quelques mois après la réception finalement tiède du très attendu Zack Snyder's Justice League, résultat d'une campagne acharnée pour que Zack Snyder, remplacé par Joss Whedon sur Justice League en 2017, montre enfin sa propre version.

Les temps changent, et le bouleversement devrait donc être majeur. Affaire à suivre.

Avatar 2 arrive enfin au cinéma !

En ce mois de décembre 2022, les fans d'Avatar sont aux anges. En effet, après treize ans d'attente et plusieurs reports, la suite baptisée La Voie de l'eau sort enfin en salles le 14.

L'intrigue se situe environ une dizaine d'années après les événements du premier film. Jake et Neytiri sont désormais à la tête d'une fratrie (avec leurs enfants biologiques et adoptifs). Après une décennie passée à vivre en harmonie au coeur de la nature, ils sont forcés de quitter leur paradis après le retour de la RDA à Pandora. Ils trouvent alors refuge sur les récifs, où ils découvrent un nouveau paradis peuplé de créatures majestueuses. Ils font également la connaissance du clan Metkayina, aux moeurs bien différentes des leurs.

Au moins trois suites attendues

S'il a fallu plus d'une décennie à James Cameron pour lancer la suite des aventures de Jake et Neytiri (toujours interprétés par Sam Worthington et Zoe Saldaña), c'est qu'il voulait terminer l'écriture de toutes les suites qu'il avait en tête avant de débuter la production. En effet, en plus d'Avatar 2, au moins trois autres suites sont prévues. La dernière devrait sortir en décembre 2028.

Si toutefois La Voie de l'eau ne fonctionnait pas suffisamment au box-office, le réalisateur a d'ores et déjà déclaré que le troisième film pourrait faire office de fin à la saga. Mais dans ses plans, ça n'est que le début pour les Na'vi.

Avatar 5 se déroulerait en partie sur la Terre

Le réalisateur canadien est actuellement en pleine promotion de La Voie de l'eau. L'occasion pour lui de dévoiler les contours du futur de sa saga, et notamment des décors qui accueilleront les suites. Et à la surprise générale, il a dévoilé qu'une partie d'Avatar 5 se déroulerait... sur Terre :

Il indique qu'une partie de l'intrigue se déroulera sur Terre, approximativement 200 ans après notre ère. Très investi écologiquement, il confie qu'il s'agira de confronter les points de vue entre le paradis terrestre de Pandora, et la Terre qui a été malmenée par les humains.

Jon Landau, le producteur et collaborateur de James Cameron, a également confié à io9 que cela concernerait Neytiri :

Dans le cinquième film, une section de l'histoire nous enverra sur Terre. C'est une façon d'ouvrir les yeux, d'ouvrir les yeux de Neytiri, sur ce qui existe sur Terre.

Il a ensuite expliqué que la raison d'aller sur Terre était d'expliquer à Neytiri que tous les humains n'étaient pas mauvais comme la RDA.

Maman j'ai raté l'avion : le classique de Noël

Quand on parle de films cultes, Maman j'ai raté l'avion figure en bonne position pour les personnes ayant grandi dans les années 90. Pour beaucoup d'enfants nés dans les années 1980 (et leurs parents), la VHS du long-métrage trônait fièrement sur l'étagère, entre celles des dessins-animés Disney et de Jurassic Park. Depuis, la plupart du temps à Noël, le visionnage annuel du film réalisé par Chris Columbus est devenu une tradition à laquelle on ne déroge jamais (et les chaînes de TV non plus).

Sorti en décembre 1990, Maman j'ai raté l'avion met en scène Kevin McAllister (Macaulay Culkin), un jeune garçon âgé de huit ans, qui se retrouve par inadvertance livré à lui-même pendant les fêtes de Noël après que sa famille l'a "oublié" dans l'immense maison qui va devenir la cible de deux voleurs. D'abord effrayé par ces derniers, Kevin va ensuite tout faire pour défendre sa demeure en usant d'inventivité et de gadgets pour piéger les deux malfrats, en attendant le retour de ses parents.

Produit pour un budget d'environ 18 millions de dollars, le film en rapportera près de 480 au box-office mondial et propulsera Macaulay Culkin au rang d'enfant star (il n'hésite d'ailleurs jamais à faire des clins d'oeil à ce rôle).

La scène de l'aéroport : une galère de tournage

Parmi toutes les scènes cultes de Maman j'ai raté l'avion, il y a bien sûr celle dans l'aéroport de Chicago où toute la famille McAllister court à perdre haleine pour attraper leur vol à destination de Paris. Et le tournage de celle-ci n'a pas été une mince affaire !

À l'occasion des trente ans du film, l'actrice Senta Moses Mikan, qui interprétait le rôle de Tracey McAllister (une des cousines de Kevin) avait en effet confié quelques souvenirs de tournage à The Hollywood Reporter. Elle était notamment revenue sur la séquence compliquée de l'aéroport, qui avait nécessité de gros moyens et plusieurs jours de tournage. Elle racontait :

Il y avait des milliers de figurants, qui connaissaient tous parfaitement les mouvements qu'ils devaient faire pour qu'aucun de nous ne soit en danger alors que nous courions à toute allure dans le terminal d'American Airlines d'O'Hare. Et nous courions vraiment très vite. Je me rappelle qu'on s'est rentré dedans plusieurs fois, comme des auto-tamponneuses (...) honnêtement, cette scène aurait pu finir en désastre, mais personne n'a été blessé. C'est un miracle de Noël.

Parmi les autres anecdotes, elle raconte notamment que les fameuses pizzas de The Little Nero que la famille mange au dîner la veille du départ étaient "dégoûtantes et froides" et que Catherine O'Hara amusait la galerie en faisait des bruits de dauphin. "Un vrai talent caché" d'après Senta Moses Mikan.

Enfin, elle se rappelle que Joe Pesci (qui interprète un des deux voleurs) avait bien du mal à se retenir de jurer devant les enfants, et que Chris Columbus lui avait demandé d'utiliser le mot "fridge" à la place de "fuck". Elle se souvient aussi que Pesci faisait l'idiot avec sa dent en or et que ça faisait beaucoup rire les jeunes comédiens.

Alita : l'adaptation cinématographique de Gunnm

En février 2019, les spectateurs du monde entier découvre le film Alita : Battle Angel réalisé par Robert Rodriguez. Il s'agit de l'adaptation en live action du manga Gunnm de Yukito Kishiro.

L'intrigue se déroule dans un univers dystopique. Dans la ville d'Iron City, un médecin nommé Ido découvre une cyborg abîmée dans une décharge et décide de prendre soin d'elle. Remise sur pieds, Alita prend ses marques dans sa nouvelle vie mais ne se souvient que de bribes de son passé. C'est en se confrontant à des forces dangereuses qu'elle découvre la clé de son identité et ses capacités de combat uniques. Elle prend également conscience de la réalité du monde dans lequel elle vit et de ce qu'elle pourrait réaliser.

Produit par James Cameron, le film comptait notamment au casting Rosa Salazar, Christoph Waltz et Jennifer Connelly. Le long-métrage a notamment permis à James Cameron de tester une nouvelle technologie avant de débuter le tournage d'Avatar 2.

Enfin une bonne nouvelle pour la suite !

Avec un budget colossal estimé à 170 millions de dollars, Alita : Battle Angel a récolté 405 millions au box-office mondial (dont 319 millions à l'international). Une somme très loin d'être satisfaisante pour que la Fox décide de mettre en route une suite, surtout que le studio a été racheté par Disney un mois après la sortie. Cependant, les producteurs James Cameron et Jon Landau ont toujours souhaité qu'un deuxième film voir le jour. Une solide base de fans a également donné de la voix pour réclamer la suite des aventures d'Alita. Et les choses avancent peut-être enfin.

C'est lors de l'avant première mondiale d'Avatar : la voie de l'eau que Jon Landau a confié qu'ils avaient contacté Robert Rodriguez pour évoquer Alita 2. La question du journaliste portait sur les prochains projets de James Cameron hors Avatar :

Il y a ce petit film baptisé Alita Battle Angel auquel nous aimerions donner une suite. Nous sommes en contact avec Robert Rodriguez et nous espérons pouvoir mettre en route le projet.

On croise les doigts !

Avatar - La Voie de l'eau : le retour sur Pandora

Après 13 ans d'attente, James Cameron est enfin de retour avec Avatar : La Voie de l'eau. Un deuxième volet dans lequel Jake (Sam Worthington) et Ney'tiri (Zoe Saldana) sont désormais parents des jeunes Neteyam (Jamie Flatters), Lo'ak (Britain Dalton), Kiri (Sigourney Weaver) et Tuktirey (Trinity Jo-Li Bliss).

Plus de dix ans après leur rencontre et leur bataille menée contre la RDA, les deux héros voient leur existence paisible basculer lorsque les hommes font leur retour sur Pandora. Rattrapés par leur vieil ennemi Miles Quaritch (Stephen Lang), ils sont contraints de prendre la fuite pour protéger leur famille. Ils demandent de l'aide à un autre clan, mené par les guerriers Ronal (Kate Winslet) et Tonowari (Cliff Curtis).

Giovanni Ribisi, Bailey Bass, Jermaine Clement, Edie Falco et CCH Pounder complètent la distribution de cette suite extrêmement attendue, qui doit devenir "le troisième ou quatrième plus gros succès de tous les temps juste pour être rentable", selon James Cameron. Si le long-métrage ne rencontre pas le succès espéré au box-office, le cinéaste a assuré qu'il s'arrêtera au troisième opus. Optimiste mais sceptique, le réalisateur a ajouté lors d'un entretien accordé à Total Film  :

Peut-être que nous réussirons à rappeler aux gens ce que signifie l'expérience cinématographique. Ce film est fait pour ça. Mais est-ce que les gens en ont encore quelque chose à faire ?

Des premiers avis dithyrambiques

Au vu des premiers retours, le public est visiblement toujours intéressé par l'univers créé par James Cameron et a même été largement conquis. Pour la presse anglo-saxonne, Avatar : La Voie de l'eau surpasse son prédécesseur, que ce soit visuellement ou scénaristiquement. Perri Nemiroff de Collider a notamment déclaré :

Avatar : La Voie de l'eau est vraiment incroyable. J'avais confiance en James Cameron pour élever le niveau visuellement, mais là les images sont époustouflantes. (...) Les prouesses techniques sont toujours au service des personnages et de la construction de cet univers.

Pour Ian Sandwell de Digital Spy, "sans surprise, Avatar : La Voie de l'eau est un chef-d'oeuvre visuel". Côté scénario, le journaliste est plus nuancé :

Il souffre d'une histoire assez mince et jongle entre trop de personnages, mais James Cameron les rassemble pour un dernier acte extraordinaire plein d'émotion et d'action palpitante.

Jeff Nelson de CheatSheet parle quant à lui d'une "merveille visuelle" où chaque plan est d'une "beauté fascinante", au service d'"enjeux émotionnels plus forts". Un film qu'il résume comme "la définition d'une épopée". David Ehrlich d'IndieWire le décrit quant à lui comme "la meilleure expérience cinématographique depuis des années". Pour Kara Warner de People, le blockbuster est certes "un petit peu long" mais introduit de nouveaux personnages "formidables".

Tandis qu'Erik Davis de Fandango pense que cette suite est "phénoménale" et "meilleure" que le premier, mais aussi "viscérale et incroyablement captivante", Amon Warmann d'Empire est plus mitigé et affirme l'avoir "aimée, pas adorée".

Pour se faire son propre avis sur Avatar : La Voie de l'eau, rendez-vous dès le 14 décembre 2022 au cinéma.

La sensation Quentin Tarantino

En 1994, Quentin Tarantino s'installe au panthéon des cinéastes américains avec son deuxième long-métrage, Pulp Fiction. Film de gangsters alors unique en son genre, drôle, violent, ultra-référencé, hommage à la culture populaire et objet d'un soin maniaque de la part de son auteur, Pulp Fiction obtient la Palme d'or au Festival de Cannes 1994, le Golden Globe, l'Oscar et le BAFTA du Meilleur scénario, entre autres nombreuses distinctions.

Si Quentin Tarantino est devenu si vite une légende du 7e art, il le doit à ce film, parfaite transformation de l'essai qu'était, deux ans plus tôt, son Reservoir Dogs. Celui-ci, déjà une histoire de gangsters en narration non-linéaire, a en effet idéalement préparé le terrain pour Pulp Fiction, attirant tous les regards d'Hollywood sur le réalisateur, âgé de 29 ans. Alors, quand Quentin Tarantino se met au développement de Pulp Fiction, nombreux sont les prétendants au casting. Dont une star à la popularité mondiale : Bruce Willis.

Pour interpréter le boxeur Butch Coolidge, Quentin Tarantino a un acteur bien en tête, puisqu'il a écrit le rôle pour lui. Il s'agit de Matt Dillon, et ça tombe bien puisqu'il est dans les acteurs "approuvés" par Miramax, qui vient de racheter les droits du film. Quentin Tarantino a tout loisir de constituer le casting qu'il veut, tant que s'y trouvent au moins un ou deux noms validés par la société de Bob et Harvey Weinstein.

La situation est donc a priori idéale, mais Matt Dillon hésite. Selon les propres termes de Tarantino face à Tom Segura, il ne comprend pas entièrement le personnage de Butch, et regarde plutôt vers celui de Vincent Vega, déjà attribué à John Travolta. Matt Dillon ne dit ni "oui" ni "non", mais demande un temps de réflexion. Un temps qui va finalement profiter à Bruce Willis.

Tout le monde veut jouer Vincent Vega

C'est lors d'un passage chez Harvey Keitel, alors à Los Angeles pour un tournage, que Quentin Tarantino rencontre pour la première fois Bruce Willis.

Il se révèle être un immense fan de "Reservoir Dogs" (...) Je pense que c'était ce genre de situation, Harvey a dit à Bruce que mon nouveau scénario circulait à Hollywood, et que je passerai chez lui et donc que s'il voulait le lire et me rencontrer, ce serait le bon moment... Ce que Bruce a fait, puisqu'au moment de notre rencontre, il avait déjà lu le scénario de "Pulp Fiction" !

Bref, à un moment il me prend à part, me dit qu'il veut me présenter à Demi (Moore, ndlr), et donc on marche sur la plage, depuis la maison d'Harvey vers la sienne. "Je veux jouer Vincent !" Je lui réponds que c'est déjà pour John Travolta. On en parle, mais il n'insiste pas, il dit que c'est plutôt un bon choix, etc. En réalité, c'est son agent qui par ailleurs m'a mis la pression. Il m'a dit : "Quentin, est-ce que tu réalises que, quand ton film sortira, le dernier film à date avec Bruce Willis aura été un très grand succès, alors que John Travolta aura fait lui "Allô maman, c'est Noël" ?" (rires)

Une dernière phase de négociation compliquée

Bref, Bruce Willis me demande alors s'il ne peut pas jouer Jules... Et c'est là que ça devient difficile. Parce que j'ai déjà dit non pour Vincent, et là je dois lui redire non. Alors qu'on a besoin d'une star comme Bruce dans le film ! Mais, tout simplement, ça ne va pas. Bruce en Jules, ça ne va juste pas. Je lui dis cependant que je vais y réfléchir, mais rien n'y fait, ça ne peut pas marcher. Alors je lui dis, le lendemain : "le rôle qui te conviendrait parfaitement, c'est celui de Butch. Relis juste une dernière fois le scénario en t'imaginant dans ce rôle". "Ok, je vais faire ça, ce soir". Le lendemain, je l'appelle, et il me dit : "Quentin, la phrase la plus courte dans la Bible est : "Jesus a pleuré". À Hollywood, la phrase la plus courte est : "I'm in". Et "I'm in."

L'anecdote est belle, et la suite l'est aussi. Bruce Willis réduit considérablement ses prétentions salariales contre un intéressement aux recettes du film. Sur un budget de 8 millions de dollars, Pulp Fiction en rapporte 214 millions au box-office mondial. Les critiques concernant sa performance sont élogieuses, et celle-ci offre à Bruce Willis un regain de popularité et un nouveau regard de l'industrie sur son registre d'acteur.

Pulp Fiction : la consécration pour Quentin Tarantino

Révélé avec Reservoir Dogs, Quentin Tarantino est attendu au tournant avec son deuxième long-métrage. En 1994, le cinéaste dévoile Pulp Fiction, film de gangsters constitué de segments coécrits avec Roger Avary où différents personnages se croisent, se tuent, se droguent et bavardent.

Parmi eux, il y a les tueurs à gages Vincent Vega (John Travolta) et Jules Winnfield (Samuel L. Jackson), employés par le caïd Marsellus Wallace (Ving Rhames). Caïd qui fait plusieurs demandes qui virent au cauchemar, à commencer par une proposition de sortie à Vincent pour tenir compagnie à son épouse Mia (Uma Thurman), qui confond malencontreusement de la cocaïne et de l'héroïne au cours d'un chapitre riche en adrénaline.

Le caïd invite par ailleurs le boxeur Butch Coolidge (Bruce Willis) à se coucher pendant un match pour remporter des paris truqués. Ce que l'athlète refuse de faire au dernier moment, provoquant par la suite une course-poursuite désastreuse qui se termine dans la boutique d'un prêteur sur gages légèrement dérangé.

Tim Roth, Amanda Plummer, Harvey Keitel, Christopher Walken, Rosanna Arquette, Eric Stoltz, Maria de Medeiros et Quentin Tarantino lui-même complètent la distribution phénoménale de Pulp Fiction. 18 ans avant celui remis pour Django Unchained, le réalisateur décroche son premier Oscar du Meilleur scénario original pour le long-métrage, également récompensé par la Palme d'or au Festival de Cannes.

La compétition entre Samuel L. Jackson et Paul Calderon

Lorsqu'il écrit Pulp Fiction, Quentin Tarantino a déjà des acteurs en tête pour certains personnages. Il pense notamment à Michael Madsen pour prêter ses traits à Vincent Vega, mais ce dernier refuse pour tourner le western Wyatt Earp. Une décision qu'il regrettera amèrement. Pour son acolyte Jules Winnfield, il songe à Laurence Fishburne. Là encore, il se heurte à un refus, le comédien d'Apocalypse Now et de Boyz'n the Hood estimant que le projet rend "la consommation d'héroïne attrayante".

Le réalisateur propose donc le rôle à Samuel L. Jackson et l'invite à faire une lecture. Confiant et sûr de jouer dans le film, l'acteur retourne ensuite sur le tournage de Fresh. Peu de temps après, il apprend que Paul Calderon (Bad Lieutenant, The King of New York) a fait une audition à New York qui a séduit Quentin Tarantino. Le cinéaste se demande alors si le personnage de Jules Winnfield est vraiment fait pour le futur interprète de Nick Fury.

Samuel L. Jackson prend donc un avion pour Los Angeles pour essayer de convaincre QT et passe le vol à étudier en profondeur le scénario. Mais à son arrivée, il s'aperçoit que son concurrent s'est lui aussi déplacé pour une seconde audition. Interrogé par Vanity Fair, Paul Calderon assure avoir raté ce deuxième essai :

Je n'arrivais pas à retrouver le rythme que j'avais à New York. À la fin, j'ai dit : "J'abandonne".

Quentin Tarantino lui confie tout de même le rôle de Paul, barman qui accueille Vincent et Jules quand ils viennent livrer la fameuse mallette à Marsellus au début du long-métrage.

"J'adore votre travail, Mr. Fishburne"

Quant à Samuel L. Jackson, il est affamé et pas vraiment de bonne humeur lorsqu'il pose le pied à Los Angeles. Il débarque donc au rendez-vous avec un burger acheté en chemin dans un fast-food. Une fois sur place, il ne trouve personne pour l'accueillir et sa colère monte d'un cran quand il se retrouve face à un membre de l'équipe :

J'étais en colère, fatigué et énervé. (...) Quand ils sont arrivés, un producteur délégué ou quelqu'un qui était avec eux m'a dit : "J'adore votre travail, Mr. Fishburne". (...) J'étais là : "Il ne sait même pas qui je suis. Et puis merde". À ce moment-là, je m'en foutais vraiment.

Une attitude qui impressionne Quentin Tarantino ainsi que les producteurs Lawrence Bender et Richard Gladstein, comme le raconte ce dernier :

Quentin, Lawrence et moi étions assis sur un canapé. Il est entré et a commencé à siroter sa boisson et à croquer dans son burger en nous regardant tous. J'étais terrorisé. J'avais l'impression que ce type allait me tirer une balle dans la tête.

Lawrence Bender ajoute :

C'était le type qu'on voit dans le film. Il a dit : "Vous pensez que vous allez donner ce rôle à quelqu'un d'autre ? Je vais vous exploser, bande d'enfoirés".

Quelques mois plus tard, Samuel L. Jackson est nommé à l'Oscar du Meilleur acteur dans un second rôle pour son interprétation de Jules Winnfield. Et il estime qu'il aurait dû remporter la statuette, remise à Martin Landau pour Ed Wood.

Bong Joon-ho, après le succès de Parasite

On n'a pas attendu Parasite (2019) pour savoir que Bong Joon-ho était un cinéaste talentueux. Le réalisateur coréen en aura marqué plus d'un avec Memories of Murder (2003), son deuxième long-métrage, avant que ne vienne l'excellent The Host (2006). Puis, si les cinéphiles pointus auront certainement vus Mother (2009), le cinéaste aura commencé à toucher un plus grand public avec Snowpiercer, le Transperceneige (2013), en langue anglaise et avec notamment Chris Evans au casting.

Par la suite, Bong Joon-ho est resté dans une production internationale avec Okja (2017), disponible sur Netflix, avant de revenir à un film 100% coréen avec Parasite. C'est avec celui-ci que le réalisateur a obtenu son plus grand succès en France (presque 2 millions d'entrées) et une reconnaissance mondiale. Il est en effet récompensé en 2019 de la Palme d'or au Festival de Cannes, avant de repartir avec le Golden Globes, le BAFTA et le César du meilleur film étranger, ainsi que les Oscars du Meilleur film, du Meilleur film international, du Meilleur réalisateur et du Meilleur scénario original.

Robert Pattinson se dévoile dans Mickey 17

Devant un tel succès, Bong Joon-ho n'a pas dû avoir beaucoup de mal à trouver des financements pour son prochain film, Mickey 17. Pour cela, il s'est associé au studio Warner Bros. Il a donc décidé de s'essayer une fois de plus à un film en langue anglaise. Surtout, le réalisateur a choisi un acteur de renom pour porter son long-métrage, en la personne de Robert Pattinson.

L'interprète de Batman ne cesse d'ajouter à son CV des collaborations avec des auteurs prestigieux. Comme on l'annonçait en début d'année 2022, Mickey 17 est l'adaptation du roman de science-fiction d'Edward Ashton. Le film va raconter l'histoire d’un "consommable", un employé jetable envoyé avec une expédition chargée de coloniser le monde de glace Niflheim. Si une mission devient trop dangereuse, il prend le relais car, s'il meurt, un nouveau corps est régénéré avec la plupart de ses souvenirs intacts.

Mickey 17 n'arrivera dans les salles qu'en 2024, mais Warner Bros. a déjà partagé un premier teaser (en une et fin d'article). Des images qui ne permettent pas d'en apprendre beaucoup plus sur le film, mais on peut sentir l'ambiance glaciale avec le regard froid de Robert Pattinson à son réveil. Cette vidéo promotionnelle est surtout l'occasion pour Warner d'annoncer que Mickey 17 sortira uniquement dans les salles de cinéma, le 29 mars 2024 aux Etats-Unis (probablement le 27 en France).

Mort de Kirstie Alley

Née le 12 janvier 1951, Kirstie Alley est décédée ce 5 décembre 2022 à l'âge de 71 ans. Une bien triste nouvelle annoncée sur le compte Instagram de l'actrice. Cette dernière se battait contre un cancer "découvert récemment", ont précisé ses enfants Lillie Price Stevenson et William True Stevenson.

À tous nos amis, partout dans le monde... Nous avons la tristesse de vous informer que notre mère incroyable, féroce et aimante est décédée après une bataille contre un cancer, découvert récemment. Elle était entourée de sa famille la plus proche et s'est battue avec une grande force, nous laissant avec la certitude de sa joie de vivre éternelle et de toutes les aventures qui l'attendent. Aussi emblématique qu'elle était à l'écran, elle était une mère et une grand-mère encore plus étonnantes.

Les hommages de John Travolta et Ted Danson

Kirstie Alley commença sa carrière en apparaissant au cinéma dans Star Trek 2 : La Colère de Khan (1982) puis dans la série Masquerade (1983-1984). Si elle enchaîne les années suivantes des rôles secondaires, elle marque déjà les esprits avec la série populaire Cheers (1987 - 1993) avec Ted Danson, avant de devenir le visage iconique de Mollie dans Allô maman, ici bébé ! (1990). Une comédie romantique qu'elle partage avec John Travolta, qui n'a pas manqué de rendre hommage à la comédienne suite à l'annonce de son décès.

Ted Danson s'est également exprimé auprès de Deadline. Il évoque son souvenir d'une scène tournée avec elle dans Cheers, mettant en avant "sa capacité à jouer une femme au bord de la dépression nerveuse en étant à la fois émouvante et extrêmement drôle", ainsi que les nombreux moments de joie qu'il a pu partager avec Kirstie Alley.

Je suis tellement triste mais aussi reconnaissant pour toutes les fois où elle m'a fait rire. J'envoie mon amour à ses enfants. Comme ils le savent bien, leur mère avait un cœur en or. Elle me manquera.

Inoubliable Allô maman, ici bébé !

Dans Allô maman, ici bébé !, Kirstie Alley interprète une mère célibataire qui trouve un peu de soutien avec James, le chauffeur de taxi qui l'a conduite à l'hôpital le jour de son accouchement. Après cela, Mollie et James restent amis. Il devient même le baby-sitter de son fils Mikey, avant de tomber amoureux de Mollie.

La particularité de cette comédie fraîche et charmante, et que même s'il n'est pas en âge de parler, le jeune Mikey exprime ses pensées par une voix off (celle de Bruce Willis) qui ajoute une tonalité comique. Allô maman, ici bébé ! a été un beau succès avec près de 300 millions de dollars de recettes dans le monde. Le film a permis à Kirstie Alley de devenir une actrice mémorable pour toute une génération.

Après cela, deux suites ont vu le jour, Allô maman, c'est encore moi (1991) et Allô maman, c'est Noël (1993). Pour le public français, on se souvient de la voix de Marie Vincent qui doublait l'actrice dans ces trois films - entre autres.

Durant les années 1990, on a également pu voir Kirstie Alley dans Harry dans tous ses états (1997) de Woody Allen ou dans Les Sexton se mettent au vert (1997) aux côtés de Tim Allen. Sa dernière apparition devant les écrans a eu lieu en 2022 dans la version américaine de The Masked Singer.

C'est quoi Gen V ?

La série The Boys est déjà incontournable. Après trois saisons, le show d'Eric Kripke est devenu un classique instantané des productions super-héroïques modernes. En adaptant le comics emblématique de Garth Ennis, le showrunner a créé un spectacle trash, violent et impactant qui a su conquérir le cœur des fans. Portée par Karl Urban et Antony Starr, la série est aujourd'hui une référence absolue du genre et les fans attendent avec impatience la saison 4.

Après le succès de The Boys, Amazon Prime Video a commencé à développer des productions dérivées du show d'Eric Kripke. Cette année déjà, la plateforme a proposé à ses utilisateurs l'anthologie animée The Boys – Diabolical. L'année prochaine, l'univers de The Boys va continuer de s'étendre avec une deuxième série spin-off intitulée Gen V.

Une bande-annonce explosive

En référence au composant V créé par Vought International, Gen V va suivre la vie mouvementée de jeunes super-héros en devenir, qui apprennent les rouages du métier dans une école ultra compétitive gérée par la multinationale. Leur résistance physique et mentale, leurs compétences et leurs limites sont testées dans cet établissement tout aussi corrompu que le reste de l'empire Vought. Les étudiants les plus talentueux (et surtout obéissants) auront droit ainsi aux meilleurs contrats et pourront rejoindre des équipes influentes comme les Seven. Créée par Craig Rosenberg, cette série réunit un casting notamment composé de Jaz Sinclair, de Clancy Brown ou encore de Patrick Schwarzenegger, le fils d'Arnold Schwarzenegger.

En attendant la sortie de Gen V prévue pour l'année prochaine, Amazon vient de dévoiler la toute première bande-annonce du show. Et sans surprise, cette série semble s'inscrire dans la droite lignée de The Boys. Des images qui distillent une violence graphique trash et jouissive qui semble être poussée à l'excès. Gen V va évidemment présenter son lot de nouveaux personnages mais ramènera également des figures connues de la série phare. En effet, Ashley Barrett (Colby Minifie) et A-Train (Jessie T. Usher) apparaissent dans ce premier trailer. Une révélation qui tend à confirmer que Gen V sera davantage connectée à The Boys que ce qu'on pensait initialement. En attendant la sortie de Gen V, on vous laisse avec cette bande-annonce à découvrir en tête d'article !

À couteaux tirés : la première enquête de Benoit Blanc

En 2019, deux ans après avoir signé Star Wars, épisode VII : Les Derniers Jedi, Rian Johnson présente au public un détective excentrique avec À couteaux tirés. Lorsqu'il apprend le décès du romancier Harlan Thrombey (Christopher Plummer), il se rend dans son manoir pour prêter main forte à l'inspecteur Elliott (Lakeith Stanfield).

Alors que tout laisse penser que le richissime écrivain s'est suicidé, plusieurs signes mettent Benoit Blanc (Daniel Craig) sur la piste d'un possible assassinat commis pour toucher l'héritage. Les réactions des proches de Thrombey quand ils apprennent que son infirmière Marta (Ana de Armas) est l'unique bénéficiaire de son testament finissent de convaincre Blanc que quelque chose ne tourne pas rond.

Le privé essaie donc de découvrir les lourds secrets de famille qui pourraient être à l'origine du meurtre. Jamie Lee Curtis, Chris Evans, Don Johnson, Toni Collette, Michael Shannon, Katherine Langford et Jaeden Martell incarnent les suspects de ce whodunit qui cherche à détourner les codes du genre avec ironie.

Ana de Armas jugée "inexpérimentée"

Lorsqu'elle tourne À couteaux tirés, Ana de Armas n'est pas encore la star internationale qu'elle devient grâce à ses performances dans Blonde, Mourir peut attendre ou encore The Gray Man. Elle a malgré tout fait une interprétation remarquée dans Blade Runner 2049 et tenu des rôles dans Knock Knock et War Dogs.

La comédienne en est donc encore à ses débuts dans l'industrie hollywoodienne, ce qui n'échappe pas à Jamie Lee Curtis. L'actrice d'Halloween et True Lies va même jusqu'à penser qu'Ana de Armas est totalement "inexpérimentée". Gênée, elle confesse ses préjugés dans les colonnes du magazine ELLE en juillet 2022 :

J'ai supposé - et je le dis avec beaucoup d'embarras - qu'elle venait d'arriver, parce qu'elle venait de Cuba. Je me suis dit qu'elle était une jeune femme inexpérimentée et peu raffinée. Le premier jour de tournage, je lui ai demandé : "Qu'est-ce que tu rêverais de faire ?"

Si Jamie Lee Curtis pose cette question à sa partenaire de jeu, c'est parce qu'elle est impressionnée par son talent et qu'elle aimerait la présenter à Steven Spielberg, persuadée qu'elle pourrait incarner Maria dans West Side Story.

Depuis, les deux comédiennes se sont liées d'amitié et Jamie Lee Curtis ne tarit pas d'éloges à l'égard d'Ana de Armas, vantant sa simplicité et son humilité :

Elle n'est pas aussi sophistiquée que les publicités voudraient peut-être le faire croire. (...) Elle est curieuse et pose beaucoup de questions.

Les Trois Mousquetaires : l'événement cinéma de 2023

L'année prochaine, Les Trois Mousquetaires d'Alexandre Dumas reprennent du service au cinéma ! En effet, le réalisateur Martin Bourboulon (Eiffel) a mis en scène deux longs-métrages adaptés de l'oeuvre culte qui sortiront les 5 avril et 13 décembre 2023 : D'Artagnan et Milady. Pour les porter, il a réuni un casting de haute volée. Ainsi, on retrouvera, entre autres : François Civil (D'Artagnan), Eva Green (Milady), Vincent Cassel (Athos), Romain Duris (Aramis) et Pio Marmaï (Porthos). Louis Garrel jouera quant à lui le roi Louis XIII.

Les deux films produits par Pathé et Chapter 2 ont été tournés en France, en décors naturels, en 2022. Ils ont nécessité la présence de milliers de figurants. Dotés d'un gros budget, ils s'annoncent comme une aventure épique et ambitieuse, comme on n'en voit que trop rarement en France :

Du Louvre au Palais de Buckingham, des bas-fonds de Paris au siège de La Rochelle… Dans un Royaume divisé par les guerres de religion et menacé d’invasion par l’Angleterre, une poignée d’hommes et de femmes vont croiser leurs épées et lier leur destin à celui de la France.

Un premier teaser épique

À quatre mois de la sortie du premier film, Pathé a dévoilé un teaser avec des images des deux longs-métrages Les Trois Mousquetaires. Et l'ambition annoncée transparaît déjà à l'image. On découvre notamment avec joie une Eva Green vénéneuse dans le rôle de Milady. Ou encore un François Civil parfait dans la peau de D'Artagnan. L'attention a été portée sur les costumes et les décors qui font honneur à l'oeuvre d'Alexandre Dumas. La direction artistique est semble-t-il dans la même veine que Le Pacte des Loups de Christophe Gans.

Et comme un bonheur n'arrive jamais seul, Pathé a également dévoilé la première affiche officielle de D'Artagnan :

C'est quoi Le Late avec Alain Chabat ?

Ancien de la maison Canal, Alain Chabat a surpris en arrivant sur TF1 avec une émission de divertissement inédite : Le Late avec Alain Chabat. Avec ce programme, le comédien et réalisateur s'est amusé à parodier les célèbres late shows américains. Il y reprend ainsi le concept d'émissions comme The Tonight Show de Jimmy Fallon avec beaucoup d'humour et d'ironie pour proposer sensiblement la même chose, mais « à la française ».

Pendant deux semaines, Alain Chabat a ainsi reçu de nombreux invités pour déconner et s'amuser en toute décontraction avec les codes des late shows. Jean Dujardin, Philippe Katerine, Gilles Lellouche, Marina Foïs, Fred Testot, Jérôme Commandeur, Monica Bellucci, on en passe et des meilleurs, sont tous venus rendre visite à Alain Chabat, au top de sa forme comique.

Le génie pince-sans-rire d’Édouard Baer

Lors de l'émission du 1er décembre dernier, Alain Chabat a reçu son ami Édouard Baer et la comédienne Stéfi Celma, actuellement à l'affiche de Balle Perdue 2 sur Netflix. Édouard Baer est actuellement au théâtre de la Porte Saint-Martin dans la pièce Le Journal de Paris jusqu'au 19 décembre. Une actualité qui a poussé Alain Chabat a posé une question décalée :

Alors, acteur de théâtre, c'est une bonne ou un mauvaise situation ?

Le cinéaste fait évidemment référence à l'une des scènes cultes de son film Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre, dans lequel Édouard Baer récite son célèbre monologue qui commence ainsi : « Mais vous savez, moi, je ne crois pas qu'il y ait de bonne ou de mauvaise situation. Moi si je dois résumer ma vie aujourd'hui... »

Un monologue emblématique en partie improvisé par le comédien. Et alors que le public s'attend à ce qu'Édouard Baer reprenne cette célèbre réplique, les deux comédiens partent dans une autre direction. En effet, Édouard Baer se contente alors simplement de répondre « Oui c'est bien ». Un effet comique efficace qu'on vous partage ci-dessous. Les deux comédiens ont déjà travaillé ensemble à trois reprises au cinéma, dans Mission Cléopâtre (2001) donc, mais aussi dans Turf (2013) et Un monde à nous (2008). Ils se retrouveront bientôt une quatrième fois dans Daaaaaali !, de Quentin Dupieux.

Violent Night : le Père Noël contre les ordures

Après The Trip, le réalisateur norvégien Tommy Wirkola signe un nouveau home invasion sanglant avec Violent Night. Un long-métrage ultra référencé, dans la lignée de John Wick et Nobody, qui multiplie les clins d'oeil à des films de Noël cultes comme Maman, j'ai raté l'avion !, Piège de cristal ou encore Bad Santa (découvrez notre critique ici).

Lessivé, alcoolique et blasé de devoir déposer des cadeaux à des enfants qui en profiteront à peine, le Père Noël (David Harbour) effectue malgré tout sa traditionnelle tournée annuelle. Alors qu'il se rend chez la richissime Gertrude Lightstone (Beverly D'Angelo), qui reçoit plusieurs membres de sa famille dont sa petite-fille Trudy (Leah Brady), il s'aperçoit que des gangsters menés par le terrible Scrooge (John Leguizamo) se sont introduits dans la vaste demeure pour percer son coffre-fort.

Contacté par la jeune Trudy, Saint-Nicolas accepte de leur venir en aide. Et lorsqu'il se munit d'une masse, son arme de prédilection, ce guerrier scandinave connu autrefois sous le nom de Nicomud le Rouge fait un véritable massacre.

Un entraînement épuisant pour David Harbour

Pour incarner ce Père Noël surpuissant qui brise un nombre incalculable de membres, Tommy Wirkola a immédiatement pensé à David Harbour, comme il l'explique dans le dossier de presse :

Regardez son charisme, sa force physique et son sens de l’humour. Il s’est jeté à corps perdu dans ce film et il s’est entraîné comme jamais pour exécuter toutes les scènes d’action.

Afin d'être à la hauteur des scènes physiques, le comédien a pratiqué le ju-jitstu et la lutte gréco-romaine. Interrogé par le Hollywood Reporter, l'acteur a assuré que son expérience sur Violent Night est "de loin le rôle le plus physique" de toute sa carrière. Il a précisé :

Nous avons commencé à nous entraîner début décembre (2021), et j'ai ressenti un épuisement comme je n'en ai jamais ressenti de toute ma vie. J'avais les jambes qui tremblaient, je me couchais à 17h30 d'épuisement.

Pendant le tournage à Winnipeg, au Canada, David Harbour a par ailleurs pris l'habitude de manier la fameuse masse de son personnage. Un accessoire auquel il s'est visiblement attaché :

J'adore cette masse. J'avais pris l'habitude de m'asseoir dans mon appartement à Winnipeg et de la faire tournoyer.

Et malgré cet entraînement intensif, le tournage de certaines scènes d'action a été difficile pour le comédien, gêné par sa perruque, sa fausse barbe et sa fausse moustache. Il a ajouté que la scène dans le hangar a été un véritable challenge :

C'était vraiment dur. Il y avait beaucoup de chorégraphies éreintantes dans celle-ci.

Les Gardiens de la Galaxie Vol. 3 : la dernière odyssée

En 2014, James Gunn (Horribilis, Super) introduit une nouvelle équipe de super-héros au sein du MCU avec Les Gardiens de la Galaxie. Initialement composé de Peter Quill (Chris Pratt), Gamora (Zoe Saldana), Drax (Dave Bautista), Rocket (Bradley Cooper) et Groot (Vin Diesel), le groupe s'agrandit dans le deuxième opus sorti en 2017.

Après avoir allié leurs forces à celles de Tony Stark et ses acolytes dans Avengers : Infinity War et avoir contribué à la chute de Thanos dans Avengers : Endgame (ce qui a d'ailleurs nécessité des sacrifices dramatiques), l'escouade a brièvement accompagné le Dieu du Tonnerre dans Thor : Love and Thunder.

L'an prochain, les super-héros seront de retour dans les salles obscures pour une dernière virée avec Les Gardiens de la Galaxie Vol. 3. Un ultime opus dont Marvel vient de dévoiler un aperçu lors de l'édition 2022 de la Brazil Comic-Con.

Un opus sombre et différent

Dans cette conclusion, le groupe mené par Peter Quill devrait évidemment partir à la recherche de Gamora. Interrogé par Deadline en janvier 2022, James Gunn assure que le film sera nettement plus sombre que ses prédécesseurs, mais aussi "différent de ce à quoi les gens pourraient s'attendre". Le réalisateur ajoute :

C'est la fin pour nous, la dernière fois que les gens verront cette équipe de Gardiens.

Le cinéaste promet également que Rocket aura une place plus importante dans l'intrigue. L'équipe devrait par ailleurs croiser à nouveau la Grande Prêtresse Ayesha (Elizabeth Debicki), mais aussi le redoutable Adam Warlock (Will Poulter). Côté casting, Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, Vin Diesel, Pom Klementieff, Karen Gillan et Sean Gunn sont évidemment de retour.

Les Gardiens de la Galaxie Vol. 3 est à découvrir au cinéma dès le 3 mai 2023. En attendant, retrouvez la bande-annonce en tête d'article.

Indiana Jones 5 se dévoile

Le grand archéologue et aventurier Henry Walton Jones Jr. - mais appelez-le plutôt Indiana Jones - est de retour, et dès les premières secondes de cette bande-annonce dévoilée par Lucasfilm (ci-dessus), les frissons arrivent. Quinze ans après Indiana Jones et le Royaume du crâne de cristal, Harrison Ford revient dans la peau de son plus grand personnage et le revoir sur le chemin d'une nouvelle aventure qui s'annonce épique fait chaud au coeur : Indiana Jones et le Cadran de la Destinée.

La première bande-annonce de ce film très ambitieux, dont Steven Spielberg a passé la réalisation à James Mangold, débute sur la voix de Sallah (Jonathan Rhys-Davies) qui raconte sa nostalgie de leurs aventures, que ce temps lui manque. Les héros ont vieilli, mais ce temps est révolu pour Indy, qu'on découvre en paix avec sa routine d'enseignant, le fouet et le chapeau bien remisés. Mais le passé va le rattraper, plus précisément sa lutte contre les nazis, quand dans le même temps il va lui falloir s'associer à sa filleule Helena (Phoebe Waller-Bridge).

Du grand spectacle et des références

Le spectacle de Indiana Jones et le Cadran de la Destinée s'annonce prometteur avec ce qu'il faut de courses-poursuites, de bagarres, d'humour et d'auto-références (on a aussi aperçu un cockpit très Star Wars...). L'énergie est là, et plus le thème de John Williams s'envole, plus on perçoit un souffle épique. Côté intrigue, difficile de voir toute la cohérence entre les différents événements montrés. Poursuite et fusillade au Moyen-Orient, course à cheval dans le métro new-yorkais, train, avion, nazis, antiquités et un Boyd Holbrook à l'allure teigneuse...

On sait qu'une partie du film se déroule en 1969, à la période du retour des astronautes de la mission spatiale Apollo 11, et qu'une autre se passe à la fin de la Seconde Guerre mondiale, mais pour le reste il faudra attendre pour en apprendre plus. Notamment sur les personnages d'Helena et celui d'Antonio Banderas, dont on a qu'un trop bref aperçu.

Mort de Mylène Demongeot

Ce jeudi 1er décembre, l'écrivain et journaliste Henry-Jean Servat a annoncé la mort de Mylène Demongeot. La comédienne est décédée à l'âge de 87 ans des suites d'une longue maladie, selon les informations de Midi Libre. Pendant plusieurs années, l'actrice s'est battue contre un cancer du péritoine. Lors d'une interview accordée à Public en janvier 2022, elle révélait être en rémission :

Il y a quelques jours, lors de mon scanner de contrôle, mon médecin me dit : "Vous êtes guérie!" J’ai bondi au plafond.

Mylène Demongeot assurait également avoir conscience que le cancer "l'enquiquinerait probablement jusqu'à la fin".

Une carrière de près de 70 ans

Après des débuts en tant que mannequin, notamment pour le photographe Henry Coste, Mylène Demongeot se construit une carrière de près de 70 ans au cinéma et à la télévision. Elle joue dans son premier film Les Enfants de l'amour en 1953, à seulement 17 ans. Le long-métrage qui la révèle est Les Sorcières de Salem de Raymond Rouleau, dans lequel elle donne la réplique à Simone Signoret et Yves Montand. Son interprétation lui vaut d'ailleurs d'être nommée aux BAFTA Awards.

La comédienne tourne ensuite sous la direction d'Otto Preminger pour Bonjour tristesse, de Mauro Bolognini dans Les Garçons, de Jean Becker dans Tendre voyou ou encore de son compagnon Marc Simenon à de nombreuses reprises (Le Champignon, Signé Furax), jusqu'à la mort accidentelle de ce dernier en 1999 après 31 ans de mariage. Elle incarne par ailleurs Hélène dans la saga Fantômas, Milady dans les deux volets des 3 mousquetaires de Bernard Borderie et Laurette Pic dans la trilogie Camping.

Mylène Demongeot a été nommée deux fois au César de la Meilleure actrice dans un second rôle, pour 36 quai des Orfèvres et La Californie. Ces dernières années, elle apparaît notamment dans les séries No Limit, Caïn et Capitaine Marleau, ainsi que dans les films Sage Femme et Maison de retraite.

En août 2018, elle déclare au cours d'un entretien pour Ouest-France :

La vie, on n’en a qu’une. Faut se défoncer pour que ça se passe le mieux possible. (...) Je me suis construit la vie que je voulais, je recommencerais tout pareil, et continuerai jusqu’au bout. Je vais droit devant, et vis dans l’instant présent.

Les Transformers reviennent !

Depuis ses débuts en 2007, la saga Transformers est particulièrement lucrative. Pourtant, sur le papier, le projet n'était pas forcément le plus attirant - une adaptation des jouets de la marque Hasbro. Mais le premier film réalisé par Michael Bay est parvenu à attirer le public en proposant des combats monstrueux entre des robots géants.

D'un côté les Autobots, qui ont fui leur planète Cybertron et se sont réfugiés sur la Terre. De l'autre, leurs ennemis les Decepticons qui comptent bien dominer le monde des humains et exterminer définitivement les Autobots. Rappelons que ces extraterrestres ont la particularité de pouvoir se transformer en n'importe quel véhicule, d'où le nom Transformers.

Pour les accompagner et permettre au public de mieux s'identifier, Michael Bay a ajouté quelques humains, avec dans les deux premiers films Sam Witwicky et Mikaela portés par Shia LaBeouf et Megan Fox. Un casting qui a évolué au fur et à mesure.

En cinq films, la saga Transformers a rapporté plus de 4 milliards de dollars de recettes à travers le monde. À cela s'ajoute le spin-off Bumblebee (2018), pour plus de 460 millions de dollars de recettes. Il est donc logique que Paramount continue de profiter de la franchise avec un septième film intitulé Transformers: Rise of the Beasts.

Direction les 90's pour Optimus Prime

Transformers: Rise of the Beasts ne sortira pas avant l'été prochain mais le studio nous offre déjà une première bande-annonce (en une d'article). Et même si Michael Bay n'est plus à la réalisation (comme pour Bumblebee), remplacé par Steven Caple Jr. (Creed 2) mais toujours présent comme producteur, on nous promet un sacré spectacle avec des séquences d'action toujours aussi impressionnantes visuellement.

Cependant, l'important est pour l'instant plus au niveau de l'intrigue puisque ce nouveau film devrait relancer totalement la saga pour donner lieu à une nouvelle trilogie. L’action se déroulera ainsi dans les années 1990 et nous emmènera aux quatre coins du globe.

Le combat entre les Autobots et les Decepticons fera toujours partie du récit, avec évidemment la présence d'Optimus Prime. Mais on verra s'ajouter deux anciennes factions de Transformers, les Maximals et les Predacons. C'est une archéologue interprétée par Dominique Fishback et un ancien militaire incarné par Anthony Ramos qui trouverons leur trace et seront donc au milieu d'un combat titanesque. Le film sera à découvrir dans les salles le 7 juin 2023.

Comme un soupçon de navet

En 2012, la comédie "culinaire" de Daniel Cohen Comme un chef se rate dans les grandes largeurs. Sur un budget de 10 millions d'euros, l'histoire d'un célèbre chef angoissé de perdre une de ses étoiles au Michelin et de son apprenti inventif et rigolo, respectivement interprétés par Jean Reno et Michaël Youn, n'encaisse qu'un peu plus de 2,5 millions de recettes en France, pour un total mondial d'environ 7 millions... Côté public, le film passe quasiment inaperçu, malgré une sélection dans de nombreux festivals secondaires en 2012 et en 2014. En somme, un beau four.

Comme un chef, sur un sujet pourtant a priori porteur, est malheureusement bien trop plat pour mettre en valeur son univers et ses qualités de départ. Jean Reno comme Michaël Youn en font chacun le minimum. Les plats et globalement l'art culinaire ne sont jamais mis en valeur. Le rythme est faible... On est très loin de l'inspiration assumée par le réalisateur de L'Aile ou la cuisse. Et pourtant, le film va être distingué. Enfin, "distingué", avec une grande ironie. En effet, Jean Reno va être nommé dans deux catégories différentes de la 7e et dernière cérémonie des Gérard du Cinéma.

Jean Reno distingué par les "Razzie Awards" français

Créée en 2006 par le journaliste Frédéric Royer, les Gérard du cinéma est une cérémonie parodique et satirique qui moque les grandes cérémonies de récompenses en distinguant les pires performances et réalisations du cinéma français de l'année. Cette cérémonie s'inspire directement de la cérémonie américaine des Razzie Awards, dont le principe est exactement le même.

Les Gérard du Cinéma sont passés en 2008 de nominations simplement inversées (pire film, pire acteur, pire réalisateur, etc.) à des nominations aux intitulés à chaque fois uniques et les plus humoristiques possibles. Ainsi, pour sa dernière édition en 2012, Jean Reno a été distingué par deux nominations très particulières, pour une récompense.

L'acteur de Léon et de Mission : Impossible a ainsi été nommé, pour sa performance dans Comme un chef, au "Gérard de l'acteur culte qui tournait dans des bons films. Et puis, un jour visiblement, ça l'a fait chier". Nommé dans cette catégorie à l'intitulé drôle et perspicace aux côtés de Valérie Lemercier, Clovis Cornillac, Christian Clavier et Jean-Pierre Bacri. C'est ce dernier qui remporte le Gérard, pour sa prestation dans Avant l'aube.

Mais Jean Reno ne repart pas bredouille, puisqu'il obtient la victoire dans la catégorie Gérard du désespoir masculin. Il remporte donc un parpaing de 5 kilos en or. Il faisait face à des concurrents comme Louis Garrel, Franck Dubosc, Élie Semoun  et Jérémie Elkaïm.

Les Frères Scott, un teen drama culte

Les Frères Scott fut une des séries pour adolescents importantes des années 2000. Du teen drama comme on aime avec des acteurs et des actrices d'une vingtaine d'années pour jouer des lycéens, et toutes et tous magnifiques. Durant neuf saisons on aura suivi les déboires amoureuses de Lucas et Nathan, deux demi-frères en rivalité au début de la série.

Une rivalité sur le terrain de basket du lycée, mais également avec les filles. Car Lucas tombe rapidement amoureux de Peyton, la petite amie de Nathan. Et à l'inverse, l'amie d'enfance de Lucas, Haley, tombe elle sous le charme de Nathan. Sans oublier la présence de Brooke, la meilleure amie de Peyton qui viens compléter un triangle amoureux.

La popularité du show a permis de révéler les deux acteurs Chad Michael Murray (Lucas) James Lafferty (Nathan). Mais les filles autour d'eux n'étaient pas en reste. Hilarie Burton dans le rôle de Peyton, Bethany Joy Lenz dans celui d'Haley et Sophia Bush pour interpréter Brooke ont toutes marqué les esprits des fans. Un trio fort sympathique devant l'écran et resté soudé en dehors.

Hilarie Burton jugée trop grosse

Régulièrement, les trois amies se sont retrouvées pour des moments privés ou pour discuter de la série Les Frères Scott. Elles ont en effet lancé le podcast Drama Queens dans lequel elles reviennent sur les épisodes du show. Et celui sur l'épisode 4 de la saison 4 a donné lieu à des révélations choquantes sur les coulisses de la série.

Les comédiennes se sont en effet attardées sur la couverture du magazine Maxim qu'elles ont eu à faire en 2006. Une photo sexy regroupant Hilarie Burton, Sophia Bush, et Danneel Ackles (Rachel, apparue dans la série à partir de la saison 3). D'abord, on notera l'absence de Bethany Joy Lenz sur cette photo. Pourquoi ? Parce que, d'après l'actrice, la production lui aurait expliqué que le magazine ne l'avait pas approchée car elle était "trop grosse".

Je n'étais pas la fille canon.

Obligées de poser pour Maxim

Une absurdité qui a évidemment choqué ses deux amies dans le podcast. Mais ces dernières n'ont également pas vécu un moment très agréable avec cette couverture de magazine puisqu'elles ont tout simplement été forcées de la faire par la production. Hilarie Burton explique :

On nous a présenté les choses de manière soft en disant : Les autres séries ont fait les couvertures de tous les magazines, et personne ne veut de vous. Il y a enfin quelqu'un qui vous veut, et vous allez refuser ?

Sophia Bush a renchéri en expliquant qu'elle en avait un peu marre que son personnage, Brooke, soit toujours autant sexualisé et ne voulait donc pas participer. Mais elle n'a pas vraiment eu son mot à dire.

Brooke était tellement sexualisée dans la série et comme cela concernait l’intrigue de Rachel, je me suis dit : "Si les filles veulent le faire, c’est génial. Mais moi, je ne veux pas. Je me suis battue pour que Brooke soit moins impliquée dans ce truc que vous avez essayé de me forcer à faire.

Et on m'a littéralement dit : "Si tu ne fais pas la photo de cette couverture avec tes collègues, on peut t'assurer que tu sera plus jamais libérée pour faire la moindre journée presse, que ce soit pour un film, un événement, ou une de tes œuvres de charité. Nous te garderons ici pour toujours.

Une véritable menace pour forcer Sophia Bush à se plier aux exigences de la production. Une nouvelle vision déplorable des coulisses de Les Frères Scott puisqu'en 2017 le créateur de la série Mark Schwahn avait été accusé d'harcèlement sexuel par des scénaristes de la série ainsi qu'Hilarie Burton et Danneel Ackles.

Crazy Bear, une histoire folle

Après avoir dirigé Charlie's Angels, sorti en 2019, l'actrice et réalisatrice Elizabeth Banks change de registre avec Crazy Bear, une pure comédie basée en partie sur une histoire vraie. On pourra d'ailleurs regretter que le film soit titré en France Crazy Bear, au lieu du titre original et parfaitement explicite Cocaine Bear. Une histoire partiellement vraie donc, puisqu'elle se développe depuis le fait divers qui suit, totalement improbable mais authentique.

En 1985, un trafiquant de drogue américain largue quarante kilos de cocaïne au-dessus d'une forêt de l'état de Géorgie. Il rate son saut en parachute et meurt de la chute. Mais ses kilos de cocaïne vont parvenir dans des narines très particulières. En effet, un ours noir va ingérer la drogue en grande quantité et malheureusement en décéder. Un fait divers devenu légendaire aux États-Unis, et qui devait forcément se retrouver un jour ou l'autre sur un écran de cinéma.

Dinguerie en approche

Elizabeth Banks, au scénario et à la réalisation de Crazy Bear, a clairement choisi de prendre des libertés pour raconter cette histoire et développer une comédie que les images de la bande-annonce indiquent complètement barrée. Entre la population locale, des randonneurs et des trafiquants à la recherche de leur cargaison, l'ours coké va rassembler pas mal de monde dans un film potentiellement hilarant, entre pure comédie et survival.

À son casting, quelques têtes connues comme notamment Keri Russell et O'Shea Jackson Jr., le regretté Ray Liotta,Isiah Whitlock Jr. et Margo Martindale. Par ailleurs l'humoriste Scott Seiss, connu pour ses vidéos TikTok, est aussi de la partie, ainsi que les tout jeunes acteurs Christian Convery et Brooklynn Prince.

Attendu le 1er mars 2023 dans les salles françaises, Crazy Bear a le goût de promesses délicieuses, qu'il a bien intérêt à tenir.

Mercredi : la nouvelle série star de Netflix

Disponible depuis le 23 novembre dernier, Mercredi a battu le record du meilleur démarrage pour une série Netflix en langue anglaise avec plus de 341 millions d'heures visionnées. Le public a semble-t-il apprécié de retourner dans l'univers décalé de la famille Addams à travers les yeux de l'adolescente de la famille incarnée pour l'occasion par l'excellente Jenna Ortega.

Imaginée par Tim Burton (qui a également réalisé la moitié des épisodes), la série se déroule de nos jours. On découvre la jeune Addams dans un lycée américain banal, mais les choses se corsent rapidement. Après avoir tenté de tuer des ados qui maltraitaient son jeune frère Pugsley, elle est renvoyée de l'établissement. Ses parents, Morticia et Gomez (interprétés par Catherine Zeta-Jones et Luis Guzman) décident donc de la mettre dans une école privée baptisée la Nevermore Academy, dédiée aux adolescents "particuliers".

Sur place, elle découvre un univers peuplé d'êtres marginaux comme des loups-garous ou des gorgones. Malgré cet environnement propice à l'acceptation, elle ne parvient pas à s'intégrer et son quotidien est rapidement chamboulé par des morts suspectes qu'elle compte bien résoudre. Les huit épisodes s'attachent donc à suivre l'enquête que mène Mercredi, mais également à lever le mystère sur sa famille.

Un rôle prédestiné ?

Reprendre le rôle de Mercredi après Christina Ricci n'était pas chose aisée. Pourtant, Jenna Ortega se l'est parfaitement approprié. Sans singer les précédentes interprètes de la jeune Addams, elle est parvenue à lui donner un nouveau souffle. En témoigne la meilleure scène de la série, lorsqu'elle enflamme la piste de danse :

Et si ce rôle lui avait toujours été prédestiné ? Le journaliste Jon Negroni a posté sur Twitter un extrait de la série Harley, le cadet de mes soucis, la série Disney Channel dans laquelle elle a débuté à l'âge de 14 ans. Son personnage y déclare que dans une famille de 7 enfants, elle est toujours "coincée au milieu". Et que si elle devait être un jour de la semaine, elle serait... Mercredi.

Un clin d'oeil insolite qui fait office de prophétie.

Emily in Paris saison 3 : Noël est en avance sur Netflix

Voilà déjà deux ans qu'Emily Cooper (Lily Collins) a débarqué à Paris et dans nos coeurs. Après s'être intégrée tant bien que mal au mode de vie français, la jeune américaine doit faire des choix. Dans sa vie personnelle mais également professionnelle, comme le laissait supposer la fin de la saison 2 d'Emily in Paris.

Ainsi, dans la saison 3, elle devra choisir entre rester dans l'agence Savoir maintenant dirigée par son ancienne boss de Chicago (Kate Walsh) ou bien rejoindre la nouvelle agence montée par Sylvie (Philippine Leroy-Beaulieu) avec ses anciens collègues avec qui elle a tissé des liens.

Et comme la bande-annonce le laisse entendre, elle ne va pas se décider tout de suite et travaillera en même temps, pour les deux. Même son de cloche concernant sa vie amoureuse. Après avoir eu une aventure avec Gabriel (Lucas Bravo) qui ne s'était pas transformée en véritable relation, Emily avait fait la connaissance d'Alfie (Lucien Laviscount), un jeune anglais prêt à s'investir pleinement. Mais ce dernier avait décidé de repartir à Londres. De son côté, Gabriel finissait par lui avouer ses sentiments.

On retrouvera donc Emily au sein d'un triangle amoureux qui la mettre de nouveau face à un choix cornélien : qui choisir entre Alfie ou Gabriel ?

La saison 3 d'Emily in Paris sera disponible sur Netflix le 21 décembre prochain. Elle sera composée, comme pour les deux premières, de dix épisodes. L'occasion parfaite de se replonger dans le quotidien léger d'Emily quelques jours avant Noël !

Une saison 4 de la série a d'ores et déjà été confirmée par Netflix. On peut donc s'attendre à ce que la saison 3 se termine une fois de plus sur un cliffhanger...

Chuck Norris réagit à la mort de Clarence Gilyard Jr

La nouvelle en aura surpris plus d'un, mais on apprenait ce 29 novembre 2022 le décès de l'acteur Clarence Gilyard Jr. Même si le comédien n'a pas eu une carrière très prestigieuse, il avait marqué les esprits de toute une génération avec la série Walker, Texas Ranger (1993-2001). En effet, si Chuck Norris en était le héros, Clarence Gilyard Jr restait un élément important du show, interprétant le ranger et ami de Walker, James Trivette.

Malheureusement, le comédien est mort le 28 novembre 2022, à l'âge de 66 ans. Comme on pouvait s'y attendre, son ancien collègue Chuck Norris a pris le temps de lui rendre hommage. Les deux hommes avaient collaboré ensemble sur Walker, Texas Ranger pendant huit saisons. Chuck Norris a donc exprimé sa peine et son soutien à la famille de l'acteur dans un post sur son compte Instagram.

C'est avec une grande tristesse que j'apprends le décès de mon cher ami et co-vedette, Clarence Gilyard Jr. Pendant près d'une décennie, nous avons passé de bons moments à travailler ensemble et nous avons tous les deux adoré traduire en justice des méchants. Mes pensées et mes prières vont à sa femme et ses enfants. Tu manqueras profondément à tous ceux qui t'ont connu. Puisses-tu reposer en paix, mon ami. Jusqu'à ce que nous nous revoyions.

Un visage des années 1980

Un bel hommage de la part de Chuck Norris qui fait suite à celui de l'université Fine Arts du Nevada où Clarence Gilyard Jr enseignait depuis 2006. Bien qu'il ait eu des rôles secondaires mais notables à la fin des années 1980, le comédien n'a pas tourné régulièrement après les années 2000. Suffisant tout de même pour qu'il reste en mémoire de bon nombre de spectateurs.

On pensera alors à lui devant Top Gun, Piège de cristal ou encore L.A. Takedown. Des films qui lui ont permis de collaborer avec de grands cinéastes comme Tony Scott, John McTiernan et Michael Mann. Les causes de sa mort n'ont pas été précisées.

Super Mario Bros, une future référence ?

Et si Super Mario Bros - Le film était la très bonne surprise du côté des adaptations de jeu vidéo ? Il faut dire qu'avant le film d'animation, il y avait eu une version live en 1993 avec Super Mario Bros. Étant donné le niveau de cette adaptation, la version animée ne pourrait que faire mieux. C'était le sentiment général devant les premières images du film d'animation, devant lesquelles on sentait qu'une œuvre généreuse et honnête pouvait être envisageable. Cela semble se confirmer avec la nouvelle bande-annonce dévoilée (en une d'article) qui permet d'en savoir plus sur l'intrigue du film.

Pour rappel, Super Mario Bros est l'adaptation de la célèbre franchise portée depuis 1983 par le plombier moustachu à salopette bleue. À la base, le héros doit affronter tout un tas d'ennemis pour sauver la Princesse Peach du monstrueux Bowser. Mais au fil des jeux, tout un tas de variantes sont nées, comme le jeu de courses Mario Kart. Dans le film produit par le studio Illumination et Nintendo, on verra Mario être embarqué dans une aventure qui le dépasse.

Du spectacle, de l'humour et des personnages adorables

Alors que Browser s'apprête à dominer le monde avec son armée de Koopa Troopas, la Princesse Peach va tenter de l'affronter avec Toad, mais devra également demander de l'aide à Mario, catapulté dans ce monde coloré et qui devra notamment faire face à Donkey Kong. On voit dans la vidéo promotionnelle le personnage plus maladroit que jamais mais toujours plein de bonne volonté. Visuellement, le film promet un vrai spectacle, combiné à de l'humour qui tombe juste.

On n'aura pas manqué de noter cette réplique géniale des congénères de Toad qui se sentent incapable d'affronter Bowser, car ils sont "adorables". Et on ne peut pas les contredire là-dessus. Enfin, mettons encore une fois en avant le doublage français que beaucoup à l'étranger ont envié.

On peut ainsi entendre Pierre Tessier qui incarne Mario, Christophe Lemoine qui donne vie à Bowser et on pense avoir reconnu la voix de Benoît Du Pac (à jamais Onizuka dans GTO) pour Luigi.

Pour découvrir le résultat final, rendez-vous le 29 mars 2023 dans les salles.

Mes rendez-vous avec Leo : la libération de Nancy

Écrit par Katy Brand (Glued) et réalisé par Sophie Hyde (52 Tuesdays, Animals), Mes rendez-vous avec Leo se déroule essentiellement dans une chambre d'hôtel. Une chambre dans laquelle Leo (Daryl McCormack), un escort boy, rejoint Nancy (Emma Thompson), une sexagénaire qui n'a connu qu'un seul partenaire sexuel dans sa vie, son défunt mari.

Désireuse d'en apprendre davantage sur le sujet et révélant au jeune homme qu'elle n'a jamais eu d'orgasme, cette professeure lui soumet une liste de souhaits qu'elle espère pouvoir exaucer à ses côtés : pratiquer le sexe oral et essayer diverses positions.

Si Nancy ne sait absolument pas comment s'y prendre lors de leur première rencontre, Leo l'aide progressivement à se relâcher et à mettre les tabous de côté. Au cours de ces rendez-vous, elle apprend à ne plus avoir honte de son corps, à redécouvrir le désir et le plaisir. Elle s'aperçoit également que l'escort boy traîne, comme elle, son lot de souffrances.

Dans ce huis clos, les deux personnages se dévoilent de manière touchante. Si Nancy ne cache pas ses fêlures, celles de Leo apparaissent doucement. Le film n'enjolive pas leur relation et ne verse à aucun moment dans le romantisme de pacotille. Avec un sens du dialogue particulièrement entraînant, Mes rendez-vous avec Leo permet à ses protagonistes de se réconcilier avec eux-mêmes grâce à leurs conversations et aux moments charnels qu'ils partagent. En plus de révéler au cinéma l'excellent Daryl McCormack, le long-métrage offre à Emma Thompson un nouveau grand rôle.

Les confidences d'Emma Thompson

Dans un article publié sur Vogue, la comédienne est revenue sur la construction de Mes rendez-vous avec Leo, sur sa découverte du scénario qui l'a happée au bout de quatre pages, mais aussi sur les répétitions que Sophie Hyde, Daryl McCormack et elle ont fait nus. Elle explique à ce sujet :

Notre réalisatrice, Sophie Hyde, nous a guidés pendant la répétition en se mettant nue, comme nous. Nous étions tous les trois entièrement nus et parlions de nos corps, de ce que nous aimons ou n'aimons pas chez eux. J'avais une liste de défauts plus longue que la leur. Mais au final, ça m'a juste rappelé à quel point le fait d'être nu avec des gens est enrichissant et permet de nous mettre au même niveau. C'est plus facile d'être honnête quand il n'y a littéralement rien à cacher. (...) Après ça, il n'y a plus grand-chose à craindre.

L'actrice révèle également n'avoir pas voulu faire de préparation physique particulière pour le film tourné au moment des restrictions liées au coronavirus, estimant que Nancy n'aurait rien fait non plus. Emma Thompson assure que le fait d'interpréter Nancy est "l'un des challenges les plus revigorants" qu'elle a relevés ces dernières années. Si se dévêtir devant une personne plus jeune a d'abord été une expérience "intimidante", la comédienne est extrêmement fière d'avoir participé au long-métrage :

Avant de faire Mes rendez-vous avec Leo, je n'avais pas idée que j'allais apprendre autant sur mon rapport envers mon corps, sur le plaisir et la honte, (...) et que j'allais pleurer autant à propos de tout ce que l'on perd dans la vie quand elle est réprimée, ignorée et punie.

Mes rendez-vous avec Leo est à découvrir au cinéma dès le 30 novembre 2022.

Willow, du film à la série

Les histoires dites de fantasy continuent de se multiplier sur le petit écran. Netflix a depuis 2019 The Witcher, HBO a lancé House of the Dragon (après Game of Thrones), et Prime Video s'est penché sur l'univers du Seigneur des anneaux avec Les Anneaux de pouvoir. Pas étonnant donc de voir Disney+ s'intéresser à son tour à ce genre avec Willow, tiré du film éponyme de 1988.

Dans le long-métrage réalisé par Ron Howard, on découvrait un monde sombre dominé par la terrible Bavmorda, une reine maléfique qui craint une prophétie. Un jour, une princesse naîtra et mettra fin à son règne. Cette princesse, c'est Elora, qui porte sur le bras une marque. Grâce à une sage-femme, l'enfant est éloignée du château de Nockmaar où se trouve Bavmorda, avant d'être recueillie par des Nelwyns, des êtres de petites tailles.

C'est à Willow que revient la tâche de partir avec l'enfant pour la remettre à d'autres Daïkinis (les humains). Il ne se doute pas qu'une aventure dangereuse l'attend aux côtés du grand guerrier Madmartigan et de la magicienne Fin Raziel qui lui apprendra la magie.

Disney a donc décidé de donner une suite au film imaginé par George Lucas. Celle-ci prend la forme d'une série et se déroule des années après les événements du film. Près de deux décennies plus tard, Sorsha, la fille de Bavmorda qui s'est retournée contre elle, est à la tête d'un royaume en paix. Mais les forces du mal sont de retour et enlèvent son fils. Sa fille, Kit, va alors mener un petit groupe pour le retrouver. Et pour les aider dans leur quête, ils pourront compter sur Willow.

Un divertissement naïf pour un jeune public

Qu'on se le dise, quiconque attend de la série Willow d'être dans la lignée du film risque d'être déçu. Que ce soit dans le ton ou la mise en scène, les deux productions sont terriblement éloignées. Le show se présente comme une série pour adolescents qui, malgré ses efforts, est incapable de retranscrire l'ambiance mi-comique mi-effrayante de l'époque. Même la direction artistique, la musique ou le montage n'évoquent que très peu le long-métrage, tandis que l'humour est beaucoup plus actuel.

Cependant, c'est peut-être en s'en éloignant que la série se montre pertinente. L'intérêt de faire une suite de Willow est que le matériau d'origine n'est pas si riche. Contrairement à Star Wars ou Le Seigneur des anneaux, Willow se limite, pour le grand public, au film. La trilogie de romans n'étant pas si connue, tout ce que propose Jonathan Kasdan et Wendy Mericle apparaît comme une nouveauté, avec tout de même quelques références au film (comme le château de Nockmaar). Les créateurs ont également fait le choix de proposer une pure œuvre de fantasy qui ne cherche pas à révolutionner le genre mais se veut un simple divertissement.

C'est peut-être en abordant Willow de la sorte qu'on peut le mieux apprécier la série. Car les défauts sont nombreux, avec une mise en scène très télévisuelle, des imperfections dans le montage et de vraies facilités dans le scénario. Comme par exemple lorsque le groupe emmené par Kit et Willow se fait attaquer en pleine forêt par des soldats qui sortent de nulle part et parviennent à fuir d'un claquement de doigts. Il y a là une naïveté dans la réalisation qu'on ne peut que déplorer.

Une série attachante sans être à la hauteur du film

Cependant, un certain charme se dégage de Willow. En grande partie grâce aux personnages, tous plus sympathiques les uns que les autres. Il y a évidemment le plaisir de revoir Warwick Davis en Willow, même avec son jeu assez approximatif, ou encore Joanne Whalley en Sorsha. Et le choix des personnages secondaires est également déterminant. Kit, bien interprétée par Ruby Cruz, prend dans un premier temps la lumière avant de laisser de la place à ses comparses.

On trouve ainsi Jade (Erin Kellyman), chargée de protéger Kit mais qui entretient avec elle une forte amitié. Egalement Graydon (Tony Revolori), futur époux de Kit qui se révélera plus courageux qu'il en a l'air. Ou encore Boorman (Amar Chadha-Patel), une brute imposante qui amène constamment une touche de légèreté. Sans oublier Dove (Ellie Bamber), qui en peu d'épisodes passe d'une cruche assez stéréotypées à une héroïne déterminante.

L'ensemble aurait probablement pu se contenter d'une version resserrée sur un long-métrage plutôt qu'une série. Et on ne peut pas dire que les messages que souhaite faire passer le show soient dits de manière très subtile (on reste dans l'esprit Disney). Mais on se laisse finalement passivement embarqué par cette aventure. Pas besoin d'en demander plus.

Willow est à découvrir sur Disney+ à partir du 30 novembre.

Wolverine plutôt que James Bond

S'il y a bien un rôle qui colle à la peau à Hugh Jackman depuis ses débuts sur grand écran, c'est Wolverine. L'acteur a incarné le super-héros dès son premier rôle au cinéma avec X-Men en 2000. Le film de Bryan Singer a aussitôt fait du comédien une star. Il a ensuite retrouvé le personnage en 2003 avec X-Men 2 puis en 2006 avec X-Men : L'Affrontement final. Mais les choses auraient pu être différentes pour Hugh Jackman puisqu'en plus de Wolverine, il aurait pu incarner un personnage encore plus célèbre (à l'époque) du cinéma : James Bond.

En effet, l'acteur a révélé avoir été approché pour interpréter l'agent 007, avant que l'ère de Daniel Craig ne soit lancée avec Casino Royale (2006), et juste après la fin de l'ère Pierce Brosnan avec Meurs un autre jour (2002). Rappelons que pour incarner l'espion, une règle a été imposée par la famille Broccoli : être issu du Commonwealth. Ce qui a permis à l'Australien George Lazenby d'avoir le rôle dans Au service secret de Sa Majesté (1969), et dont à Hugh Jackman d'être envisagé.

Dans une interview pour IndieWire, Jackman explique que lorsqu'il a été approché, il était frustré des rôles qu'on lui proposait, et ne voulait pas être réduit à un action man.

Je ne voulais pas faire les mêmes choses. Vous savez, ce rôle de héros d'un film d'action. C'était la recette basique de beaucoup de films américains, un archétype. Il y avait toute une variété de formes de personnage héroïque face à des situations difficiles. Je me suis dit que c'était un problème. (Pour James Bond), j'y ai jeté un coup d'œil et je me suis dis que si je faisais ça et Wolverine, je n'aurai pas le temps de faire autre chose.

La belle carrière d'Hugh Jackman

Hugh Jackman a donc préféré refuser James Bond pour s'assurer de pouvoir jouer des personnages plus variés dans une multitude de genre. Même si on l'a beaucoup vu dans des films d'action (dont malheureusement Van Helsing), ses premières années ont été marquées par des œuvres complexes comme The Fountain (2006) de Darren Aronofsky ou Le Prestige de Chrstopher Nolan (2006). Puis, il a même tourné dans la comédie-musicale Les Misérables (2012), le thriller Prisoners (2013) ou encore la comédie dramatique Eddie the Eagle (2016).

Ce qui ne l'a pas empêché à côté de continuer d'incarner Wolverine. Et alors qu'on pensait qu'il en avait terminé avec le personnage après Logan (2017), il a accepté de revenir pour Deadpool 3 aux côtés de Ryan Reynolds. Son refus de jouer James Bond aura donc été un mal pour un bien au final étant donné la carrière d'Hugh Jackman, et l'excellente proposition de Daniel Craig en 007.

Mercredi : la nouvelle série star de Netflix

Disponible depuis le 23 novembre dernier, la série Mercredi rencontre un beau succès sur Netflix où elle s'est rapidement hissée en tête des programmes les plus regardés (notamment en France). Comme son nom l'indique, elle s'intéresse à la fille de Morticia et Gomez Addams. On la découvre alors qu'elle vient de se faire renvoyer de son lycée après avoir tenté de tuer des élèves qui harcelaient son petit frère Pugsley. Ses parents décident donc de la mettre dans une école spécialisée pour élèves "différents" : la Nevermore Academy.

Cet établissement qui n'est pas sans rappeler Poudlard de la saga Harry Potter accueille toutes sortes de pensionnaires parmi lesquels on retrouve des sirènes ou des loups-garous. Malgré un environnement propice à l'épanouissement de ces étudiants "différents", Mercredi Addams ne parvient pas à s'intégrer. Et elle ne tarde pas à découvrir que l'endroit renferme bien des secrets.

Les huit épisodes se concentrent sur l'enquête que mène l'ado gothique après des meurtres mystérieux ayant eu lieu non loin de la Nevermore Academy. Pour mettre en scène ses aventures, c'est Tim Burton qui a été choisi (il n'a cependant réalisé que 4 épisodes). Et pour l'incarner, Netflix a visé juste en choisissant Jenna Ortega, qui a convaincu tous les spectateurs, notamment grâce à une séquence de danse phénoménale.

Succéder à Christina Ricci, la Mercredi Addams des deux films de Barry Sonnenfeld, n'était pourtant pas chose aisée. Mais Jenna Ortega a relevé le défi avec brio en se réappropriant le personnage.

Clin d'oeil

Un des éléments les plus marquants de la version du personnage de Jenna Ortega est son regard perçant. En plus de ses répliques cinglantes et décalées, ses yeux noirs écarquillés lui confèrent une étrangeté saisissante. Et pour cause. Dans la série, l'actrice ne cligne pratiquement jamais des yeux.

Une proposition que Jenna Ortega avait faite à Tim Burton lors de répétitions, et qu'ils ont décidé de conserver. On peut la voir à de très brefs moments cligner des yeux mais très rarement. Aviez-vous remarqué ce détail ?

Will Smith s'explique sur la gifle donnée à Chris Rock

Huit mois après la 94e cérémonie des Oscars, marquée par la violente gifle assénée à Chris Rock par Will Smith, l'acteur de Bad Boys et Je suis une légende entame un prudent retour. C'est la première fois qu'il prend la parole à ce sujet, après une nécessaire période de retrait des médias. C'est ainsi sur le plateau du Daily Show et face au présentateur Trevor Noah que Will Smith, en promotion pour le film d'Antoine Fuqua Emancipation dont il tient le rôle principal, est enfin revenu sur ce geste stupéfiant.

Bref rappel des faits, le soir du 27 mars 2022, Chris Rock présente la cérémonie de récompenses du cinéma américain et enchaîne les blagues. Mais une saillie maladroite sur le crâne chauve de Jada Pinkett Smith, épouse de Will Smith, ne passe pas auprès de ce dernier. Celui-ci se lève, se dirige vers l'humoriste et lui envoie une gifle monumentale. Retransmise en direct, la séquence stupéfie le monde entier. Quelques minutes plus tard, Will Smith reçoit l'Oscar du Meilleur acteur pour sa performance dans La Méthode Williams.

Anticipant la réaction de l'Académie des Oscars, qui engage une procédure disciplinaire, Will Smith démissionne de lui-même quelques jours plus tard.

"Je n'étais plus moi-même"

Face à Trevor Noah qui lui demande de revenir sur cette dramatique soirée, Will Smith parle, et se montre ému aux larmes. Invoquant une situation personnelle difficile à l'époque, il ne s'exonère en rien de la violence de son geste et de son caractère injustifié.

C'était une nuit horrible. En réalité, j'ai juste pété un câble. Je crois qu'on ne sait jamais ce que quelqu'un peut traverser dans sa vie privée... Quelqu'un qui vient de perdre sa mère, quelqu'un dont l'enfant est malade, quelqu'un qui a perdu son emploi, quelqu'un qui vient d'apprendre qu'il est trompé... Moi-même je traversais quelque chose ce soir-là.

Mais cela ne justifie en rien mon geste. J'ai appris de cet événement qu'on devait être gentils les uns avec les autres. Ce qui a été le plus douloureux pour moi est que j'ai sorti ma peine et que ça a été un enfer pour les autres. C'est cette idée, "les gens blessés blessent les autres".

"C'était la confusion la plus totale"

Ce n'est pas la personne que je veux être. (...) Je comprends combien ça a pu être choquant pour les gens. Je n'étais plus moi-même, j'avais cette rage contenue en moi depuis très longtemps. Mon neveu de 9 ans, Dom, le garçon le plus gentil du monde, m'a demandé "pourquoi tu as frappé cet homme, oncle Will ?"... C'était la confusion la plus totale, je ne veux pas en dire plus pour ne pas donner lieu à plus d'incompréhension.

Si les mots apparaissent sincères, cette confession est aussi le lieu d'une opération de communication.Ce pourquoi le présentateur du Daily Show n'accable pas son invité. Celui-ci relève en effet que chacun a le droit de faire une erreur, et que Will Smith reste une figure aimée du public. Si Will Smith ne prononce pas le nom de Chris Rock ni ne réitère ses excuses - présentées via une vidéo diffusée sur ces réseaux sociaux durant l'été -, on peut cependant espèrer que le temps fera son oeuvre et finira par rapprocher les deux hommes.

Le Torrent : l'engrenage infernal

Après Les Invités de mon père et On a failli être amies, Anne Le Ny s'aventure dans un registre beaucoup plus sombre avec Le Torrent. Avec ce film, la réalisatrice et comédienne met en scène un thriller dans lequel un homme s'enfonce dans ses mensonges.

Incarné par José Garcia, Alexandre est un homme d'affaires à qui tout réussit. Un soir, alors qu'il se réjouit d'avoir signé un contrat important et de pouvoir passer du temps avec sa fille aînée Lison (Capucine Valmary), il découvre que son épouse Juliette (Ophélia Kolb) le trompe.

À la suite d'une dispute, Juliette décide de quitter le domicile conjugal à pied. Alexandre tente de la rattraper en voiture et au moment où il essaie de la raisonner, elle est victime d'une chute mortelle dans un ravin.

Paniqué en rentrant chez lui, Alexandre demande à Lison de le couvrir. Face aux policiers, il accumule les mensonges. Conscient que quelque chose cloche, son beau-père Patrick (André Dussollier) se met à douter de l'innocence de son gendre, et tente d'en savoir plus auprès de Lison.

Le long-métrage présente donc la chute d'un homme incapable d'exprimer ses émotions et désireux de préserver sa réputation, au point de laisser penser qu'il est coupable. José Garcia prend toutes les mauvaises décisions dans Le Torrent. André Dussollier est quant à lui déterminé à connaître la vérité, ou du moins à trouver la moindre preuve qui pourrait laisser supposer un homicide et non un accident.

Un thriller inspiré de l'affaire Suzanne Viguier

Pour construire l'intrigue du film, coécrit avec Axelle Bachman, Anne Le Ny s'est inspirée de l'affaire Suzanne Viguier. Dans le dossier de presse, la réalisatrice explique :

J’ai conscience de l’intérêt que je porte aux problématiques cornéliennes, mais l’affaire Viguier m’a particulièrement interpellée : le soutien des enfants à ce père accusé de la disparition de leur mère a nourri ma réflexion sur l’ambiguïté des émotions et la difficulté à faire des choix dans des situations intenables.

J’ai mis du temps à écrire, et en développant le projet, j’ai beaucoup réfléchi pour trouver la place de la jeune fille. Adopter le parti du père était compliqué et j’ai pris celui d’une fille qui n’a pas de place auprès de son père et peut éprouver le désir inconscient de voir disparaître sa belle-mère.

Le 27 février 2000, Suzanne Viguier disparaît après avoir quitté un concours de tarot. Âgée de 39 ans, cette Toulousaine est danseuse et chorégraphe pour un cabaret transformiste. Le 1er mars 2000, son compagnon Jacques signale sa disparition et assure ne plus l'avoir vue depuis le 26 février.

"Je ne l'ai pas tuée"

Les soupçons se portent sur ce professeur de droit lorsque les enquêteurs découvrent des traces de sang au domicile familial. Ils mettent par ailleurs la main sur un formulaire de demande de divorce dans le véhicule de Suzanne. Avant sa disparition, elle entretenait une liaison avec Olivier Durandet, dont Jacques Viguier assure ne pas être au courant.

Le 11 mai 2000, il est placé en détention provisoire et clame son innocence pendant dix ans. Après un second procès en appel, la justice acquitte définitivement Jacques Viguier le 20 mars 2010. Le corps de son épouse n'a jamais été retrouvé. Interrogé par Le Figaro en 2010 sur la vérité autour de la disparition de sa femme, Jacques Viguier déclare :

Plus le temps passe et plus j'en doute, comme tout le monde. Je ne sais qu'une chose : je ne l'ai pas tuée.

Une affaire qui avait déjà inspiré le drame Une intime conviction avec Marina Foïs et Olivier Gourmet, dans lequel Laurent Lucas prête ses traits à l'accusé.

Le Torrent est à découvrir au cinéma dès le 30 novembre 2022.

Love Actually, reine des comédies romantiques

En 2023, Love Actually aura 20 ans. Un film à la popularité mondiale, et un grand classique de la comédie romantique servi par un incroyable casting. Sous la direction de Richard Curtis, on y retrouve ainsi, parmi d'autres, Liam Neeson, Emma Thompson, Keira Knightley, Julia Davis, Alan Rickman, Bill Nighy, Colin Firth, Martin Freeman et Laura Linney... Sans oublier une des grandes stars anglaise de l'époque : Hugh Grant.

Dans Love actually, il joue David, le Premier ministre anglais. Il est jeune et célibataire, et va tomber amoureux d'une de ses collaboratrices, Natalie. C'est une des multiples histoires qui composent l'ensemble de Love actually, et celle de David et Natalie donne à voir une des séquences iconiques du film : la fameuse danse de David/Hugh Grant. Et si celle-ci est à jamais dans le coeur des fans du film, ce n'est pas vraiment le cas de Hugh Grant, qui a déclaré avoir détesté tourner cette scène.

"Je vais détester faire ça"

Dans un extrait de l'émission spéciale d'ABC News The Laughter & Secrets of Love Actually : 20 Years Later, l'acteur a donc révélé qu'il appréhendait au maximum le tournage de cette séquence, et qu'il aurait tout fait pour l'éviter, si son contrat ne l'y avait pas obligé...

J'ai vu ça dans le script et j'ai pensé : "Eh bien, je vais détester faire ça." Je ne me suis pas du tout amusé à faire cette danse, et je ne parle même pas de la répéter... Et je ne suis même pas dans le rythme, tout particulièrement au début quand j'agite les fesses.

Jusqu'à aujourd'hui, il y a beaucoup de gens - et je suis d'accord avec eux -, qui pensent que c'est la pire scène jamais captée sur pellicule. Mais d'autres l'adorent.

Du côté de Richard Curtis, qui ne nie pas que cette scène a été embarrassante, raconte que ce jour de tournage Hugh Grant était particulièrement de mauvaise humeur, mais qu'il n'a pas pu faire autrement que s'exécuter. Mais pour le réalisateur, c'était tout simplement ce qu'il attendait : "C'est extraordinairement embarrassant. Il est juste parfait."

Un acteur de Tenet en pole position

L'information provient du quotidien anglais The Sun, et il est donc d'usage de l'accueillir avec prudence. Mais après l'annonce qu'Amazon Studios allait investir 1 milliard de dollars par an pour produire une dizaine de films destinés au cinéma - une excellente nouvelle pour les licences détenues par la MGM, dont la franchise James Bond -, cette révélation arrive avec un timing idéal.

Selon The Sun donc, qui cite une source très proche de la production de la franchise 007, des tests auraient été organisés dans les prestigieux studios Pinewood, et un acteur aurait particulièrement tiré son épingle du jeu. Indice : on l'a notamment vu dans Tenet...

Il n'avait pas la faveur des bookmakers, et n'était pas dans la short-list couramment évoquée. Mais, en réalité, Aaron Taylor-Johnson coche toutes les cases pour prendre la suite de Daniel Craig. Tout d'abord, il est britannique, né en Angleterre le 13 juin 1990. Après sa révélation au plus haut niveau en 2010 dans Kick-Ass de Matthew Vaughn, on le voit notamment dans Anna Karénine, Godzilla, Nocturnal Animals ou encore The Wall. C'est à partir de Tenet en 2020, dans lequel il assure un rôle très secondaire mais néanmoins marquant, qu'il prend une nouvelle dimension. Très convaincant dans le dispensable Bullet Train, il tiendra en 2023 le rôle-titre Kraven le chasseur, réalisé par J.C. Chandor.

Aaron Taylor-Johnson en pole position

Se dessinent de cette filmographie une grande polyvalence, à l'aise dans l'action comme dans le drame, et un fort charisme. Surtout, il est célèbre sans être une superstar, et n'est pas encore associé à un personnage en particulier. À l'inverse par exemple d'Henry Cavill. Il porte aussi bien le costume que le treillis militaire, a la jeunesse requise tout en ayant déjà vécu - point important évoqué récemment par Michael G. Wilson. De quoi envisager sereinement de faire évoluer et vieillir son personnage sur plusieurs films.

The Sun, qui cite sa source, écrit :

Aaron est venu effectuer un test en septembre pour être le prochain James Bond et les producteurs et Barbara Broccoli l'ont adoré. Il est maintenant un des favoris.

Aaron Taylor-Johnson n'est évidemment pas le seul à concourir pour décrocher le célèbre rôle, comme "un des favoris" le souligne. Mais il remplit bien tous les critères requis, et son planning post-2023 est a priori ouvert, ayant déjà terminé le tournage de Kraven le chasseur et étant en ce moment en pleine production de The Fall Guy de David Leitch, attendu pour fin février 2024.

La course aux Oscars a commencé

Le dimanche 12 mars 2023 se tiendra la 95e cérémonie des Oscars. Comme chaque année, le cinéma américain se récompensera lui-même, distribuant ses statuettes aux films et aux professionnels les plus méritants de l'année 2022. Des premières prédictions ont été établies, même s'il reste une poignée de films inédits à découvrir, comme le très attendu Avatar : La Voie de l'eau, ou encore Babylon de Damien Chazelle.

Si le film de James Cameron devrait bien se placer dans la course aux Oscars, pour le reste, des tendances se dessinent clairement. Et dans celles-ci, Top Gun : Maverick figure souvent en bonne place.

Le film de Joseph Kosinski sur le grand retour de "Maverick" est en effet le favori pour plusieurs Oscars "techniques". Celui du Meilleur son, de la Meilleure photographie, du Meilleur montage, des Meilleurs effets visuels et de la Meilleure chanson originale lui sont tout à fait accessibles, et il offre dans tous les cas une concurrence féroce à tous les autres prétendants dans ces catégories. Autre catégorie, et pas la moindre, où Top Gun : Maverick a ses chances : celle du Meilleur film. En effet, Hollywood aime les succès au box-office, et si ceux-là ont reçu des critiques élogieuses, alors tout est permis.

S'il est très probable qu'Avatar : La Voie de l'eau dépasse à terme le 1,5 milliard de dollars de recettes au box-office de Top Gun : Maverick, ce dernier reste un immense succès auquel l'Académie pourrait rendre hommage en lui décernant le titre de meilleur film de l'année 2022. Mais l'autre catégorie qui intéresse concernant Top Gun : Maverick est celle du Meilleur acteur.

Tom Cruise peut-il l'avoir ?

À ce jour, Tom Cruise a été nommé trois fois aux Oscars. Deux fois dans la catégorie Meilleur acteur pour Né un 4 juillet et Jerry Maguire, une fois dans la catégorie Meilleur acteur dans un second rôle pour Magnolia. Des performances à l'opposé de celles sur lesquelles il a construit sa carrière et sa filmographie de superstar. Il a favorisé depuis le milieu des années 90 les grands films d'action où il pouvait briller à courir, se battre et enchaîner les cascades. Pas vraiment le genre de productions où les personnages brillent par la profondeur de l'interprétation de leurs acteurs.

Mais la performance de Tom Cruise dans Top Gun : Maverick a cette particularité d'interroger la nature de la profession d'acteur. Quel est le plus admirable ? Se transformer à la manière de Brendan Fraser ou Austin Butler, respectivement pour The Whale et Elvis, ou encaisser les G dans un avion de chasse lancé à plus de 800 km/h ? Quel est le plus difficile ? Offrir une complexité de calibre "européen" comme Hugh Jackman dans The Son, ou émouvoir avec simplicité dans un dialogue méta face à un Val Kilmer/Iceman diminué dans Top Gun : Maverick ? Le cinéma est une grande magie, lumineuse ou ténébreuse, et à ce titre, quel personnage de 2022 a proposé la plus belle illusion ?

"Maverick" en outsider

Si Tom Cruise peut être nommé à l'Oscar du Meilleur acteur, il fait face à une concurrence de poids. Variety, qui propose ses prédictions sur ce sujet, ne le place ainsi pas dans les favoris.

Les deux premiers considérés ont tout pour emporter la statuette. Brendan Fraser dans le rôle d'un homme dépressif et obèse dans The Whale, de retour après une longue période en retrait, coche toutes les cases de la "performance à Oscar". De son côté, Colin Farrell livre une performance majeure et déchirante dans The Banshees of Inisherin, déjà saluée par la Coupe Volpi à la Mostra de Venise. Austin Butler a quant à lui largement convaincu dans le rôle du légendaire chanteur Elvis Presley dans Elvis.

Il reste encore à découvrir les performances de Bill Nighy et Hugh Jackman dans Vivre et The Son. Et quant à Will Smith, quelque soit la hauteur de son jeu dans Emancipation, son geste à la dernière cérémonie des Oscars réduit ses chances à néant.

Un Oscar pour l'ensemble de son oeuvre ?

Face à ces acteurs brillants rompus à la composition, Tom Cruise a donc beaucoup de souci à se faire. Mais sa chance réside dans le cinéma qu'il incarne, un cinéma populaire et totalement investi. À cet égard, il est dans une situation assez proche de celle de Robert Downey Jr. après le succès historique d'Avengers : Endgame. À l'époque, en 2019, Disney avait caressé un court instant l'idée de le proposer pour une nomination à l'Oscar du Meilleur acteur, pour que soit reconnue sa performance globale en Iron Man dans les différents Marvel où il était apparu. Une idée que l'acteur lui-même avait écartée.

Ainsi, s'il existe une chance pour Tom Cruise d'être récompensé dans le film Top Gun : Maverick, ce sera forcément en considération de son oeuvre globale, et de la symbolique proposée par le personnage comme par son interprète. Un homme qui refuse de ralentir et de vieillir, obstiné à accomplir ses rêves d'enfant, qui croit encore à l'immortalité des héros de blockbusters hollywoodiens.

Tom Cruise et son personnage de "Maverick" luttent à toutes forces contre le temps qui passe, et usent de la technologie (l'aéronautique et le cinéma) pour se donner l'illusion qu'ils y arriveront. Cet hommage rendu au cinéma, qui célèbre la toute-puissance de cette formidable machine à illusion, pourrait ainsi toucher les membres de l'Académie des Oscars. Et une nomination, même sans réel espoir d'être convertie, serait à ce titre déjà une belle reconnaissance.

La suite du MCU sans Thor ?

Chris Hemsworth restera longtemps associé à son rôle de Thor dans le Marvel Cinematic Universe (MCU). Un rôle qu'il tient depuis 2011 avec la première aventure solo du super-héros réalisée par Kenneth Branagh. Puis, le personnage est apparu aux côtés des Avengers, et a eu droit à trois autres longs-métrages centrés sur lui avec Le Monde des ténèbres (2013), Ragnarok (2017) et dernièrement Love and Thunder (2022).

Si à la fin de Thor : Love and Thunder le héros s'en sort plutôt bien et doit désormais s'occuper de Love, la fille de Gorr, l'avenir du personnage reste plutôt flou. En effet, pour le moment rien n'indique un retour de Thor dans un prochain film du MCU. Si on se penche sur les prochaines productions annoncées, Thor 5 est bel et bien absent. Rappelons que le calendrier Marvel est déjà bien rempli jusqu'en 2026 avec les phase V et VI.

Puis, sans avoir encore de dates, des films Shang-Chi 2, Spider-Man 4 ou encore Les Eternels 2 seraient en préparation. Si une nouvelle aventure de l'Asgardien voit le jour, il faudra donc attendre plusieurs années.

Chris Hemsworth reviendra si...

La question a tout de même été posée au principal intéressé, Chris Hemsworth, lors du podcast de Josh Horowitz. L'acteur a expliqué que rien n'était sûr pour un retour du personnage, mais que si cela devait se faire, pour lui, il faudrait un film très différent des précédents. En effet, d'après lui, les deux premiers Thor fonctionnent de manière similaire, tout comme les deux suivant. Il faudrait donc trouver un moyen de se réinventer pour le convaincre.

Je l'ai déjà dit, mais quand cela devient trop familier, je pense qu'il y a un risque de devenir un peu paresseux, parce que je sais déjà ce que je fais. Je ne sais pas si je serai rappelé, mais si c'est le cas, je pense qu'il faudra avoir un ton drastiquement différent, au moins pour ma propre santé mentale (rire).

Chris Hemsworth voudrait donc mettre de côté l'humour outrancier de Taika Waititi, qui faisait suite à l'ambiance sombre des deux premiers opus. Une manière pour lui de rester investi sans se lasser. On peut donc imaginer qu'un retour de Thor mènerait encore à une toute nouvelle version du personnage. Cependant, cette possibilité reste soumise à une autre condition plus importante, la santé de l'acteur.

Dernièrement, le comédien révélait avoir un risque important de développer le syndrome d'Alzheimer. En conséquence, Chris Hemsworth souhaiterait faire une pause dans sa carrière. On le retrouvera tout de même prochainement dans Tyler Rake 2 (2023) puis Furiosa (2024), qui fut une expérience très enrichissante pour lui aux côtés de George Miller. Il devrait ensuite ralentir, mais les fans Marvel pourront toujours espérer le voir apparaître au moins dans un prochain film Avengers. On pense à Secret Wars (2026), même si rien n'est confirmé pour l'instant sur les personnages impliqués.

Spider-Man No Way Home, un Marvel pour les fans

Depuis des années maintenant les productions Marvel sont constamment synonymes de succès. Mais certains films sont clairement sortis du lot avec des scores monstrueux au box-office. Ce fut le cas de Spider-Man : No Way Home qui rapporta quasiment deux milliards de dollars dans le monde. En comparaison, les films suivant du Marvel Cinematic Universe (MCU) ont rameuté au moins deux fois moins de spectateurs.

Doctor Strange in the Multiverse of Madness a rapporté plus de 955 millions de dollars dans le monde, tandis que Thor : Love and Thunder s'est arrêté à 760 millions de dollars. De vrais succès à n'en pas douter. Mais No Way Home était clairement dans une autre catégorie.

Il faut dire que le film a tout fait pour attirer le plus grand nombre en ramenant les anciennes versions de Spider-Man. En plus de Tom Holland, l'interprète de Peter Parker dans le MCU, Andrew Garfield (les Amazing Spider-Man) et Tobey Maguire (la trilogie de Sam Raimi) ont repris leurs rôles. Des retours rendus possibles scénaristiquement par l'introduction du multivers. En effet, dans le film, Peter demande à Docteur Strange de faire un sort pour que le monde oublie qu'il est Spider-Man.

Mais suite à un incident, différents univers vont se rencontrer et les autres versions du super-héros arriver dans le monde de Parker. Cependant, ils ne sont pas les seuls à être projetés dans ce monde. De célèbres méchants de l'univers Marvel sont également de la partie.

La boulette d'Alfred Molina

Ainsi le Bouffon vert, Electro, l'Homme-sable, le Lézard et surtout le Docteur Octopus étaient là pour affronter nos héros. En cela Spider-Man : No Way Home a misé avant tout sur le fan service, ce qui aura été payant. Forcément, Marvel aura tout fait pour cacher ces révélations et garder la surprise pour les fans. Sauf que certaines fuites n'ont pas pu être évitées. Notamment une venant directement d'un des interprètes du film : Alfred Molina.

L'acteur, qui incarne donc le Docteur Octopus, est revenu dans une interview avec Radio Times sur sa "boulette" avant la sortie du film. Il avait en effet confirmé malgré lui son retour en répondant "innocemment" à un journaliste.

C'était accidentel. Je discutais avec un journaliste qui m'a dit "Alors, comment se passe le film Spider-Man ?" Et j'ai répondu "Oh, très bien, merci."Le jour suivant Variety titrait "Alfred Molina révèle le retour de Docteur Octopus." J'ai eu de sérieux ennuis après ça.

Il poursuit en révélant avoir été par la suite sermonné au téléphone par la productrice Amy Pascal et eu vent de l'agacement de Kevin Feige, qui, durant un tapis rouge, fut interrogé sur des prochains projets de Marvel et répondu froidement : "Demandez à Alfred Molina".

Si les régulières révélations imprévus de Mark Ruffalo et Tom Holland ont tendance à amuser la galerie, celle d'Alfred Molina semble avoir provoqué un peu de tension. Dans tous les cas, désormais l'acteur a retenu la leçon et à chaque fois qu'on l'interroge sur l'avenir du personnage se contente de répondre : "Je ne peux ni confirmer ni infirmer".

Jenna Ortega, de Disney à Sidney

Jenna Ortega, native de la réputée ville de Coachella, en Californie, s'est d'abord fait connaître dans un registre bien différent de celui dans lequel elle s'illustre aujourd'hui. En effet, la jeune femme acquiert une certaine notoriété en décrochant le rôle principal de la série Harley, le cadet de mes soucis, diffusé sur Disney Channel en 2016. Elle est alors âgée de 14 ans.

Comme Ryan Gosling, Selena Gomez ou encore Cole Sprouse avant elle, l'actrice a donc fait ses armes dans la célèbre écurie américaine. Avant Harley, elle apparaît dans plusieurs programmes, dont la série Jane the Virgin, dans laquelle elle prête ses traits à l'héroïne enfant, rien que ça. A noter que la jeune femme figure également au casting de Iron Man 3 ou encore du film d'horreur Insidious 2. Une expérience qui, comme vous le verrez ci-dessous, semble avoir laissé des traces !

Une actrice à faire peur

Après un début de carrière relativement aseptisé, Jenna Ortega se voit de plus en plus sollicitée dans des œuvres sombres, voire glauques. On la retrouve notamment dans la saison 2 de la dérangeante You, puis dans la comédie horrifique The Baby Sitter : Killer Queen. Dans Yes Day, elle est la fille de Jennifer Garner et d'Edgar Ramirez le temps d'un long-métrage familial et déjanté. Changement de registre avec The Fallout, dans lequel elle campe une adolescente traumatisée par une tragédie survenue dans son lycée.

Désormais âgée de vingt ans, Jenna Ortega a eu une année 2022 bien remplie, puisqu'on la retrouve dans bon nombre de programmes ! Elle est ainsi l'une des stars du film d'horreur X, premier volet du triptyque de Ti West, aux côtés de Mia Goth, qui dépeint le cauchemar d'une bande de jeunes gens désireux de tourner un film porno dans une ferme isolée tenue par un couple âgé. La comédienne est également l'une des figures de proue du nouvel opus de Scream, dans lequel elle prête ses traits à Tara Carpenter. Spoiler alert : on la retrouvera aussi dans le sixième volet de la saga hantée par Ghostface.

Jenna Ortega, choix évident pour Mercredi ?

Le talent, la filmographie - bien remplie pour son jeune âge - et les traits poupins de la comédienne ont fait d'elle le nouveau visage de l'atypique Mercredi. Dans une vidéo courte de Netflix sur les coulisses de la série, Tim Burton va jusqu'à comparer la jeune femme à une actrice de film muet. Un beau compliment, quoique concurrencé par le suivant : le réalisateur d'Edward aux mains d'argent affirme être incapable d'imaginer une autre Mercredi !

Prochainement, Jenna Ortega sera au casting de Finestkind, un thriller porté par le grand Tommy Lee Jones. Dans American Carnage, elle campera une fille d'immigrants sans-papiers qui se voit contrainte de rejoindre un programme à destination des jeunes gens dans son cas, fondé par le gouvernement. Pour échapper aux poursuites injustes qui pèsent sur eux, les adolescents doivent s'occuper de personnes âgées. Enfin, courant 2023, elle jouera une étudiante en lettres qui entretient une relation plus que particulière avec son professeur d'écriture créative (Martin Freeman).

Alors, dans quoi avez-vous vu Jenna Ortega ? Êtes-vous convaincus par sa performance dans Mercredi ?

Once Upon a Time... in Hollywood : le film "total" de Quentin Tarantino

Jusqu'à la sortie de Once Upon a Time... in Hollywood, il paraissait difficile de désigner le meilleur film de Quentin Tarantino. Mais en 2019, le long-métrage a changé la donne tant il synthétise l'entièreté du cinéma de son metteur en scène. De son amour pour le septième art à sa capacité à alterner entre les genres, en passant par son sens des dialogues, sa formidable direction d'acteurs, son talent pour filmer Los Angeles, son goût pour la reconstitution flamboyante et sa manière de refaire l'histoire... Once Upon a Time... in Hollywood est un chef-d'oeuvre "total".

Un long-métrage qui donne envie de rester aux côtés de ses trois personnages principaux, nuancés, parfois vulgaires, dangereux, irrévérencieux et salauds, mais toujours fascinants. Le spectateur est donc transporté à Los Angeles, en 1969. Acteur à la ramasse, Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) enchaîne les rôles de méchants dans des feuilletons et n'a plus que pour véritable ami sa doublure cascade Cliff Booth (Brad Pitt), devenu son homme à tout faire étant donné que l'industrie l'a rejeté depuis qu'il est accusé du meurtre de sa femme.

Dans la propriété voisine de celle de Dalton située sur Cielo Drive viennent d'emménager Roman Polanski (Rafal Zawierucha) et sa compagne Sharon Tate (Margot Robbie). Actrice prometteuse, cette dernière vient de tourner dans la comédie d'espionnage Matt Helm règle son comte et a tout pour devenir l'une des futures étoiles d'Hollywood.

La lettre d'admiration de Margot Robbie

Si Once Upon a Time... in Hollywood est le meilleur film de Quentin Tarantino (c'est lui qui le dit), c'est en partie grâce aux excellentes performances de Leonardo DiCaprio, Brad Pitt et Margot Robbie, marquées par de fabuleux moments d'improvisation. La comédienne a d'ailleurs pu prêter ses traits à Sharon Tate grâce à une lettre d'admiration envoyée au réalisateur. Après avoir découvert un premier montage de Moi, Tonya, l'actrice se sent enfin convaincue de son talent. Consciente que le cinéaste veut arrêter après son dixième long-métrage, elle décide de lui écrire pour ne pas passer à côté d'une éventuelle collaboration.

En août 2019, Quentin Tarantino interroge Margot Robbie pour Vogue Australia et revient sur ce fameux courrier, qu'il lit peu de temps après avoir terminé le script. La comédienne explique pendant leur entretien :

Je voulais écrire cette lettre depuis des années et des années. Parce que j'avais entendu dire que tu allais faire 10 films et je ne pouvais pas supporter de louper le coche ou ne jamais voir à quoi ressemblaient tes plateaux de tournage.

Un courrier déterminant

Le réalisateur affirme de son côté :

Tu y déclares que tu es fan de mon travail depuis longtemps - toi et toute ta famille - et tu dis : "Je veux juste que vous sachiez que s'il y a quelque chose que vous aimeriez pour me proposer, vous pouvez me le faire savoir". (...) C'était exactement ce que je voulais entendre.

Le cinéaste précise que s'il ne savait initialement pas à qui faire appel pour incarner Rick Dalton et Cliff Booth, il a toujours eu l'actrice en tête pour le rôle de Sharon Tate. Ce courrier l'a donc rassuré en plus de le flatter puisqu'au moment où il espère pouvoir contacter la comédienne, sa carrière explose et elle se retrouve propulsée au rang de star ultra demandée à Hollywood. Quelques jours après la réception de cette lettre, Quentin Tarantino et Margot Robbie échangent sur Once Upon a Time... in Hollywood. La suite est désormais culte.

Andor : la meilleure série Star Wars

Créée par Stephen Schiff et majoritairement écrite par le scénariste Tony Gilroy, Andor raconte les aventures de Cassian Andor, le personnage incarné par Diego Luna dans Rogue One : A Star Wars Story. Un show unique en son genre qui se place avant les événements du film de Gareth Edwards. Cette série prequel a largement convaincu la presse et les spectateurs. Grâce à son découpage en plusieurs petites intrigues, Andor propose ainsi des variations de tons et de genres assez séduisantes (voir notre avis). Une deuxième saison est déjà prévue et racontera la suite des aventures de Cassian Andor, qui s'apprête à rejoindre la rébellion.

Focus sur la scène post-générique

Il fallait rester jusqu'à la toute fin du dernier épisode d'Andor. En effet, le douzième et dernier épisode de cette saison réserve aux aficionados de l'univers Star Wars un easter-egg de taille. Ce dernier chapitre se conclut effectivement par une courte scène post-générique. Cette séquence dévoile au public la célèbre Étoile de la Mort encore en pleine construction. L'arme de destruction massive de l'Empire, qui sera opérationnel au début de Star Wars IV : Un nouvel espoir, n'est pas encore fonctionnelle au moment des événements d'Andor. Mais le chantier avance bien.

On comprend alors que les matériaux assemblés par Cassian Andor et les autres prisonniers dans les épisodes 8, 9 et 10 sont de petites pièces qui s'imbriquent dans l'engin de mort de l'Empire. Dans ces épisodes, Cassian Andor est retenu prisonnier dans une prison impériale. C'est notamment là qu'il croise la route de Kino Loy, incarné par Andy Serkis. Et son travail forcé a donc servi à alimenter l’Étoile de la Mort. Le scénariste Tony Gilroy s'est arrêté sur cette scène post-générique au micro de The Wrap :

Je n'avais pas d'idée pour la scène post-crédits. Et mon collaborateur, Luke Hall, qui est aussi le "production designer", m'a suggéré quand nous écrivions les épisodes dans la prison de faire quelque chose qui n'avait jamais été fait. On a ainsi décidé d'y mettre ces "sols électrifiés". Et puis après on s'est demandé : mais qu'est-ce qu'ils construisent dans cette prison ? Evidemment, nous avons eu cette idée : ils assemblent des pièces pour l'Étoile de la Mort !

En plus d'expliquer le but de cette prison/usine impériale, la séquence en question est d'une beauté visuelle sidérante. Tony Gilroy a d'ailleurs souligné le travail du département des effets visuels :

C'est un peu comme le Père Noël pour nous ! Vous leur donnez vos idées et ils reviennent avec quelque chose de concret ! Ils construisent tout cela numériquement et nous l'ont donné. On a fait quelques modifications, mais cette scène, c'est leur bébé vraiment.

L'implication de Cassian Andor dans le reste de la saga

Ce qui est plutôt réussi avec cette séquence, c'est qu'elle s'incorpore parfaitement dans le reste de la saga. Finalement, sans le savoir, grâce à son insurrection, Cassian Andor a retardé l'avancement de l’Étoile de la Mort. Un geste de contestation fort dont il n'a même pas conscience. Une symbolique qui fait également office de miroir avec ses actions dans Rogue One. Toujours au micro de The Wrap, Tony Gilroy a apporté des explications autour de l'importance de cette scène, et plus largement du personnage de Cassian Andor :

Je pense qu'il faut comprendre que Cassian est un peu comme "Zelig". (...) Il participe à tous ces événements qui comptent dans la saga. Nous ne voulons pas que cela devienne artificiel ou faire quelque chose d'une manière maladroite et manipulatrice. Mais c'est la pièce maîtresse d'Andor. Ce type est en prison, se radicalise et devient un leader pour la première fois. Il y a tous ces éléments qui infusent en lui au moment où, symboliquement, il construit ce truc. Cassian n'a aucune idée de ce que c'est, il ne saura jamais ce que c'est. Il construit la chose qui finira par le tuer...

Pour ceux qui ne connaissent pas le film, Zelig est un long-métrage réalisé par Woody Allen en 1983. Le récit se déroule dans les années 1930 et raconte le destin de Leonard Zelig, incarné par Woody Allen, qui souffre d'une maladie un peu spéciale. En effet, Zelig est un véritable caméléon et prend l'apparence des gens qu'il croise, qu'ils soient obèses, sportifs ou intellectuels. Sans être le film le plus célèbre de Woody Allen, Zelig avait quand même comptabilisé deux nominations aux Oscars (Meilleure photographie et Meilleurs costumes) et plus de 11 millions de dollars de recettes au box-office.

John Wick, du néo-noir au film d'action épique

Quand Derek Kolstad vend fin 2012 son scénario intitulé Scorn, à la société Thunder Road Pictures, il est loin d'imaginer qu'il sera à l'origine d'une des franchises d'action les plus performantes du cinéma contemporain. C'est que le scénariste, alors âgé de 38 ans, n'a sur son CV qu'un crédit de ré-écriture du film Shoot the killer, et le scénario du DTV avec Dolph Lundgren Killers Game : Dette de sang. Mais son Scorn va tout changer, puisqu'en 2013 Keanu Reeves accepte de jouer le rôle principal, et c'est sur la suggestion de l'acteur que le film change de titre pour devenir John Wick.

Les inspirations de Derek Kolstad proviennent alors des films avec lesquels il a grandi, et particulièrement du genre néo-noir. Pour ce qui est de l'action, il la conçoit violente et brutale. Il a ainsi The Raid en tête, film d'action et d'arts martiaux indonésien sorti en 2011 et vite devenu une référence majeure. Fan des films de vengeance, le scénariste trouve l'idée de la mort du chien en pensant simplement à ce qu'il ferait si on touchait aux deux siens...

Encore au scénarios de John Wick 2 et John Wick 3 - il partage ce dernier avec Shay Hatten, Chris Collins et Marc Abrams -, Derek Kolstad n'est plus de la partie pour John Wick 4. S'il a à tout jamais la paternité des personnages, l'écriture n'est plus entre ses mains mais entre celles de Shay Hatten et Michael Finch. Et pour ce quatrième opus, les inspirations ont changé, comme vient de le déclarer son réalisateur Chad Stahelski.

De grandes inspirations pour John Wick 4

À l'issue de John Wick : Parabellum, John Wick se retrouve en guerre ouverte contre la Grande Table, plus haute autorité qui régit son univers. Pour sortir victorieux de cet ultime affrontement, il va devoir faire face à de nouveaux ennemis. Dont certains se trouvent être d'anciens alliés... Dans une interview accordée à Empire, Chad Stahelski a dévoilé certaines inspirations pour John Wick 4. Et celles-ci sont aussi surprenantes que prestigieuses.

Si vous prenez "Le Bon, la Brute et le Truand", que vous le croisez avec "Zatoïchi" et que vous ajoutez de la mythologie grecque, vous obtenez quelque chose de proche.

Rien que ça... L'inspiration qu'on peut déjà discerner dans la bande-annonce du film est celle de Zatoïchi. Celui-ci est un personnage de fiction japonaise, créé en 1961, et est un masseur aveugle itinérant. Bien que non-voyant, il est un combattant hors pair, spécialiste du combat au sabre. Personnage de 27 films, le dernier en date étant le Zatoïchi de Takeshi Kitano sorti en 2003, et de 100 épisodes de série, il est clairement à l'origine de Caine, l'assassin aveugle incarné par Donnie Yen dans John Wick 4.

Autre inspiration de prestige, Le Bon, la Brute et le Truand, soit un des plus grands westerns de l'histoire du cinéma, réalisé en 1966 par Sergio Leone. De ce qu'on sait de John Wick 4 à ce jour, il est plus difficile de la reconnaître. Mais Chad Stahelski évoque de multiples intrigues, avec peut-être donc des personnages principaux aux intérêts à peu près communs mais aux moyens différents... On sait par ailleurs, comme évoqué déjà par Keanu Reeves et visible dans la bande-annonce, qu'il y aura au moins une séquence à cheval.

Du mythe grec pour un film épique

Dernière influence revendiquée par le réalisateur, celle de la mythologie grecque. S'il ne cite pas un mythe en particulier, on comprend néanmoins que l'idée est de donner un cadre épique à John Wick 4. Après trois films qui ont posé les bases de l'univers puis l'ont développé sur un seul et unique principe, le quatrième a pour but de faire entrer l'histoire de John Wick dans une autre dimension. Une dimension mythologique donc.

Ça devient un petit peu effrayant après le troisième film, parce qu'on a une formule qui marche. Mais il faut éviter le confort et se dire au contraire : "On oublie ça, on ne va pas refaire la même chose." Donc maintenant, pour le quatrième film, on a plusieurs intrigues. Le film est différent. Il est plus épique.

On peut donc s'attendre à des affrontements titanesques, gagnant en spectaculaire ce qu'ils perdent en réalisme. Et dans tous les cas, assister à une action d'une échelle inédite.

John Wick 4 arrive au cinéma le 22 mars 2023.

Titanic : James Cameron est le maître du monde

En 1997 (janvier 1998 en France), le monde découvre Titanic de James Cameron. Un (très) long-métrage d'une ambition folle qui revient sur le drame du naufrage à travers les yeux de deux jeunes gens qui tombent éperdument amoureux : Jack Dawson et Rose DeWitt Bukater. Le premier est interprété par Leonardo DiCaprio, la deuxième par Kate Winslet.

Si la production du film n'a pas été une partie de plaisir (beaucoup d'experts prédisaient un naufrage commercial), il est aujourd'hui toujours à la troisième place des plus grands succès cinématographiques de tous les temps et a remporté 11 Oscars, dont celui du meilleur film. Il a, en outre, participé à bâtir les carrières de ses deux stars. Mais Leonardo DiCaprio a bien failli passer à côté du rôle.

"Merci d'être passé"

Actuellement en pleine promotion du très attendu Avatar 2, James Cameron s'en donne à coeur joie en interview. Et comme il n'est pas du genre à pratiquer la langue de bois, c'est l'occasion d'apprendre des anecdotes croustillantes sur ses films. Lors d'une interview carrière donnée à GQ, le réalisateur est revenu sur l'audition de Leonardo DiCaprio pour Titanic. Et elle n'a pas été simple !

Durant le processus de recrutement, James Cameron a d'abord rencontré Leonardo DiCaprio seul, pour parler du projet. Il a ensuite voulu le voir en action et a donc organisé un test vidéo. À ce moment, Kate Winslet avait déjà été choisie pour le rôle de Rose. Mais Leonardo DiCaprio n'avait pas encore celui de Jack.

Après une première rencontre qui s'était passée à merveille, le réalisateur a donc convié le comédien à participer à un test. Mais ce dernier n'était pas au courant qu'il allait devoir enregistrer face à des caméras. En effet, il pensait que cette rencontre était faite pour rencontrer Kate Winslet :

J'avais installé les caméras pour enregistrer le test. Il ne savait pas qu'il allait devoir faire cet exercice. Il croyait que c'était un autre rendez-vous pour rencontrer Kate. Donc je lui ai dit "OK on va aller dans la pièce d'à côté pour enregistrer quelques répliques et je vais les filmer". Et il m'a répondu "vous voulez dire que je vais lire ?" j'ai dit "oui" et il a rétorqué "Oh je ne lis pas". Donc je lui ai serré la main et je lui ai dit "merci d'être passé".

a confié James Cameron.

De Leo à Jack

Après cet échange quelque peu compliqué, James Cameron était prêt à renoncer à Leonardo DiCaprio. Mais ce dernier est finalement revenu après avoir appris que s'il ne lisait pas, il n'avait pas le rôle. Le réalisateur s'est souvenu de la réponse qu'il lui a faite :

C'est un projet gigantesque auquel je vais consacrer deux ans de ma vie, toi tu seras en train de faire cinq autres films pendant que je serai encore en post-production. Donc je ne vais pas tout foutre en l'air en faisait un mauvais choix de casting alors tu vas lire ou tu n'auras pas le rôle.

Et comme vous vous en doutez, Leonardo DiCaprio a fini par faire le test vidéo, et tout est devenu limpide :

Il entre dans la pièce, il n'était fait que de négativité, jusqu'au moment où j'ai dit "action !". Là il s'est transformé en Jack. Ils ont joué la scène avec Kate (...) et j'ai dit "ok c'est lui, c'est le bon".

Dumb & Dumber : des comédies emblématiques

En 1994, bien avant de diriger Green Book, les frères Farrelly ont mis en scène une comédie culte dans le cinéma américain : Dumb & Dumber. Porté par Jim Carrey et Jeff Daniels, le long-métrage est rapidement devenu une référence du genre. Le récit raconte le destin de Lloyd et Harry, deux abrutis finis, qui partent à la recherche de Mary. Cette dernière semble avoir oublié sa valise à l'aéroport. Les deux amis vont alors se retrouver malgré eux au centre d'un complot qui les dépasse.

Grâce à la popularité de Jim Carrey, ce tout premier film des frères Farrelly est un énorme triomphe au box-office. Pour un budget de 17 millions de dollars, Dumb & Dumber en rapporte plus de 247 millions. Pourtant, il a fallu attendre 2014 pour que Jim Carrey, Jeff Daniels et les frères Farrelly reviennent dans l'univers de Dumb & Dumber. En effet, vingt ans plus tard, toute la fine équipe est de retour pour Dumb & Dumber De, une suite encore plus idiote que le premier volet, qui n'a pourtant pas rencontré le même succès. Pour un budget de 40 millions de dollars, Dumb & Dumber De a rapporté plus de 169 millions de dollars de recettes au box-office.

Un troisième volet en film d'horreur

Depuis, Dumb et Dumber ne sont pas revenus sur le devant de la scène. Pourtant, pendant un temps, Jim Carrey voulait produire un troisième volet de ces aventures. Mais cette fois sous la forme d'un film d'horreur. Une idée qui a commencé à germer pendant le tournage du premier opus de Dumb & Dumber. En effet, ce premier chapitre a en partie été tourné à l'hôtel qui a servi de décor à Shining dans le Colorado. Les acteurs et l'équipe ont alors connu quelques incidents étranges pendant la production du film. Une expérience qui a donné l'envie à Jim Carrey de produire une nouvelle suite à la saga, mais cette fois sous la forme d'un film d'horreur, et ce pendant le tournage de Dumb & Dumber De.

Inspiré par Paranormal Activity, Jim Carrey voulait proposer un film dans le film où les acteurs, pendant leurs pauses, vivent des expériences paranormales. Le tout aurait été tourné en found footage pendant la production de Dumb & Dumber De. Ainsi, il avait la volonté de faire un making of fictif et horrifique du film des frères Farrelly.

Un projet ambitieux

Pour ce faire, l'acteur a même approché le duo Daniel Kwan et Daniel Scheinert (Everything Everywhere all at once) afin de réaliser ce projet un peu dingue. Lors d'une table ronde organisée par The Hollywood Reporter, Daniel Kwan est revenu sur cette histoire farfelue :

Très tôt dans nos carrières, Jim Carrey nous a tendu la main. Il venait juste de voir Paranormal Activity. Il nous a rencontré pour nous demander si on l'avait vu. Et nous lui avons répondu : "Nous en avons entendu parler. Où est-ce que tu veux en venir ?". Et là, il nous a dit : "Je n'ai vu personne faire ça avec de la comédie. Et j'ai cette super idée." Fondamentalement, le tournage de Dumb and Dumber était célèbre pour être un plateau hanté. Il nous a alors dit : "Pendant tout le temps où nous tournions, des choses se cassaient, des gens se blessaient, des portes grinçaient. C'était clairement hanté.

Il poursuit, en ajoutant :

Nous allons bientôt tourner Dumb and Dumber To. Et je veux que vous fassiez une comédie d'horreur en found footage sur le plateau. Pendant que nous tournons, vous allez faire un long-métrage. Un making of des coulisses qui se transforment lentement en un film d'horreur". Nous avons trouvé l'idée incroyable et avons accepté sans hésiter sa proposition. Nous avons écrit tout un scénario et étions vraiment excités. Sauf qu'il n'y avait aucun moyen pour que le studio nous laisse faire un film pendant qu'ils tournaient Dumb and Dumber To.

C'est un concept totalement innovent et inédit. Jim Carrey se serait servi du tournage de Dumb & Dumber 2 pour produire un autre long-métrage. Une approche ambitieuse qui aurait poussé Jim Carrey et Jeff Daniels à incarner deux rôles en un. Et pendant que les frères Farrelly mettaient en boîte Dumb & Dumber De, Daniel Kwan et Daniel Scheinert auraient tourné, dans le même temps, un film d'horreur en found footage directement sur le plateau des Farrelly. Difficile de faire plus méta. Et franchement, on aurait adoré voir un projet aussi culotté et original. Mais sans surprise, aucun studio n'a voulu prendre un tel risque...

Finalement, le found footage a été utilisé par la comédie. Projet X (2012) est l'un des premiers films à avoir utilisé le found footage, initialement réservé à l'horreur, au sein d'une comédie. Même le cinéma français s'y est essayé avec des productions comme Babysitting (2014) ou Pas très normales activités (2013).

Marvel (encore) attaqué, Shang-Chi répond

Depuis quelques temps, à Hollywood, une guéguerre oppose certains cinéastes de renom et les grosses productions du moment, plus précisément Marvel. En 2019, Martin Scorsese déclarait que, pour lui, les films Marvel ne sont pas du cinéma. Ce qui lui a valu une réponse de l'un des artisans des films de super-héros, James Gunn, d'après qui Scorsese se servirait de la renommé de ces blockbusters pour parler de ses films, comme The Irishman.

Rebelote dernièrement avec Quentin Tarantino qui s'est attaqué cette fois aux interprètes des films Marvel. Pour lui, "ces acteurs ne sont pas des stars (...) Captain America est la star". Même s'il y a du vrai dans ce que dit le cinéaste, il n'en fallait pas plus pour que l'un des principaux concernés monte au créneau. C'est Simu Liu, révélé au grand public avec Shang-Chi et la Légende des Dix Anneaux, qui a donné sa réponse via son compte Twitter.

Si les seuls gardiens du temple de la célébrité du cinéma étaient Tarantino et Scorsese, je n'aurais jamais eu l'opportunité de porter un film rapportant plus de 400 millions de dollars. Je suis en admiration devant leur génie cinématographique. Ce sont des auteurs transcendants. Mais ils ne peuvent pas me pointer du doigt, moi ou quelqu'un d'autre.

Un problème de diversité chez Tarantino ?

Simon Liu pointe plus précisément par la suite la question de la diversité et semble estimer que, chez Scorsese et Tarantino, ce ne serait pas une priorité. Alors que chez Marvel, ce serait bien l'inverse d'après lui.

Aucun studio n'est parfait. Mais je suis fier de travailler avec celui qui a fait des efforts pour améliorer la diversité à l'écran en créant des héros qui inspirent les gens de différentes communautés partout dans le monde. J'aime aussi "l'âge d'or hollywoodien"... Mais c'était quand même sacrément blanc.

Il y a clairement dans sa déclaration une certaine maladresse, car il mélange plusieurs éléments. D'abord sur le fait que Tarantino et Scorsese ne lui auraient jamais donné une opportunité comme il a eu avec Shang-Chi. En termes de chiffres, certes, les deux cinéastes ne rapportent plus autant d'argent avec leurs films. Mais la comparaison n'a pas vraiment lieu d'être. Ensuite, en remettant en question la diversité chez ces deux réalisateurs (et en y ajoutant l'âge d'or hollywoodien), à l'opposé encore une fois de ce qu'a proposé Marvel, il y a de quoi s'interroger.

En effet, avec Pulp Fiction, Jackie Brown, Kill Bill ou encore Django, on pourrait estimer que Tarantino coche les cases de la diversité. Même si, il est vrai, aucun de ses films n'a été tenu par un ou une Asiatique dans le rôle principal, ce que peut-être lui reproche Simon Liu.

Scorsese et la représentation des tibétains

Pour ce qui est de Martin Scorsese, des internautes ont rappelé le casting tibétain de Kundun (1997). Un film que Disney distribuait à l'époque, et qui n'aurait pas été fortement soutenu par le studio pour éviter de se mettre à dos le marché chinois. Et du côté de Marvel, rappelons la décision pour Doctor Strange (2016) de faire jouer l'Ancien, personnage tibétain dans les comics, par Tilda Swinton.

Encore une fois, on mettra la déclaration de Simu Liu sur le compte de la maladresse car le sujet qu'il soulève n'est pas si simple. Il semble évidemment d'accord sur le fait qu'un studio comme Disney a pu faire des erreurs. Mais mélanger la question de la diversité avec celle sur les "movie stars" n'est a priori pas ce qu'il y a de plus pertinent.

D'ailleurs, Anthony Mackie (alias Faucon dans le MCU) avait lui-même admis que le public venait voir les films Marvel pour les personnages plus que pour les interprètes. Mais qui sait, peut-être qu'un jour Simu Liu prouvera l'inverse en portant sur ses épaules une grand production originale ailleurs que chez Marvel...

Tout sauf un hasard

Roschdy Zem a travaillé. Beaucoup. Sa toute première apparition remonte à 1987, dans Les Keufs de Josiane Balasko, pour une figuration avancée. Quatre années passent, et le revoilà dans J'embrasse pas d'André Téchiné. À partir de là, il ne quittera plus le grand écran, avec très souvent plus de trois films par an. Une boulimie de cinéma qui lui apporte reconnaissance et récompenses en tant qu'acteur. En 2006, il reçoit ainsi le prix d'interprétation masculine au Festival de Cannes pour Indigènes de Rachid Bouchareb. Une récompense collective qu'il partage avec Jamel Debbouze, Sami Bouajila, Samy Naceri et Bernard Blancan. Cette même année, il débute sa carrière de réalisateur avec Mauvaise Foi.

Devenu une figure incontournable du cinéma français, il enchaîne et reçoit en 2020 le César du Meilleur acteur pour son rôle de flic dans Roubaix, une lumière d'Arnaud Desplechin. L'histoire n'a pas toujours été simple mais elle a la force d'un destin. À force de travail, d'accueil égal des succès et des échecs, de travail encore, son année 2022 est fantastique - on peut ignorer son caméo dans Reste un peu -, avec Enquête sur un scandale d'État, Les Enfants des autres, L'Innocent et donc son sixième long-métrage en tant que réalisateur : Les Miens.

Les Miens, les nôtres

La nouvelle réalisation de Roschdy Zem est sa plus aboutie, sa plus réussie, et si l'on peut discuter de ces deux premières qualités, elle est en tout cas sa plus intime. Les Miens est une histoire de famille, sa famille de sang d'abord - l'histoire est inspirée d'un accident vécu par son frère - et aussi sa famille de cinéma. Ryad (Roschdy Zem) a trois frères et une soeur. Il y a Moussa (Sami Bouajila), Salah (Rachid Bouchareb), Adil (Abel Jafri), et Samia (Meriem Serbah). Eux et leurs enfants ont l'air unis, et Les Miens s'ouvre avec un déjeuner d'anniversaire où les quelques remarques sur l'égoïsme de Ryad, célèbre journaliste et présentateur sportif, ne portent pas à conséquence. Mais comme partout, comme dans chaque famille, des non-dits existent.

Des non-dits qui vont surgir quand Moussa, en instance de divorce, fait une chute lors d'une soirée arrosée. Commotion cérébrale ou traumatisme crânien, les médecins ont d'abord du mal à se prononcer. Sa vie n'est pas en danger mais Moussa est très fatigué et, surtout, il n'a plus aucun filtre : il déballe à chacun ses quatre vérités, sans ambages, ce qui va fracturer la famille. C'est parfois drôle, mais plus souvent tendu, pour finalement en devenir poignant.

L'intimité de la banalité

À la manière du très beau Les Enfants des autres de Rebecca Zlotowski, Roschdy Zem inscrit lui aussi son récit dans une banalité, dans un moment de vie somme toute simple où paradoxalement se révèlent les complexités des liens familiaux. Partant de cette intention, il confie à Sami Bouajila, son frère de cinéma, le rôle du détonateur. Une performance d'autant plus remarquable qu'elle n'attire a priori pas de sympathie, tant Moussa passe de la douceur à une dureté tétanisante. Ses frères et sa soeur, comme ses enfants, deviennent un temps des étrangers, et Les Miens prend vite un ton tragi-comique et une saveur douce-amère dont on ne se lasse pas. Loin des rôles taciturnes et inquiétants qui ont fait une bonne partie de sa renommée, Roschdy Zem joue et met en scène son intimité.

Avec sa famille de cinéma - le réalisateur Rachid Bouchareb dont c'est là sa première performance d'acteur, l'évidence Sami Bouajila, Meriem Serbah avec qui il partageait l'affiche de Le Prix du Succès et Ma fille -, il se trouve un terrain à la fois sûr et fertile, lui qui a plus pris la lumière, à la manière de son personnage Ryad, qu'eux ne l'ont fait. Égoïste Roschdy Zem ? Bien au contraire, échangeant avec Maïwenn au scénario comme à l'écran, il réussit un drame choral où personne ne fait tapisserie, où chacun apporte avec justesse sa part à une histoire familiale rafraîchissante et aussi rassurante. Sans doute le dit-il aussi à famille de sang, qu'il est là pour eux autant qu'il l'est pour ses personnages. Si ce n'est même plus.

Une mise en scène en retenue

En filmant cet intime, Roschdy Zem favorise les lieux où celui-ci s'épanouit. Des intérieurs, des tables de repas, des appartements plus ou moins spacieux selon les réussites de chacun. Mais on retient de ces décors surtout leurs portes et leurs fenêtres. Elles claquent, s'ouvrent, sont obstruées par des rideaux ou ouvertes sur des vues mornes. D'un appartement à l'autre, d'un repas où l'on s'engueule à un autre, Les Miens se termine comme il avait commencé. Autour d'une table familiale où l'on s'aime malgré tout. Où l'on se dit alors qu'il n'y a bien que ça qui compte.

Les Miens se concentre essentiellement sur Moussa et Ryad. Puisqu'il a été le moins présent tout en étant celui qui a le plus de moyens, c'est à Ryad que revient la tâche d'aider Moussa. On pourra ainsi regretter que leur échappée le temps d'un week-end normand ne fracture pas la relative monotonie d'une mise en scène trop en retenue. Devenu un formidable conteur, Roschdy Zem semble ainsi sur la réserve au moment de donner une bravoure cinématographique à son récit. Ce dernier pouvait en effet s'autoriser une brève incursion dans le genre du buddy movie, tant lui et Sami Bouajila sont faits pour jouer ensemble. Cette fabrication modeste d'images apparaît alors comme le seul point qui a limité Les Miens à sa (très légitime) sélection en compétition à la Mostra de Venise 2022.

Les Miens de Roschdy Zem, en salles le 23 novembre 2022. Ci-dessus la bande-annonce. Retrouvez ici toutes nos bandes-annonces.

Bruce Lee : la légende des arts martiaux

Né en 1940, Bruce Lee a eu une vie bien chargée. Une existence artistique passionnante pendant laquelle il a porté de nombreuses casquettes. Acteur, réalisateur, producteur, scénariste, avant de devenir tout ça, Bruce Lee était un professionnel des arts martiaux qu'il a popularisés aux États-Unis. Considéré comme le plus grand maître des arts martiaux du cinéma international au XXème siècle, Bruce Lee a ouvert la voix à de nombreux autres acteurs/cascadeurs asiatiques comme Jackie Chan, Jet Li, Tony Jaa ou encore Donnie Yen (qui a même incarné son maître au cinéma : le célèbre Ip Man).

Bruce Lee a même créé son propre art martial : le jeet kune do. Un genre qui mélange Kung-fu et jeu de jambes. Surnommé Le Petit Dragon, il a tourné dans une trentaine de productions audiovisuelles au cours de sa carrière. Après avoir été découvert dans la série Le Frelon vert, il a multiplié les films de combats avec quelques grands classiques comme La Fureur de vaincre ou Opération Dragon. Mais son rôle le plus célèbre se trouve évidemment dans La Fureur du dragon (qu'il a lui-même réalisé) où il affronte Chuck Norris dans un climax devenu culte.

Une mort élucidée ?

Après une courte carrière au cinéma (1966 – 1973) il décède subitement le 20 juillet 1973 à Hong Kong à seulement 32 ans. Les circonstances de sa mort sont assez inexplicables à l'époque, et au milieu de nombreuses spéculations plus ou moins crédibles, les autorités sanitaires chinoises concluent à un œdème cérébral.

Un récent document proposé par un groupe de spécialistes du rein en Espagne vient apporter une toute nouvelle théorie. En effet, selon ces scientifiques espagnols (via Variety), Bruce Lee serait peut-être décédé à cause de l'incapacité de ses reins à excréter l'excès d'eau. Une cause de décès qui porte même un nom : l'hyponatrémie.

En effet, selon ce groupe de recherche, Bruce Lee, au moment de sa mort, « possédait de multiples facteurs de risque d'hyponatrémie ». Un état qui se traduit par une concentration de sodium anormalement basse dans le sang. Le risque d'hyponatrémie survient quand le patient a une consommation chronique de liquide et/ou une consommation de marijuana (qui augmente la soif) et/ou une interférence dans le bon fonctionnement des reins :

Nous émettons l'hypothèse que Bruce Lee est décédé d'une forme spécifique de dysfonctionnement rénal : l'incapacité d'excréter suffisamment d'eau pour maintenir l'homéostasie de l'eau… . Cela peut entraîner une hyponatrémie, un œdème cérébral et la mort en quelques heures si la consommation excessive d'eau n'est pas compensée par l'excrétion d'eau dans l'urine.

Attention, l'eau ça tue ?

Le groupe d'étude continue son rapport par un petit message de prévention :

Étant donné que l'hyponatrémie est fréquente, jusqu'à 40 % des personnes hospitalisées, et peut entraîner la mort par ingestion excessive d'eau, même chez les jeunes en bonne santé, il est nécessaire de diffuser plus largement le concept selon lequel une consommation excessive d'eau peut tuer.

En tout cas, même si cette étude ne fait pas office de preuve pour expliquer le décès de Bruce Lee, c'est une théorie qui tient la route. En effet, le comédien prenait régulièrement des médicaments contre la douleur pour aider la guérison de vieilles blessures. La consommation massive de médicaments entraîne souvent un dysfonctionnement des reins. L'étude précise que Bruce Lee n'avait pas ingéré une quantité anormalement élevée d'eau avant sa mort, mais ses reins étaient peut-être déjà en trop mauvais états pour fonctionner correctement. De plus, il suivait un régime liquide principalement composé de jus de fruits.

Après, est-il réellement décédé des suites d'hyponatrémie ? Difficile de le savoir réellement. Et surement que les causes de sa mort resteront éternellement un mystère...

Avatar 2 : la suite tant attendue

James Cameron n'est pas du genre à faire les choses à moitié. Treize ans après avoir offert au monde entier Avatar, il s'apprête enfin à dévoiler la suite, La Voie de l'eau, le 14 décembre prochain. Pourquoi avoir attendu tout ce temps ? Car il souhaitait écrire la totalité des scripts des quatre suites annoncées avant de débuter le tournage.

En outre, il a attendu que la technologie qu'il avait en tête soit opérationnelle pour filmer les scènes sous-marines. Ainsi, pour la première fois dans l'histoire du cinéma, des acteurs ont effectué de la performance capture sous l'eau. Vous l'aurez compris, une grande partie du film se déroulera dans les océans de Pandora. Et pour cause.

Après avoir été contraints de quitter leur paradis, Jake et Neytiri, désormais à la tête d'une famille, trouvent refuge sur les récifs. Un tout autre décor pour eux mais également empli de magie, à commencer par l'incroyable faune qui peuple ces fonds marins. Des séquences que nous pourrons évidemment découvrir au cinéma en 3D.

Un résultat au box-office scruté

James Cameron est célèbre pour être le roi du box-office. Il a en effet mis en scène deux des trois plus gros succès cinématographiques de tous les temps : Avatar et Titanic. Le premier avoisine les trois milliards de dollars de recettes et le deuxième 2.2 milliards. Autant dire que la performance au box-office de La Voie de l'eau est attendue avec impatience. Surtout que le film a coûté cher. Très (très) cher.

James Cameron prévient

Si le budget de 250 millions de dollars par suite avait été annoncé, le réalisateur estime qu'il est en réalité beaucoup plus élevé. S'il n'a pas donné de chiffre exact lors de sa longue entrevue avec le magazine GQ, il a tout de même confié qu'il était "put*** de cher". Il aurait ainsi prévenu les pontes de la 20th Century Studios qu'il s'agissait du "pire business de l'histoire du cinéma". Et que le film allait devoir devenir "le troisième ou quatrième plus gros succès de tous les temps juste pour être rentable".

Lorsque l'on jette un coup d'oeil au box-office mondial, la quatrième place est détenue par Star Wars Le Réveil de la Force avec plus de deux milliards de billets vers. Avatar 2 va donc devoir atteindre les deux milliards de dollars de recettes s'il veut être rentable. Un pari que seul James Cameron peut être en mesure de réaliser aujourd'hui en dehors des films Marvel. Le réalisateur a déjà prévu un plan si toutefois le film n'atteignait pas ses objectifs.

Pour faire monter l'impatience, le studio a dévoilé une toute nouvelle bande-annonce majestueuse :

Negan a quitté le groupe à la fin de The Walking Dead

Douze ans après la sortie de son premier épisode, The Walking Dead a récemment fait ses adieux aux spectateurs américains. Le dernier épisode de son onzième et ultime chapitre a été diffusé ce dimanche 20 novembre de l’autre côté de l’Atlantique. Celui-ci a réservé aux fans une conversation entre Maggie et Negan.

Au cours de celle-ci, le personnage joué par Lauren Cohan a avoué à celui campé par Jeffrey Dean Morgan qu’il avait mérité sa place au sein du groupe de survivants. Mais qu’elle ne pouvait pas lui pardonner d’avoir tué Glenn. À la suite de cela, Negan a quitté le groupe. On a ensuite pu le retrouver dans l’une des dernières scènes de l’épisode, qui s’est déroulé un an plus tard et qui a laissé entendre que le personnage vivait désormais à Alexandrie avec sa femme.

Vers un retour de l’ancien Negan dans Dead City ?

Si la série principale a tiré sa révérence, l’univers de The Walking Dead est encore loin d’être terminé. Plusieurs spin-offs sont encore attendus. Dont un sur Negan et Maggie, d'abord intitulé Isle of the Dead mais qui a depuis été renommé Dead City. Peu avant la diffusion du dernier épisode de la série mère, Dean Morgan a été interrogé par Deadline sur ce futur spin-off. Et l’acteur a révélé qu’il débuterait quelques années après le dernier épisode de The Walking Dead.

Dean Morgan a aussi parlé de l’évolution de son personnage. Dans la série principale, Negan tente de se racheter de ses actions passées durant les derniers épisodes. Il sauve notamment le fils de Maggie. Mais selon son interprète, le Negan du passé pourrait être de retour dans Dead City. Car l’acteur assure que durant les quelques années qui se seront écoulées entre la fin de la série principale et le début du spin-off, son personnage pourrait avoir retrouvé « ses vieilles habitudes » :

Negan a l’occasion de retrouver ses vieilles habitudes pendant ces années à l’écart. C’est quelqu’un qui a ses habitudes, et il sait comment survivre. Je suis inquiet de ce qui lui arrive pendant les quelques années à l’écart du groupe, et ce qu’il va devenir. Et donc, quand Maggie et lui se retrouveront, il y a de bonnes chances que Negan ne sera plus celui qu’il était la dernière fois qu’ils se seront vus.

Un spin-off attendu pour 2023

Dean Morgan nous tease donc le retour d’un Negan effrayant dans Dead City. Reste à savoir comment sa relation avec Maggie évoluera lorsque les deux personnages se retrouveront. Il ne faudra en tout cas attendre que quelques mois avant de pouvoir découvrir ces retrouvailles. Car le tournage de Dead City est presque terminé. Et la série devrait être lancée durant la première partie de l’année prochaine.

Mathieu Kassovitz, de La Haine à Hollywood

En tant que réalisateur, Mathieu Kassovitz a atteint une vraie notoriété en 1995 avec son deuxième long-métrage, La Haine. Un film puissant devenu une référence et récompensé, à l'époque du Prix de la mise en scène au Festival de Cannes et de trois César, dont celui du meilleur film. À partir de là, l'acteur et cinéaste a pu développer d'autres films. Il réalise d'abord Assassin(s) en 1997, avant de proposer Les Rivières pourpres (2000) porté par Jean Reno et Vincent Cassel.

C'est après ce thriller tiré du roman éponyme de Jean-Christophe Grangé que Kassovitz a attiré l'attention d'Hollywood. Trois ans après, il s'attaque à Gothika (2003), un thriller fantastique emmené par un gros casting : Halle Berry, Robert Downey Jr., et Penélope Cruz. L'histoire suit une psychiatre qui travaille dans un institut spécialisé. Un jour, elle se réveille dans l'une des cellules et est accusée du meurtre de son mari. Alors qu'elle n'a aucun souvenir de comment elle s'est retrouvée dans cette situation, elle va tout faire pour découvrir la vérité.

Sur le papier, Gothika aurait pu être un job de rêve pour un "petit frenchy". Mais la réalité fut bien différente pour le réalisateur. Il est justement revenu sur cette production à l'occasion du Festival du film du Caire où il était invité pour une masterclass décrite comme explosive par Deadline.

L'incident entre Halle Berry et Robert Downey Jr.

Mathieu Kassovitz explique dans un premier temps comment Joel Silver l'a engagé après avoir vu Les Rivières pourpres dans l'avion. En lui proposant le projet, le producteur n'a pas essayé de lui survendre le job mais est resté pour le moins honnête.

Il a dit : Écoutez, il y a Halle Berry, nous sommes prêts à tourner dans un mois et demi. Vous n'avez rien à dire sur le scénario, vous n'avez rien à dire sur le casting et vous devez vous intégrer.

Pour le moins direct, ce qui n'a pas fait peur à Kassovitz. Au contraire, il précise que, pour lui, il ne s'agissait pas "d'un de (ses) films", lui permettant d'avoir suffisamment de distance sur le résultat. Ainsi, lorsque le tournage a commencé à vriller après que Robert Downey Jr ait cassé le bras d'Halle Berry (il devait dans une scène la saisir et tordre son bras, mais l'a fait trop violemment), le réalisateur n'a pas trop bronché.

En effet, suite à cet incident qui obligea Halle Berry et la production à s'arrêter pendant huit semaines, la comédienne se montra catégorique au sujet de Robert Downey Jr. et refusa de de poursuivre avec l'acteur, qui sortait tout juste de cure de désintoxication.

Elle a dit : 'Je ne veux plus travailler avec lui.' J'ai dû continuer avec des doublures. Si cela avait été pour un de 'mes' films, cela m'aurait tué. Mais comme ce n'était pas le cas, j'ai juste dit : 'Moue'.

Difficile de savoir exactement qu'elles scènes de Gothika ont été tournées avec ou sans Robert Downey Jr. Ni la quantité. Toujours est-il que Mathieu Kassovitz  a semblé accepter assez facilement la situation. Bien plus que pour Babylon A.D. (2008), pendant lequel il tourna le making of Fucking Kassovitz comme pour témoigner de ce tournage chaotique.

Anya Taylor-Joy, digne héritière de Charlize Theron ?

À 26 ans, l'actrice Anya Taylor-Joy peut déjà s'enorgueillir de plusieurs performances abouties et très remarquées. Que ce soit notamment chez Robert Eggers ou M. Night Shyamalan, Anya Taylor-Joy déploie une fascinante et séduisante étrangeté. Ce qu'a par exemple parfaitement compris Edgar Wright, qui lui confie le très beau rôle de Sandie dans Last Night in Soho.

L'horreur et l'épouvante sont ainsi des genres de cinéma dans lesquels l'actrice, actuellement à l'affiche de la satire horrifique Le Menu, brille de mille feux. Il apparaît alors comme une évidence qu'elle ait été choisie par George Miller pour incarner le rôle-titre de son prochain film Furiosa, à la fois préquel et spin-off de Mad Max : Fury Road.

Dans Furiosa, Anya Taylor-Joy incarne Furiosa dans sa jeunesse. Celle-ci, véritable personnage principal de Mad Max : Fury Road, y était incarnée par Charlize Theron. Une performance monstrueuse de l'actrice sud-africaine qui est à placer au tout premier rang des nombreuses qualités du film. Héritière désignée de Charlize Theron, Anya Taylor-Joy a-t-elle les épaules pour prendre sa suite ? On le saura le 22 mai 2024, date de la sortie de Furiosa en France. En attendant, on peut au moins s'assurer d'une chose : Anya Taylor-Joy a pris son pied dans cette production qu'elle décrit comme, à ce jour, la plus "sale" et la plus "sanglante" de sa filmographie.

Le sang lui va si bien

C'est dans une interview donnée à IndieWire qu'Anya Taylor-Joy s'est exprimée sur Furiosa, pour lequel elle vient de terminer ses prises de vue. Dans le rôle de Furiosa, dont Charlize Theron a fait une des plus grandes action heroines du cinéma, l'actrice s'est visiblement éclatée.

C'est (le film) le plus "sale" et le plus sanglant dans lequel j'ai été, et je pèse mes mots, c'est vraiment le cas. (...) À chaque fois que je peux me salir ou me couvrir de sang, et ne pas être parfaitement coquette et jolie, je vis ma meilleure vie, c'est comme ça que je me sens la plus à l'aise. Donc oui, "Furiosa" était pile dans mes cordes.

Les quelques images de tournage qui nous sont parvenues le montrent, il faut effectivement s'attendre à retrouver toute la crasse, le vice, la violence et la brutalité de l'univers Mad Max dans Furiosa. Une expérience qu'Anya Taylor-Joy qualifie d'unique et, surtout, dont elle se dit particulièrement fière.

J'ai passé les sept derniers mois sur une différente planète. Je pense que j'ai besoin de m'asseoir et d'assimiler ce qui s'est passé pendant ces sept mois. Mais j'en suis incroyablement fière, et fière aussi de tous les gens avec qui j'ai pu travailler, de la quantité d'amour, d'effort et de labeur qu'on y a mis, j'ai très hâte de voir le résultat.

Ne reste plus maintenant qu'à se montrer patients, ce qui ne va pas être simple....

Indiana Jones 5 : direction 1969...

L'an prochain, Harrison Ford reprendra le chapeau et le fouet d'Indiana Jones une dernière fois dans un cinquième opus, pour lequel James Mangold (Logan, Le Mans 66) succède à Steven Spielberg à la réalisation. Un long-métrage auquel le magazine Empire vient de consacrer un dossier révélant des images exclusives, dont une du méchant incarné par Mads Mikkelsen, ainsi que plusieurs éléments de l'intrigue.

Ce nouvel opus se déroulera principalement en 1969. Après Les Aventuriers de l'arche perdue et Indiana Jones et la Dernière Croisade, le célèbre archéologue combattra à nouveau des nazis ayant notamment participé à la conquête spatiale sur le sol américain. Comme l'a confié le coscénariste Jez Butterworth à Empire, "le programme Apollo a été mené en partie par une bande d'anciens nazis". Mads Mikkelsen devrait justement interpréter l'un d'eux.

Pour cette nouvelle confrontation, Indiana Jones devrait avoir pour alliée sa filleule Helena (Phoebe Waller-Bridge). Mais avant que le film ne se consacre à cette fameuse course spatiale opposant les États-Unis à la Russie, les spectateurs retrouveront le héros en pleine Seconde Guerre mondiale.

... après une introduction en 1944

La scène d'ouverture qui s'annonce musclée dévoilera une version rajeunie numériquement d'Harrison Ford, grâce à la technologie du De-Aging. Cette introduction se déroulera dans un château et marquera un premier affrontement dans le long-métrage entre Indiana Jones et des nazis. Pour James Mangold, il s'agit de donner un premier "shoot d'adrénaline" au public avant de l'emmener à la fin des années 60.

La productrice Kathleen Kennedy promet de véritables prouesses visuelles avec cette séquence :

Mon espoir est que l'on regarde la scène et que l'on se dise : "Oh mon Dieu, ils ont retrouvé des images tournées il y a quarante ans !" On plonge le public dans une aventure, Indy cherche quelque chose et on se dit tout de suite : "Je suis dans un film d'Indiana Jones".

Quant à Harrison Ford, il assure que le fait de se voir rajeuni est "un peu effrayant". Le comédien trouve en tout cas le résultat crédible et ajoute :

Je ne veux pas savoir comment ça marche, mais ça marche. Mais ça ne me donne pas envie d'être à nouveau jeune. Je suis content d'avoir cet âge.

Thomas Kretschmann, Boyd Holbrook, Shaunette Renée Wilson, Toby Jones et Antonio Banderas complètent la distribution de ce cinquième Indiana Jones. Le film sortira le 28 juin 2023 dans les salles françaises.

Un acteur capable de tout jouer

Révélé en 1986 par le biopic Sid & Nancy, dans lequel il incarne le musicien Sid Vicious, Gary Oldman dévoile rapidement une palette de jeu très large. Dans les années qui suivent, le comédien britannique prouve qu'il joue à merveille les chiens fous (Les Anges de la nuit), les vampires en manque d'amour (Dracula), les policiers drogués et complètement fous (Léon), les dealers versant dans l'appropriation culturelle (True Romance) ou encore les anti-héros malchanceux et manipulés (Romeo Is Bleeding).

Gary Oldman a également incarné plusieurs personnalités historiques, de Lee Harvey Oswald dans JFK à Herman Mankiewicz dans Mank, en passant par le célèbre compositeur Ludwig van Beethoven dans Ludwig van B. et Winston Churchill dans Les Heures Sombres (rôle qui lui vaut d'ailleurs l'Oscar du Meilleur acteur). Du côté des franchises, il a été le parrain du célèbre sorcier à lunettes dans la saga Harry Potter mais aussi le policier Jim Gordon, fidèle allié de Batman, dans la trilogie du Dark Knight de Christopher Nolan.

Extrêmement doué pour l'introspection (La Taupe) mais aussi pour les compositions outrancières (Le Cinquième élément), Gary Oldman peut tout simplement tout jouer. Et maintenant qu'il n'a plus rien à prouver, le comédien songe à raccrocher.

Fin de carrière pour Gary Oldman ?

Au cours d'un entretien accordé au Sunday Times pour la promotion de la deuxième saison de Slow Horses, l'acteur s'est confié sur son plaisir à interpréter Jackson Lamb. Créé par l'écrivain Mick Herron, ce protagoniste est un agent du MI5 grincheux qui gère un service d'espions ratés baptisé l'Étable et installé dans des bureaux miteux. Un homme auquel Gary Oldman s'identifie, notamment à travers son alcoolisme, le comédien ayant souffert de cette addiction et étant désormais sobre depuis 25 ans :

Le plus grand mensonge de Jackson concerne sa consommation d'alcool. Cet air moqueur et cruel qu'il se donne... Il sait qu'il est ivre et il se ment à lui-même.

Personnage auquel il s'est profondément attaché, Jackson Lamb pourrait bien être le dernier rôle de Gary Oldman. L'acteur a fait savoir qu'il aimerait prochainement se consacrer à autre chose :

J'ai eu une carrière enviable mais les carrières déclinent et j'ai d'autres choses qui m'intéressent en dehors du métier d'acteur. (...) J’aurai 65 ans l’année prochaine et les 70 ans approchent. Je ne me vois pas être acteur quand j’en aurai 80. Ce serait un honneur et un privilège de finir avec le personnage de Jackson Lamb puis de raccrocher officiellement.

La série Slow Horses est à découvrir sur Apple TV+.

The Walking Dead a tiré sa révérence

C’est la fin d’une grande aventure. Douze ans après le lancement de The Walking Dead, la série a officiellement fait ses adieux. Ce dimanche 20 novembre, le dernier épisode du show était diffusé aux États-Unis. Si plusieurs spin-offs de la série ont déjà vu le jour et vont se poursuivre, l’histoire principale a donc livré sa conclusion.

Et pour cet épisode final, les scénaristes de The Walking Dead avaient prévu de nombreuses surprises aux fans. Plusieurs acteurs qui n’avaient plus été vus dans la série depuis un moment ont ainsi fait leur retour pour l’occasion. On a pu voir Steven Yeun, Laurie Holden ou encore Sonequa Martin-Green rejouer respectivement Glenn, Andrea et Sasha. Mais un autre acteur a aussi participé à ces adieux.

Le caméo de Chandler Riggs

Comme le révèle Entertainment Weekly, Chandler Riggs, l’interprète de Carl, était présent dans le dernier épisode de The Walking Dead. Pour rappel, son personnage est mort dans la saison 8, et n’était donc plus apparu depuis. Mais lors du dernier jour de tournage de la série, le jeune acteur a décidé de venir rendre visite à l’équipe de la série qui l’a révélé. Il n’avait pas prévu d’apparaître à l’écran. Mais en le voyant, Greg Nicotero, l’un des producteurs du show, lui a proposé d’apparaître symboliquement dans le dernier épisode.

Riggs a alors enfilé un chapeau pour ne pas être trop reconnaissable, et s’est glissé en arrière-plan de la dernière scène de l’épisode. En prêtant bien attention, on peut donc le voir dans la conclusion de The Walking Dead. Il y joue simplement le rôle d’un fermier, tandis que Maggie dit à Daryl et Carol qu’elle veut leur parler du futur. Les fans du show pourront donc apprécier ce caméo, alors qu’ils ont pu voir l’interprète de Carl grandir à l’écran pendant les huit premières saisons de la série.

Un univers qui va continuer de s’étendre

Si la série principale a donc tiré sa révérence, l’univers de The Walking Dead va continuer de s’étendre. Comme évoqué plus haut, plusieurs spin-offs de la série principale sont au programme pour les années à venir. On aura notamment droit à un film sur le personnage de Rick Grimes, une série sur Daryl et une autre sur Maggie et Negan. De quoi ravir les fans.

Harrison Ford de nouveau face aux nazis dans Indiana Jones 5 !

Cela fait maintenant quatorze ans que le quatrième volet de la saga sur le célèbre aventurier, Indiana Jones et Le Royaume du crâne de cristal, est sorti au cinéma. Mais les fans du plus célèbre archéologue du monde pourront bientôt le retrouver. Car il sera de retour en 2023. On savait déjà depuis un moment qu’Harrison Ford interprèterait de nouveau le célèbre personnage. Et alors que l’on ne connaissait jusqu’à présent rien de l’intrigue du film, Empire vient d’en dévoiler les premiers détails.

D’après le magazine britannique, le héros va de nouveau se retrouver face aux nazis dans Indiana Jones 5. Il les affrontera au cours de l’année 1969. Le film se déroulera donc bien après la Seconde Guerre mondiale. Mais le contexte de cette époque était la course spatiale entre les États-Unis et la Russie. Or, comme le rapporte l’un des scénaristes du film, Jez Butterworth, d’anciens nazis étaient impliqués dans le développement du programme spatial américain.

Mads Mikkelsen se dévoile dans la peau du méchant

En plus de donner les premiers détails de l’intrigue d’Indiana Jones 5, Empire a aussi sorti plusieurs images officielles du long-métrage de James Mangold. Plus d’un an après la fuite de photos de Mads Mikkelsen sur le tournage, on découvre notamment l’acteur danois dans la peau de son personnage, le grand méchant de l’histoire. Nommé Voller, il est inspiré de Wernher von Braun, l’un des ingénieurs majeurs du programme spatial américain qui avait œuvré avant cela pour l’Allemagne nazie.

Empire a également interrogé Harrison Ford sur sa cinquième aventure dans la peau du héros créé par George Lucas. Et l’acteur a promis que ce cinquième film était « rempli d’aventure, de rires et de vraies émotions ». Il a aussi assuré qu’il était heureux du résultat final. Quoi qu’il en soit, il faudra encore se montrer patient avant de pouvoir se faire sa propre opinion sur le long-métrage. Indiana Jones 5 sortira le 28 juin 2023 dans les salles françaises.

1899 : c'est quoi cette nouvelle série mystérieuse ?

Arrivée sur Netflix le 17 novembre dernier, 1899 est la nouvelle série imaginée par Janjte Friese et Baran bo Odar, le duo de créateurs déjà à l'oeuvre sur la série Dark. Comme pour cette dernière, ils ont une nouvelle fois mis les méninges des spectateurs à rude épreuve avec une intrigue complexe. Et une fin de saison qui les a laissés avec tout un tas de questions.

La série débute sur un impressionnant paquebot : le Kerberos. À son bord, des migrants de différents pays qui souhaitent tenter leur chance à New York. Mais leur traversée de l'Atlantique est bouleversée par un message de détresse envoyé par un autre bateau appartenant à la même compagnie maritime : le Prometheus. Disparu en mer depuis 4 mois, il refait surface à quelques kilomètres du Kerberos. Mais à l'intérieur, tous les passagers et membres d'équipage ont disparu, à l'exception d'un petit garçon et d'un homme. Des événements mystérieux commencent alors à se dérouler à bord du Kerberos.

Au fil des 8 épisodes, le mystère autour de ce paquebot ne cesse de s'épaissir. 1899 prend alors une tournure de science-fiction qui n'est pas sans rappeler les thématiques de Matrix. Le dernier chapitre confirme cette ambition en ouvrant la voie à une saison 2 encore plus folle.

Une artiste brésilienne accuse Netflix de plagiat

Quelques jours seulement après la mise en ligne de la saison 1 de 1899, l'artiste de bande dessinée brésilienne Mary Cagnin a accusé les créateurs de la série de plagiat. Elle a publié sur son compte Twitter des explications illustrées par des images de sa BD intitulée Black Silence qui présenterait des similarités avec la série.

JE SUIS EN ÉTAT DE CHOC. J'ai découvert que la série 1899 est juste IDENTIQUE à ma BD Black Silence, parue en 2016

Elle appuie notamment ses dires par la présence d'une pyramide ainsi que les symboles triangulaires dans les yeux des protagonistes à chaque début d'épisode :

Elle explique s'être rendue en Europe en 2017 à un salon littéraire et avoir distribué sa BD à de nombreux éditeurs et personnes influentes. Elle se dit prête à entamer des démarches auprès de Netflix.

Si les éléments comme les triangles et la pyramide peuvent effectivement se rapprocher de la série, la trame de la bande dessinée reste très éloignée de celle de 1899, à commencer par le fait que l'intrigue de la BD se situe sur un vaisseau spatial. Les protagonistes à son bord sont à la recherche de nouvelles planètes à coloniser.

Mary Cagnin a mis à disposition gratuitement sa bande dessinée (en version anglaise) pour que chacun se fasse son propre avis.

Le créateur de 1899 répond

L'appel au plagiat de l'artiste a été très relayé sur les réseaux sociaux. Il est arrivé aux oreilles de Baran bo Odar, co-créateur et réalisateur de la série qui a tenu à poster un message sur Instagram.

Comme je l'ai déjà mentionné dans un post précédent : nous ne connaissons pas cette artiste, ni son travail sur ce comic. Nous ne volerions jamais à un autre artiste, étant artistes nous-mêmes. Nous l'avons contactée en espérant qu'elle retire ses accusations. Internet est devenu un endroit étrange. Plus d'amour et moins de haine s'il vous plaît.

L'Académie des Oscars distingue Michael J. Fox

Après les retrouvailles émouvantes entre Christopher Lloyd et Michael J. Fox à la Comic Con de New York, l'acteur de la saga Retour vers le futur, inoubliable Marty McFly, s'est vu décerner un Oscar d'honneur lors de la soirée des Governor Awards. Un événement qui lance la saison des cérémonies et soirées de récompenses, non-télévisé - ce qui permet aux remettants et récipiendaires de prendre leur temps - et auquel, selon Deadline, tout ce qu'Hollywood compte de grandes personnalités était là.

L'acteur de 61 ans a reçu le Jean Hersholt Humanitarian Award, qui récompense l'action exceptionnelle pour une cause humanitaire. Une distinction dont on peut se demander pourquoi elle arrive si tardivement. En effet, diagnostiqué souffrant de la maladie de Parkinson en 1991, alors qu'il est dans sa trentième année, Michael J. Fox va progressivement réduire ses apparitions au cinéma. Après 1996 et un dernière apparition dans Mars Attacks !, l'acteur va essentiellement prêter sa voix pour des films d'animation, n'apparaissant plus que de manière sporadique, surtout dans des séries.

En 2000, il crée sa fondation, la "Michael J. Fox Foundation for Parkinson's research". Depuis sa création, l'acteur et sa fondation ont levé plus de 1,5 milliard de dollars pour faire progresser la recherche concernant cette grave maladie.

Une récompense reçue des mains de Woody Harrelson

C'est son ami Woody Harrelson qui lui a remis cet Oscar. Les deux hommes se sont rencontrés dans les années 80, au moment où Michael J. Fox tournait dans la série Sacrée Famille et Woody Harrelson dans la série Cheers. Ils ont ensuite partagé l'affiche du film Doc Hollywood de Michael Caton-Jones en 1991.

Michael J. Fox, au terme d'une longue standing ovation, s'est montré touché et l'a souligné avec humour :

Arrêtez. Vous me faites trembler.

Chris Hemsworth, un homme comme les autres

Il a beau être le dieu Thor dans le MCU, il a beau avoir reçu quelques dons de Dame Nature à la naissance et être une célébrité mondiale, Chris Hemsworth reste humain, avec tous les problèmes que ça implique. Très actif ces derniers temps, l'acteur australien a ainsi annoncé qu'il allait faire une pause dans sa carrière.

Et il a donné la raison principale de cette décision : la découverte qu'il avait une prédisposition génétique à la maladie d'Alzheimer.

Chris Hemsworth s'en est ouvert à Vanity Fair, après avoir appris pendant la production de la série Sans limites qu'il était double porteur du gène APOE4, par sa mère et par son mère, une configuration génétique rare et qui augmente sensiblement le risque de développer à terme le syndrome d'Alzheimer. C'est lors de la production de l'épisode 5 qu'au détour d'un examen fait par un docteur spécialiste de la longévité que l'acteur en a été informé.

Disney, producteur et diffuseur de Sans limites, lui a proposé de retirer cette partie de l'épisode, souhaitant permettre à l'acteur de garder cette information privée. Mais Chris Hemsworth a voulu qu'elle soit intégrée au show.

Écoutez, si ça motive les gens à prendre soin d'eux et aussi à comprendre qu'il est possible d'agir, qu'il existe des démarches - alors c'est génial. Mon souci était que je ne voulais pas utiliser ça et rendre la chose très dramatique, une sorte d'émotion artificielle pour créer de l'empathie ou je ne sais quoi d'autre à des pures fins de spectacle.

Une expérience déterminante pour l'acteur

Chris Hemsworth, confronté à cette réalité et à sa propre mortalité, a ainsi décidé de prendre du temps pour lui, pour son épouse Elsa Pataky et pour les trois enfants qu'ils ont ensemble. Concrètement, il va donc se tenir à distance des plateaux de tournage pendant quelques temps.

Ça a vraiment déclenché chez moi la volonté de prendre une période de repos. Et comme on a fini la série, j'ai conclu tous mes engagements contractuels. Alors quand j'aurai fini cette tournée de promotion, je rentrerai à la maison et je prendrai un bon moment "off", et je vais simplifier. Être avec mes enfants, avec ma femme.

Balle perdue 2, film d'action "à l'ancienne"

Balle perdue 2 est en ligne sur Netflix depuis le 10 novembre 2022 et s'est solidement installé à la 1ère place du Top 10 des films en France. Si on peut se montrer circonspects vis-à-vis d'un scénario inutilement complexe et handicapé de quelques faiblesses, son action met tout le monde d'accord. On a jamais ou trop rarement vu de telles bagarres et courses-poursuites dans un film français, et c'est un spectacle ultra satisfaisant à découvrir. Ce qui fait sa différence, par rapport à un genre de l'action où l'on devine trop l'usage d'effets numériques, c'est que Guillaume Pierret et ses équipes ont tenu à tourner le plus de séquences possibles "en vrai".

Avec Alban Lenoir, acteur très physique, avec David Julienne, fils du légendaire Rémy Julienne et spécialiste de la cascade automobile, ou encore Emmanuel Lanzi à la chorégraphie de combats, Balle Perdue 2 propose ce qui se fait de meilleur aujourd'hui dans le cinéma français quand il s'agit de mettre en scène de l'action. Et pour s'en rendre bien compte, Netflix a dévoilé un making-of impressionnant qui révèlent pas mal des secrets de la fabrication du film (vidéo en tête d'article).

Un extincteur en mousse et des coups qui font mal

On voit au sourire et à l'entrain d'Alban Lenoir qu'il est là dans son élément. Comédien mais aussi cascadeur - notamment pour Taken et la série Braquo -, il est actuellement l'acteur français le plus doué venu le moment de filmer des combats. Sur les idées de Guillaume Pierret et sur les propositions du chorégraphe Emmanuel Lanzi, on le voit donc se donner à 100% pour tourner la fameuse séquence d'évasion du commissariat.

Comme l'explique le réalisateur, Alban Lenoir fait lui-même 99,9% de ses séquences de combat, au risque de, comme le précise l'acteur, de parfois prendre des coups et d'en donner aussi.

Astuce révélée par cette vidéo : lorsque Lino se saisit d'un extincteur et s'en sert pour frapper ses adversaires, il s'agit en réalité d'un accessoire en mousse, afin que le coup puisse être vraiment porté, mais sans blesser.

Des voitures qui volent

Le concept est simple, mais la réalisation l'est beaucoup moins. Le système de harpon électrifié de la R21 dans Balle perdue 2 est capable d'envoyer les voitures ennemies très haut, et très loin. Pour réaliser cette "satellisation" des véhicules, des "canons" sont installés dans les voitures. Ceux-là permettent de propulser la voiture dans les airs (à partir de 8'50 dans la vidéo). Très impressionnant à découvrir à l'image, l'effet est dans la réalité très dangereux. Ainsi, pour la première voiture que Lino "évacue" et qui fait un looping dans les airs, il y avait un cascadeur au volant !

Des techniques qui donnent des résultats impressionnants mais aussi imprévisibles. Ce qui finalement correspond bien au désir de Guillaume Pierret pour sa saga d'action :

Ça va trop haut, ça va trop loin. Mais moi, ça me va. Voilà. C'est ce que je recherche.

1899 : le nouveau casse-tête des créateurs de Dark

Le duo allemand Baran bo Odar / Jantje Friese a frappé fort en 2017 avec sa série Dark sur Netflix. Une plongée passionnante dans un univers sombre mêlant voyage dans le temps et drame familial. En trois saisons, le show s'était imposé comme l'un des plus réussis de la plateforme de streaming. Deux ans plus tard, le duo frappe de nouveau avec sa nouvelle série, 1899, disponible depuis le 17 novembre.

À la manière de Dark, cette nouvelle série joue sur le mystère et met les neurones des spectateurs à rude épreuve. Les huit épisodes se déroulent à bord d'un impressionnant paquebot, le Kerberos, à la toute fin du 19e siècle. Dessus, des migrants venus des quatre coins d'Europe qui veulent tenter leur chance aux États-Unis.

Mais rapidement le trajet prend une tournure sombre lorsqu'un autre navire, le Prometheus, disparu depuis quatre mois, leur lance un signal de détresse. Tous les passagers et membres d'équipage ont disparu, sauf un petit garçon et un homme qui semblent connaître l'une des passagères du Kerberos.

La première saison de 1899 déroule alors un scénario complexe, entre Matrix et Lost, qui se termine sur un cliffhanger laissant entrevoir un mystère bien plus important que le postulat de départ.

Combien de saisons de la série sont prévues ?

La fin de l'épisode 8 de la série laisse à penser qu'une saison 2 de la série est prévue. Comme pour Dark, la construction du puzzle a été imaginée en plusieurs chapitres. Dans une interview donnée à The Hollywood Reporter, les deux créateurs du show ont livré des premières informations. Ainsi, ils expliquaient :

Nous avons déjà des idées pour une saison 2 et une saison 3. Et ça devient plus complexe.

a confié Baran bo Odar.

De son côté, Jantje Friese a confié qu'ils avaient déjà pensé à la suite de la série :

Nous aimons toujours avoir une fin avant de commencer. Nous voulons savoir où nous allons. À mesure que nous avançons dans l'histoire, nous voulons savoir comment elle se terminera.

Étant donné que 1899 fait partie d'un deal de plusieurs années que le duo a signé avec Netflix, une saison 2 devrait rapidement être annoncée. Elle permettra de répondre aux (très) nombreuses questions laissées en suspens dans l'épisode 8. Mais elle devrait aussi en amener des nouvelles !

Grey’s Anatomy va perdre sa tête d’affiche

Cela fait maintenant dix-sept ans que Grey’s Anatomy a été lancée. Depuis tout ce temps, la série a vu passer de très nombreux acteurs et actrices. Mais l’une d’elles a été vue dans presque tous les épisodes. À savoir la tête d’affiche du show, Meredith Grey, jouée par Ellen Pompeo. Cette dernière est même apparue dans les spin-offs également créés par Shonda Rhimes, tels que Station 19.

Toutefois, la présence à l’écran de Meredith Grey a diminué dans les dernières saisons de Grey’s Anatomy. En août dernier, nous apprenions même qu’elle ne serait présente que dans huit des vingt-deux épisodes de la dix-neuvième saison, actuellement diffusée. Tout cela laissait présager le départ prochain de Pompeo de la série qui l’a rendu mondialement célèbre. Et ce départ vient de se concrétiser.

Ellen Pompeo officialise son départ

Le sixième épisode de la dix-neuvième saison de Grey’s Anatomy a récemment été diffusé aux États-Unis, et la série est actuellement en pause. Elle reprendra le 23 janvier prochain. Et comme l’a révélé ABC via un teaser, c’est lors de ce septième épisode que Meredith Grey fera ses adieux à ses collègues. Une information qu’a confirmé son interprète dans un message posté sur son compte instagram, dans lequel Pompeo a tenu à remercier les fans de la série :

Je suis éternellement reconnaissante et remplie d’humilité par l’amour et le soutien dont vous avez tous fait preuve envers moi, Meredith et la série pendant dix-neuf saisons. Tout ce qu’on a traversé… rien de cela n’aurait été possible sans les meilleurs fans du monde. Vous avez tous rendu cette aventure tellement fun et iconique ! Je vous aime à la folie. Vous connaissez la chanson… vous savez que le show doit continuer et je reviendrai sans aucun doute. Avec beaucoup d’amour et de gratitude.

Pompeo précise donc toutefois qu’elle sera de retour dans le futur. Les fans peuvent donc espérer qu’elle reviendra dans quelques épisodes, à la manière notamment de Derek Shepherd, Jackson Avery ou encore Addison Montgomery ces dernières saisons. Selon Deadline, elle reviendra au moins pour le dernier de la saison en cours. Et, comme le rappelle TVLine, elle avait également promis en septembre dernier qu’elle participerait au tout dernier épisode du show. Avant cela, elle continuera de narrer les épisodes de la saison 19. Et pour les fans de l’actrice, on peut rappeler que Pompeo sera bientôt à l’affiche d’une nouvelle mini-série.

Élémentaire : le prochain Pixar se dévoile

Attendu le 21 juin 2023 dans les salles obscures, Élémentaire se déroule dans la ville d'Element City où les quatre éléments, la terre, l'eau, l'air et le feu vivent dans une parfaite harmonie. Un décor qui va abriter la magnifique romance entre Flam et Flack, que pourtant tout oppose. La première appartient à l'élément du feu, tandis que le second est membre de l'eau. Pourtant, ils vont briser les codes et les traditions pour devenir de plus en plus proches.

Élémentaire est réalisé par Peter Sohn, qui s'est déjà illustré par le passé avec Le Voyage d'Arlo. Côté casting, on sait, pour le moment, que Leah Lewis va doubler Flam, tandis que Mamoudou Athie va être la voix de Flack. On ne connaît pas encore les voix françaises.

Une première bande-annonce étonnante

Disney et Pixar viennent de dévoiler les premières images de Élémentaire. Plus qu'une bande-annonce, il s'agit d'une séquence entière qui est proposée aux spectateurs. Pixar a choisi en effet de dévoiler au public la scène de rencontre entre Flam et Flack.

On suit ainsi la jeune Flam, dissimulée sous sa capuche, qui prend le métro aérien de Element City. Dans son casque audio, on peut entendre Hell N Back de Bakar. Tandis que la musique sert d'accompagnement à la scène, Flam cherche visiblement à être la plus discrète possible.

Dans le métro, elle croise des membres de l'air, de l'eau et de la terre, mais aucun de ses compatriotes du feu. Cela laisse suggérer deux options : soit les membres du feu ne sont pas acceptés dans les endroits publics à cause de leur dangerosité, soit ils sont beaucoup moins nombreux que les autres éléments. Flam continue de déambuler dans les couloirs du métro, croise des utilisateurs originaux et hauts en couleur, avant de faire tomber son casque. C'est à ce moment là qu'elle rencontre Flack.

Comme d'habitude chez les studios Pixar, Élémentaire propose une approche visuelle démentielle et un univers esthétiquement généreux et hors du commun. Même si ce premier teaser ne dévoile pas grand chose, il met clairement l'eau à la bouche. Il y a suffisamment de mystère pour créer une attente élevée du côté des fans.

Pixar et Disney ont accompagné leur première bande-annonce avec une magnifique affiche officielle :

Brendan Fraser, défenseur des causes perdues

L'acteur Brendan Fraser, superstar des années 2000 passé par une longue traversée du désert, fait actuellement un retour remarqué sur le devant de la scène. Un retour qui prend la forme d'un film très attendu : The Whale. Celui-ci, nouvelle réalisation de Darren Aronofsky, raconte l'histoire de Charlie, un homme dépressif, atteint d'obésité morbide, pesant 272 kilos et ne pouvant se mouvoir qu'avec peine, qui tente de renouer les liens avec sa fille de 17 ans.

Dans ce rôle de Charlie, Brendan Fraser a impressionné les publics de la Mostra de Venise et du Festival de Toronto, où The Whale a été présenté. Son retour prend aussi la forme d'une présence régulière dans les médias, où Brendan Fraser revient sur sa vie et sa carrière à Hollywood, entre succès et échecs, bonheurs et malheurs.

C'est ainsi lors d'une interview donnée à GQ qu'il est revenu sur plusieurs de ses rôles, et s'est forcément attardé sur La Momie (1999) et sa suite sortie en 2001, Le Retour de la momie. Et, une fois n'est pas coutume, il trouve que les effets spéciaux du deuxième film, qu'on peut aisément classer dans les pires jamais produits, ont du "charme".

Des effets spéciaux à prendre avec distance

Dans Le Retour de la momie, son personnage Rick O'Connell fait face à plusieurs ennemis et dangers. Parmi lesquels Mathayus, le Roi Scorpion, interprété par un jeune et volontaire Dwayne Johnson. La technique ne lui a en effet pas vraiment rendu service sur ce coup, puisque son apparence est... comment dire... plutôt ratée.

À la première du film, les gars qui avaient fait les effets spéciaux du Roi Scorpion étaient là, "Hey, ça va ? beau boulot. Vous savez, on a fait les effets spéciaux pour le Roi Scorpion..." puis ils enchaînaient "Oui, on aurait eu besoin de plus de temps..." (rires).

Je pense que ça a été fait à la dernière minute. Mais je pense que le charme qu'on y trouve à le revoir aujourd'hui - j'imagine que ça pourrait être remasterisé, mais..., ce ne serait pas aussi marrant si on ne voyait pas cet horrible personnage vidéo de Dwayne qui rugit ! (rires)

Finalement, d'une certaine manière, c'est sans doute parfait comme ça.

C'est ce qu'on appelle faire la paix avec le passé. Et étant donné la qualité globale très moyenne de cette suite au grand succès de 1999, mieux vaut rire avec tendresse de cette belle faute de goût du film que de financer un remaster qui la gâcherait...

Sylvester Stallone de retour dans Tulsa King

Après avoir incarné un super-héros dans le long-métrage Le Samaritain, disponible sur Prime Video, Sylvester Stallone est déjà de retour sur le petit écran aux États-Unis. Dans la série Tulsa King, créée par Taylor Sheridan (Yellowstone, Wind River), la star prête ses traits à Dwight Manfredi, également connu sous le pseudonyme du "Général". Ancien parrain de la mafia new-yorkaise, ce gangster peut enfin profiter de l'air frais après avoir purgé une peine de 25 ans de prison.

Il est envoyé à Tulsa, en Oklahoma, par le caïd Chickie Invernizzi (Domenick Lombardozzi). Une fois sur place, Dwight constitue sa propre équipe pour prendre le contrôle du crime organisé de la ville. Andrea Savage, Garrett Hedlund, Dana Delany, Jay Will, Martin Starr, Max Casella et Vincent Piazza complètent la distribution de cette première saison constituée de dix épisodes.

En pleine promotion du programme, Sly est revenu sur sa carrière dans un long entretien accordé au Hollywood Reporter. L'acteur s'est notamment confié sur son absence dans Creed III mais aussi sur la fois où Arnold Schwarzenegger l'a piégé, provoquant sa participation à la comédie Arrête où ma mère va tirer.

Le remake de Get Carter sous-estimé ?

Sly est par ailleurs revenu sur le projet qu'il considère comme le plus sous-estimé de sa filmographie, choisissant un long-métrage quelque peu oublié sorti en 2001. À l'époque, il traverse une période compliquée, vient d'essuyer l'échec du désastreux Driven, et connaîtra par la suite un autre bide avec D-Tox : Compte à rebours mortel, thriller anecdotique qui emprunte beaucoup voire énormément à Seven. Entre ces deux films sort Get Carter de Stephen Kay, remake du cultissime La Loi du milieu de Mike Hodges, porté par Michael Caine.

Alors que l'action de l'original se situe entre Londres et Newcastle, Get Carter débute à Las Vegas, la ville du vice où Jack Carter (Sylvester Stallone) collecte les dettes non payées de prêteurs sur gages. Lorsqu'il apprend que son frère est mort, il retourne à Seattle et décide d'enquêter sur son décès, bien décidé à se venger. Il noue par ailleurs des liens avec sa nièce Doreen (Rachael Leigh Cook), qu'il ne connaît quasiment pas. Miranda Richardson, Mickey Rourke et Alan Cumming complètent le casting du long-métrage, qui bénéficie également de la présence de Michael Caine.

Sylvester Stallone n'a ni le flegme ni la classe de ce dernier dans le rôle de Jack Carter, et le film ne parvient pas à recréer l'ambiance poisseuse de son modèle. Néanmoins, la star estime que Get Carter mérite d'être réévalué, assurant à ce sujet :

Croyez-le ou non, je pense que Get Carter a vraiment été sous-estimé. Ce fut une grosse déception.

Un petit tacle à West Side Story

Le comédien et réalisateur a ensuite argué qu'il est extrêmement difficile de faire un remake, taclant au passage le West Side Story de Steven Spielberg :

J'ai durement appris que pour les remakes, même si vous faites mieux que l'original, il y a une énorme nostalgie liée à celui-ci. Et bien souvent, ils ne sont pas aussi bien. Comme le dernier West Side Story. Pourquoi vouloir se frotter à quelque chose comme ça ? Le problème ne vient pas uniquement de la qualité de l'original, mais aussi du fait que les goûts des gens changent. Les comédies musicales ne fonctionnent plus.

Si le long-métrage n'a effectivement pas rencontré le succès qu'il mérite lors de sa sortie en 2021, il vaut sans doute davantage le coup d'oeil que Get Carter.

Quentin Tarantino a choisi

Actuellement en promotion de son nouveau livre Cinema Speculation, le cinéaste Quentin Tarantino a récemment passé une tête du côté de SiriusXM, pour une conversation avec le célèbre et controversé Howard Stern. Et comme rapporté par Variety, entre les différents sujets évoqués, il s'est prononcé sur le film de sa filmographie qu'il considère être le meilleur.

A priori bientôt au terme de sa carrière de réalisateur - il déclare lui-même que son 10e long-métrage sera son dernier -, Quentin Tarantino a enfin répondu à la question toujours posée aux cinéastes, lesquels y répondent très rarement. Alors Reservoir Dogs, Pulp Fiction, Jackie Brown, Kill Bill 1 et 2, Inglourious Basterds, Boulevard de la mort, Django Unchained, Les Huit Salopards ou Once Upon a Time... in Hollywood ?

"Once Upon a Time... in Hollywood est mon meilleur film"

Les fans hardcore de sa Palme d'or Pulp Fiction peuvent rager, les défenseurs de son premier long-métrage Reservoir Dogs peuvent pleurer et les amoureux de son jouissif diptyque Kill Bill peuvent hurler, c'est bien son dernier film en date que Quentin Tarantino considère être sa meilleure réalisation.

Once Upon a Time... in Hollywood donc, son casting principal fabuleux (Brad Pitt et Leonardo DiCaprio), sa profonde mélancolie, son hommage à Sharon Tate (Margot Robbie) et sa déclaration d'amour au cinéma des années 60.

Pendant des années on m'a posé cette question... Et je répondais quelque chose comme "Oh, ce sont tous mes enfants." Mais je pense vraiment que "Once Upon a Time... in Hollywood" est mon meilleur film.

Si on s'en tient aux faits, le public comme ses pairs sont allés dans le même sens. En effet, avec 374 millions de dollars récoltés au box-office mondial, c'est son succès le plus profitable après Django Unchained (426 millions de dollars). Et c'est par ailleurs le film de Quentin Tarantino le plus nommé et le plus récompensé, avec un total de 143 récompenses pour 381 nominations.

Quentin Tarantino : dix films et puis s'en va ?

Le célèbre cinéaste américain, cinéphile reconnu au style graphique assumé, n'a jamais caché son plan de carrière. Si certains réalisateurs réussissent l'exploit de sortir un long-métrage chaque année - à l'image du prolifique Clint Eastwood, quatre-vingt-douze ans -, Tarantino, lui, se fixe des limites.

Ainsi, il a à plusieurs reprises fait part de son envie de tourner uniquement dix films avant de se diriger vers d'autres médiums. L'an passé, il campait sur ses positions au micro de Bill Maher sur la chaîne HBO. Face à l'incompréhension de son hôte, qui n'admettait pas son désir de ranger sa caméra alors qu'il était selon lui "au sommet de son art", Quentin Tarantino a explicité son choix :

Je connais l'histoire du cinéma et que, de ce stade jusqu'à la fin, les réalisateurs ne s’améliorent pas.

Le réalisateur américain semble n'avoir aucune envie de "ternir" sa filmographie en faisant le film de trop. Once Upon a Time... in Hollywood, son dernier long-métrage sorti dans les salles obscures, n'est autre que son neuvième film.

Mais alors, quid du dernier ? D'une suite tant attendue de Kill Bill à une œuvre se déroulant dans l'espace, les rumeurs vont bon train. Mais attention, sa volonté de s'éloigner du septième art ne signifie pas pour autant que vous n'entendrez plus parler de celui qui travaillait dans un vidéo-club. Bien au contraire, Tarantino vient de révéler un tout nouveau projet !

Rendez-vous sur petit écran

Selon nos confrères de Variety, c'est lors d'une interview pour la sortie de son nouveau livre, Cinema Speculation, que le cinéaste a lâché cette bombe. Pour les amateurs de lecture, sachez que cet ouvrage théorique est également disponible en France : au fil des pages, vous pourrez plonger dans l'histoire du cinéma, tout en découvrant des critiques et théories de Tarantino !

Mais revenons-en à son projet télévisé. Au micro d'Elvis Mitchell, le cinéaste confirme son retour à la télévision. Ainsi, il s'apprête à tourner une série en huit épisodes courant 2023. Evidemment, il ne s'est pas étendu sur le genre ni l'intrigue du projet. On gage que depuis la débâcle du scénario "volé" de The Hateful Eight, le réalisateur préfère rester le plus discret possible quant au contenu de ses œuvres à venir. Il faudra donc s'armer de patience, mais la perspective n'en demeure pas moins réjouissante !

Ces dernières années, de plus en plus de grands cinéastes - Jane Campion ou David Fincher pour ne citer qu'eux -, se tournent vers le petit écran. Tarantino devrait donc rejoindre le club sans tarder. Les plus fins connaisseurs de l'artiste ne doivent pas l'ignorer, mais il ne s'agira pas d'un coup d'essai. Ainsi, le réalisateur de Kill Bill a déjà œuvré, il y a plus de quinze ans, sur un programme connu dans le monde entier. Il a en effet filmé deux épisodes - et pas des moindres - de la série Les Experts. Pour l'anecdote, ces derniers s'articulaient autour de l'inquiétant Tueur aux Maquettes. Une collaboration couronnée de succès, tant du du côté de la critique que du public !

Alors, que pensez-vous de cette nouvelle ? Avez-vous hâte de découvrir le projet sériel de Quentin Tarantino ?

Margot Robbie, une star née dans Le Loup de Wall Street

Si certains ont pu la remarquer dans Il était temps (novembre 2013), c'est bien quelques semaines après la sortie du film de Richard Curtis que Margot Robbie a véritablement explosée. En effet, fin décembre 2013 sortait sur les écrans français et américains Le Loup de Wall Street de Martin Scorsese. Un film mémorable autant par le récit fou de l'ascension d'un courtier en bourse, que par le style délirant de Scorsese et les performances des interprètes.

En première ligne, Leonardo DiCaprio qui fait le show dans le rôle de Jordan Belfort. Mais à ses côtés, Margot Robbie n'est pas en reste en incarnant sa deuxième épouse. Si la jeune femme tape immédiatement dans l'œil de Jordan, la suite de leur idylle sera moins romantique qu'imaginée avec des coups de colère géniaux de la part de la comédienne. Avec ce film, une star est née, et la comparaison avec la Sharon Stone de Casino pas volée.

Par la suite, Margot Robbie a enchaîné les rôles, jusqu'à atteindre une vraie notoriété. Ces dernières années, elle est devenue le visage d'Harley Quinn dans les films de super-héros DC, et a partagé l'affiche de Once Upon a Time... in Hollywood de Quentin Tarantino aux côtés de Brad Pitt et Leonardo DiCaprio. Prochainement, on la retrouvera dans Barbie de Greta Gerwig et Babylon de Damien Chazelle.

La difficulté à gérer la célébrité

Pourtant, cette riche carrière aurait pu s'arrêter aussi vite qu'elle avait commencé pour l'actrice australienne. Âgée de 22 ans au moment tourner Le Loup de Wall Street, et 23 ans à sa sortie, Margot Robbie a révélé récemment avoir mal vécu la célébrité soudaine qui a accompagné sa performance dans le film de Scorsese. Dans un long portrait de Vanity Fair, elle explique avoir songé sérieusement à mettre un terme à sa carrière après ce film et alors que sa vie privée était désormais scrutée.

Au tout début, quelque chose s'est passé, et c'était assez horrible. Je me souviens avoir dit à ma mère : "Je ne pense pas vouloir faire ça." Alors elle m'a regardée, en étant complètement impassible, et m'a dit quelque chose comme : "Chérie, je crois que c'est trop tard pour ne pas le faire." C'est à cet instant que j'ai compris que la seule chose à faire était d'avancer.

Même si, sur la forme, il s'agissait d'un soutien un peu particulier, le conseil de sa mère semble avoir été bénéfique étant donné la suite de la carrière de sa fille. Cependant, Margot Robbie poursuit en expliquant avoir désormais accepté cette célébrité. Ou du moins, elle parvient mieux à gérer ce que cela implique et comment faire face aux paparazzi, même si les situations ne sont pas toujours évidentes :

Je sais comment passer incognito dans les aéroports, et maintenant je sais reconnaître quelqu'un qui essaie de m'entuber et comment.

D'ailleurs, toujours dans le but de protéger au mieux sa vie privée, Margot Robbie s'est retirée des réseaux sociaux.

Robert McCall, la dolce vita ?

On avait récemment vent d'un malheureux fait divers sur le tournage du troisième opus de la saga Equalizer, qui se déroule actuellement en Italie sous la direction d'Antoine Fuqua. Un mort et une conséquente saisie de cocaïne impliquant des employés italiens chargés de la restauration sur place qui ont fait quelques gros titres en Italie et aux États-Unis et attisé la curiosité à propos d'Equalizer 3.

Les nouvelles plus récentes sont plus heureuses, puisqu'on en apprend un peu plus sur le lieu où se déroulera l'intrigue, et sur une nouvelle addition au casting.

Une intrigue située entièrement dans une petite ville italienne

C'est dans une interview exclusive donnée à Page Six par Eugenio Mastrandrea, acteur italien révélé par la mini-série mélodramatique Le Goût de vivre, qu'on apprend ainsi que l'intrigue du film se déroulera entièrement sur une petite ville de la côte amalfitaine. Si l'histoire film se montre authentique quant à l'endroit où il est tourné, ce serait donc la ville de Maiori. Par ailleurs, il semblerait que Robert McCall (Denzel Washington) ait fort à faire avec la population locale.

Pas besoin de trop enquêter pour comprendre que le justicier aura très vraisemblablement en face de lui la mafia locale, à savoir la Camorra, particulièrement implantée dans toutes les strates de la société.

Des choses vraiment graves arrivent et elles impliquent tous les habitants de la ville. Et l'histoire se déroule entièrement dans cette petite ville.

Un policier incarné par une révélation de Netflix

Autre information, un policier italien animera l'intrigue d'Equalizer 3. Un personnage interprété par Eugenio Mastrandrea, qui se trouve là un rôle potentiellement très porteur pour la suite de sa carrière. Après Zoe Saldana dans Le Goût de vivre, il donnera donc la réplique à Denzel Washington. On a vu pire comme partenaires de jeu... L'acteur italien se dit d'ailleurs impressionné quant à cette collaboration. Il rejoint au casting la star du film ainsi que Dakota Fanning, Gaia Scodellaro et David Denman.

Je joue Maresciallo, le carabinier qui est le chef de la police locale de la ville où arrive Robert McCall. (...) Denzel Wahsington est Mr. Denzel Washington donc que dire... C'est génial de le voir travailler. Il y a trois jours, on tournait et j'étais hors champ mais dans son champ de vision, donc je l'avais pile en face de moi, ils filmaient un plan serré et je me suis surpris à le fixer les yeux écarquillés...

Constantine : Keanu Reeves entre la Terre et l'enfer

Après Neo et avant John Wick, Keanu Reeves incarne un autre des personnages emblématiques de sa carrière dans Constantine, adaptation des comics Hellblazer sortie en 2005. Détective souffrant d'un cancer des poumons, John Constantine se charge de renvoyer des démons en enfer. Dans le premier volet, l'anti-héros vient en aide à Katelin Dodson (Rachel Weisz), une policière qui enquête sur le suicide de sa soeur jumelle. Ce qui le mène à croiser la route de nombreuses créatures, mais aussi celle de Lucifer (Peter Stormare).

Cette aventure cinématographique n'est pas un énorme succès dans les salles obscures, puisque le film ne rapporte que 230 millions de dollars de recettes mondiales pour un budget estimé à 100 millions. Mais Warner Bros. est encore apparemment convaincu que le magicien créé par Alan Moore, John Totleben et Steve Bissette peut trouver son public, puisqu'une suite a été officialisée en septembre dernier, 17 ans après la sortie du premier volet.

Une nouvelle direction voulue par Francis Lawrence

Réalisateur de Constantine mais aussi de Je suis une légende et de Red Sparrow, Francis Lawrence sera de retour aux commandes de ce deuxième opus. En pleine promotion de La Petite Nemo et le Monde des rêves, long-métrage produit par Netflix et porté par Jason Momoa, le cinéaste s'est confié sur son principal regret à propos de son adaptation d'Hellblazer.

Interrogé par The Wrap, Francis Lawrence a déclaré :

Sur le premier film, on a suivi, sur les indications de Warner Bros., les règles pour faire un film PG-13, que ce soit en termes de violence, de sang, de langage et de sexualité. Mais l'organisme de classification nous a attribué un R injuste. Mon plus grand regret est d'avoir fait un film R-Rated qui est en réalité un film PG-13. Et si j'avais su que j'allais avoir un R, j'aurais fait un vrai film R-Rated. Je l'aurais rendu beaucoup plus effrayant et beaucoup plus violent.

Francis Lawrence espère donc pouvoir livrer un long-métrage beaucoup plus sombre que son prédécesseur avec Constantine 2. Il souhaite également que le film soit plus drôle que le premier et davantage représentatif de l'esprit "sarcastique et ironique" du personnage.

Concernant l'avancée du projet, le réalisateur a assuré que le script n'est pas encore écrit, mais que le scénariste Akiva Goldsman, Keanu Reeves et lui ont déjà des idées :

Keanu et moi nous battions depuis un moment, nous avons toujours voulu faire cette suite. (...) Désormais, nous pouvons aller de l'avant et nous y consacrer. Il ne nous reste plus qu'à nous retrousser les manches. Mais nous avons beaucoup d'idées.

Harry Potter, du nouveau à l'horizon ?

Les franchises cinématographiques ont la cote, et chez Warner, Universal ou encore Disney, elles sont donc la priorité du moment. Que ce soit des suites, des reboots, des remakes ou des spin-off, créer en terrain bien connu est la recette facile pour espérer engranger un maximum de recettes tout en limitant les coûts. Du côté des studios Warner, certaines franchises se portent bien et d'autres beaucoup moins. Si par exemple l'univers super-héroïque DC affiche de belles couleurs, ce n'est pas le cas de la saga Matrix, dont le dernier opus a trop échoué pour concevoir que l'univers créé par les Wachowski puisse avoir un avenir à court terme.

Entre ces deux situations opposées, le "Wizarding World", univers bâti depuis la saga Harry Potter navigue dans des eaux inconnues. D'un côté, la saga Les Animaux fantastiques est au plus mal, après un troisième film aux résultats décevants et des problèmes de casting récurrents, concernant auparavant Johnny Depp et maintenant Ezra Miller... Mais de l'autre, l'univers Harry Potter garde une très forte réputation et un potentiel intact. C'est pourquoi, dans une déclaration lors du compte-rendu trimestriel aux actionnaires, le CEO de Warner Discovery a fait été d'un fort intérêt à une poursuite de leur fructueuse collaboration avec J. K. Rowling. En d'autres termes, on n'en a pas fini avec la plus célèbre histoire de sorcellerie de la fiction contemporaine.

Ralph Fiennes prêt à reprendre son rôle

À l'heure actuelle, aucun projet du "Wizarding World" n'est en développement. Une longue pause est en effet en cours, le temps de se démêler de polémiques dommageables et aussi de retrouver une meilleure inspiration que celle à l'oeuvre sur les derniers films Les Animaux fantastiques. Et comme c'est dans les vieux chaudrons qu'on fait les meilleures potions, pourquoi ne pas se rapprocher plus de l'oeuvre originale Harry Potter ? C'est en ce sens que la question du retour de Voldemort a été posée par Variety à son interprète Ralph Fiennes. Celui-ci a répondu sans hésiter :

Bien sûr, évidemment. La question ne se pose même pas.

Celui-dont-on-ne-doit-pas-prononcer-le-nom est un antagoniste emblématique de l'histoire du cinéma et une figure très centrale de la création de l'écrivaine britannique. Impossible d'envisager une nouvelle création Harry Potter sans Voldemort, même si celui-ci est définitivement hors-jeu à la fin de Harry Potter et Les Reliques de la Mort - Partie 2. Mais ça ne devrait pas trop poser de problème si un nouveau projet devait prendre la suite de cette histoire. En effet, rien n'est impossible dans ce monde magique...

La Maison : un drame "clivant"

Adaptation de l'ouvrage éponyme d'Emma Becker dans lequel l'écrivaine raconte sa propre expérience, La Maison débute sur la voix off de l'héroïne incarnée par Ana Girardot. S'adressant directement au spectateur, elle annonce avoir eu "une certaine quantité d'idées à la con" dans la vie. Celle qu'elle est sur le point de raconter en fait-elle partie ? Une question à laquelle la réalisatrice Anissa Bonnefont va répondre dans un film qu'elle décrit comme "clivant" et qu'elle ne voulait pas tiède. Et en cela, le long-métrage est une réussite.

Installée à Berlin avec sa petite soeur Madeleine (Gina Jimenez), Emma propose un soir à un ami de rentrer dans une maison close mais ils prennent la fuite au dernier moment. Intriguée, attirée et fascinée par ce milieu sur lequel elle a envie d'écrire, elle décide par la suite de l'intégrer. Emma devient alors Justine. Après une rencontre effrayante avec un client, elle rejoint un autre bordel où l'ambiance est nettement plus chaleureuse. Elle prend goût à son métier, fait des rencontres marquantes et noue des liens d'amitié avec ses collègues, qui ne savent pas qu'elle prépare un projet littéraire.

En montrant de manière ultra stylisée les relations avec les clients qui permettent à l'héroïne de se découvrir et de faire évoluer son rapport au corps, le film tombe dans une certaine redondance. Certains pourront ainsi arguer que les scènes de passe sont répétitives, ce qui est vrai, et qu'elles sont gratuites, ce qui ne l'est pas. Que le spectateur adhère ou non à la proposition, La Maison embrasse le propos d'Emma Becker et l'évolution de son regard vis-à-vis des travailleuses du sexe, qui gagne en tendresse mais aussi en complaisance. Cela passe notamment par l'esthétisation parfois outrancière des séquences.

Des portraits touchants

Permettant d'approfondir le personnage d'Emma, les scènes de sexe sont également révélatrices de la personnalité des autres prostituées, à commencer par celle de Delilah (Aure Atika). Contrairement à l'héroïne, cette dernière n'a eu d'autre choix que d'aller vers ce métier et son départ précipité de la maison close à la suite d'une expérience traumatisante en dit long sur les souffrances qu'elle a endurées. Le long-métrage présente par ailleurs des clients diamétralement opposés, du timide Philippe Rebbot en quête de découverte et de conseils à d'autres nettement plus violents, ou clamant ouvertement leurs déviances incestueuses et pédophiles.

Les séquences les plus réussies de La Maison sont celles où les prostituées se réunissent et dévoilent leur complicité. Des instants chaleureux où celles qui sont en retrait peuvent véritablement exister, à l'image de Brigida (Rossy de Palma) et Dorothée (Carole Weyers). Le film développe aussi une romance entre Emma et Ian (Lucas Englander), jeune propriétaire d'un bar qui n'a d'abord aucun mal à accepter le métier de sa petite amie, avant que la situation ne devienne extrêmement pesante pour lui.

Enfin, l'aspect le plus intéressant du long-métrage est le point de rupture d'Emma, c'est-à-dire le moment où elle met de côté l'écriture pour être pleinement Justine, où les longs couloirs et les chambres de la maison close deviennent le principal lieu de vie du personnage. Anissa Bonnefont réussit parfaitement à rendre compte de la fascination de son héroïne pour cet univers, aidée évidemment par l'interprétation d'Ana Girardot.

Une fascination trop appuyée dans le monologue final, mais avec lequel la réalisatrice va au bout de sa démarche, à travers un discours sur la beauté de ces corps désirés et sexualisés. Des propos qui risquent là encore de provoquer des réactions frileuses. Ils sont cependant en cohérence totale avec le reste du film.

La Maison d'Anissa Bonnefont, en salles le 16 novembre 2022. Ci-dessus la bande-annonce. Retrouvez ici toutes nos bandes-annonces.

Magic Mike, une trilogie inattendue

Même si sa carrière était déjà bien entamée en 2012, Channing Tatum a eu droit à un sacré coup de projecteur avec Magic Mike. Un film dirigé par un auteur important du cinéma américain, Steven Soderbergh, et qui s'inspire de l'expérience de stripteaseur de l'acteur. En effet, bien avant de percer à Hollywood, Tatum faisait partie d'une troupe de chippendales appelée Male Ecounter. Cette information en tête, le film avait de quoi intriguer. Et le résultat est à la hauteur des espérances. Soderbergh donnant une autre image de cet univers et mettant en avant la danse.

Pour rappel, on y suit Michael Lane (Channing Tatum), stripteaseur dans un club en Floride et surnommé "Magic Mike". Sa vie va être chamboulée lorsqu'il prend sous son aile le jeune Adam et qu'il rencontre la sœur de ce dernier, Brooke. Réalisé pour 5 millions de dollars, le film a rapporté près de 168 millions de dollars au box-office mondial. De quoi motiver Warner Bros. à produire une suite, Magic Mike XXL (2015), uniquement produite par Steven Soderbergh et avec Channing Tatum reprenant son rôle. Étaient également de retour Matt Bomer et Joe Manganiello, mais pas de Matthew McConaughey. L'équipe va encore plus se réduire avec le troisième film titré Magic Mike's Last Dance.

Direction Londres pour une dernière dance

Dans ce Magic Mike 3, dont la bande-annonce a été dévoilée (en une d'article), Michael va faire la rencontre d'une femme interprétée par Salma Hayek et lui dévoiler son passé de streapteaser. Après une danse très sexy avec cette dernière, le duo va se rendre à Londres pour monter un show musical.

C'est donc toujours plus la danse qui sera au centre de ce film, mais également la romance entre les deux protagonistes. Magic Mike's Last Dance a des airs de comédie musicale ce qui rend le projet d'autant plus intrigant. Enfin, Warner Bros. semble vouloir vendre le film comme la romance parfaite pour la Saint Valentin puisqu'il sortira le 10 février prochain aux Etats-Unis. En France, le film n'a pas encore de date.

The Wonder : miracle ou supercherie ?

Après Une femme fantastique, Désobéissance et Gloria Bell, le réalisateur Sebastián Lelio est de retour avec The Wonder. Un drame adapté du roman éponyme d'Emma Donoghue qui, dès son étrange ouverture dans un studio de cinéma, interpelle le spectateur sur la puissance des récits et de la foi, et lui demande de croire en l'histoire qu'il est sur le point de raconter. Situé en 1862 en Irlande, une dizaine d'années après la grande famine, le film débute avec l'arrivée de l'infirmière Lib Wright (Florence Pugh) dans un petit village.

Les habitants se réjouissent du fait qu'une petite fille prénommée Anna (Kíla Lord Cassidy) parvienne à survivre sans manger depuis plusieurs mois. Un comité improvisé composé notamment d'un religieux et d'un médecin demande à l'héroïne ainsi qu'à une nonne de faire un rapport. La plupart de ses membres sont convaincus, ou du moins n'ont aucun mal à se persuader, qu'il s'agit d'un miracle et que la fillette est une élue de Dieu.

Lib fait tout pour les raisonner et met en garde la famille d'Anna sur le danger de mort que court l'enfant, qui s'affaiblit de jour en jour. The Wonder interroge donc sur les limites de la croyance et sur l'enfermement dogmatique. Au fil du film, l'enquête devient ainsi moins importante que le rapport que les gens du village ont à la petite fille, n'hésitant pas à la laisser périr pour se raccrocher à l'illusion qu'ils assistent à un événement sacré.

Un nouveau grand rôle pour Florence Pugh

Tom Burke, Niamh Algar, David Wilmot, Ruth Bradley, Toby Jones et Ciarán Hinds complètent la distribution du long-métrage. Mais The Wonder mise avant tout sur la présence de Florence Pugh. Après The Young Lady, Midsommar et le récent Don't Worry Darling, la comédienne trouve un nouveau rôle complexe avec ce personnage isolé au sein d'une communauté qui refuse de l'écouter.

Lorsque les fantômes et les douleurs de son passé se heurtent à son envie de sauver une enfant uniquement vue comme un objet de culte, le récit prend une tournure touchante. Un suspense se met alors en place et jusqu'au bout, le spectateur se demande si le pouvoir de l'action pourra dépasser celui des convictions. Interrogée par IndieWire, Florence Pugh explique que la difficulté était de montrer le décalage entre Lib et la communauté qu'elle intègre, sans pour autant afficher ouvertement son mépris pour les conventions religieuses. Elle ajoute :

Lib est un personnage incroyablement réaliste et ouvert d'esprit. (...) Il était difficile de trouver cet équilibre. Son instinct de rejet devait être discret, ce qui était délicat pour moi.

The Wonder est à découvrir sur Netflix dès le 16 novembre 2022.

Stranger Things : la fin est proche

Diffusée sur Netflix entre mai et juillet derniers, la saison 4 de Stranger Things a déchaîné les passions. Il faut dire que ces nouveaux épisodes étaient très attendus, après avoir été repoussés en raison de la crise sanitaire. Nos jeunes héros découvraient avec effroi l'existence de Vecna, l'antagoniste le plus puissant qu'ils aient eu à affronter jusqu'à présent.

Au terme de neuf épisodes haletants et de sacrifices cruels (Eddie, si tu nous regardes...), Eleven et ses amis pensaient en avoir terminé avec Vecna. Mais ce dernier était finalement parvenu à mettre son plan à exécution et à créer une collision entre le Monde à l'envers et Hawkins. La séquence finale dévoilait alors la ville envahit par cette dimension sombre et Will sentait que Vecna était toujours vivant. De quoi augurer une saison 5 riche en émotions, d'autant qu'il s'agira de la dernière.

Premières indiscrétions sur la saison 5

La saison 5 est actuellement en cours d'écriture, et le tournage devrait débuter en 2023 pour une sortie des épisodes en 2024 (même si aucune date précise n'a encore été dévoilée). Pour plus de crédibilité vis à vis du changement physique des comédiens qui grandissent, un bond dans le futur est possible. La saison 5 pourrait donc se dérouler plusieurs années après la fin de la saison 4.

Pour nous faire patienter, on peut compter sur les frères Duffer, les créateurs de la série pour dévoiler des premiers indices sur cette saison finale très attendue. Ainsi, lors du dernier Stranger Things Day le 6 novembre, ils ont dévoilé le titre du premier épisode qui s'intitule donc The Crawl.

Ce dimanche 13 novembre, lors d'un panel de discussion organisé par Netflix (via Variety), Matt et Ross Duffer sont allés un peu plus loin, et ont révélé leurs intentions pour cette saison 5. Et elle devrait être un best-of de toutes les précédentes :

On voit la 5 comme le point culminant de toutes les saisons. Donc elle prendra un peu le meilleur de chacune. À la base, chaque saison a sa propre particularité (...) la saison 3 c'est le blockbuster estival avec des gros monstres, la 4 c'était celle de l'horreur psychologique. Nous essayons de revenir au ton du début là, celui de la saison 1. Mais les derniers épisodes seront dans l'esprit de la 4, en terme d'ambition (...)

Des drames attendus

Lors de cette discussion de 45 minutes, les frères Duffer ont également dévoilé que, lors de leur réunion de présentation de la saison 5 de Stranger Things à Netflix, des larmes avaient coulé du côté de la production. On peut donc s'attendre à devoir dire adieu à certains de nos personnages préférés. Les créateurs ont conclu en confiant que le plus important pour eux restait le traitement des arcs narratifs des personnages, et que personne ne serait laissé de côté :

La dimension surnaturelle est aussi importante que les personnages. Et nous en avons beaucoup qui sont encore en vie. Il est important pour nous de conclure leurs arcs, car pour la plupart, on suit leur évolution depuis la saison 1. C'est un équilibre à trouver, il faut à la fois conclure leurs histoires, et dévoiler les derniers secrets de la série.

Rendez-vous en 2024 pour découvrir le dénouement tant attendu de Stranger Things !

Isabelle Adjani est Diane de Poitiers

Diffusée en deux parties sur France 2, la mini-série Diane de Poitiers, la presque reine met en scène Isabelle Adjani dans la peau de la favorite du roi Henri II. Mise en scène par Josée Dayan, elle relate l'histoire de cette femme d'exception, qui régna dans l'ombre armée de sa beauté légendaire et de sa redoutable intelligence.

Au casting, on peut également retrouver Hugo Becker, Gérard Depardieu, JoeyStarr, Virginie Ledoyen, Jeanne Balibar ou encore Guillaume Gallienne.

Malgré d'importants moyens déployés et un casting de luxe, la mini-série a eu du mal à séduire les téléspectateurs. En effet, après la diffusion du premier épisode, les critiques ont fusé sur les réseaux sociaux. L'audience a été en outre nettement moins bonne pour la diffusion de la deuxième partie (921 000 spectateurs en moins).

Isabelle Adjani a-t-elle été retouchée numériquement ?

Parmi les critiques visant le programme, beaucoup ont ciblé le physique d'Isabelle Adjani et particulièrement son visage, étonnement lisse pour son âge (67 ans). De quoi éveiller les soupçons quant à une éventuelle retouche numérique en post-production.

Dans une interview donnée à nos confrères du Parisien, l'actrice qui interprète Diane de Poitiers a tenu à répondre à ce détail. Elle confiait ainsi :

Non, il n’y a eu aucune retouche numérique sur cette série. L’image est uniquement due à la bonne lumière, aux bonnes focales... Et puis, je travaille avec la même maquilleuse, Laurence Azouvy, depuis très longtemps : elle était assistante sur « l’Été meurtrier » (1983). Sa préparatrice fabrique un fond de teint bio complètement extraordinaire, qui renvoie la lumière. La légende de Diane de Poitiers est celle d’une femme qui ne vieillit pas : on était pile dans le sujet !

Si elle avoue ne pas avoir été retouchée pour la série de France 2, Isabelle Adjani a néanmoins précisé que ça avait été le cas sur d'autres films :

Oui, bien sûr, comme toutes les actrices françaises célèbres, et ce n'est pas une question d'âge. Qui n'a pas envie d'être au mieux ? On a toutes un meilleur profil (...)

Skyfall, le grand succès de l'ère Craig

En 2012, Sam Mendes présente Skyfall, son premier film 007. Tout le monde y trouve son compte avec ce 23e film officiel de la célèbre franchise. Les spectateurs sont extatiques et se rendent en très grand nombre dans les salles. Ce qui fait évidemment les affaires de la MGM et de la société EON Production puisque le film rapporte plus d'1,1 milliard de dollars au box-office mondial, avec plus de 7 millions de spectateurs dans les salles françaises.

La thématique familiale, les performances de Daniel Craig et de Javier Bardem, la photographie de Roger Deakins, la chanson originale d'Adèle... Les planètes se sont en effet alignées pour Skyfall, qui reçoit plusieurs récompenses dont deux BAFTA et deux Oscars en 2013. Il va sans dire que c'est le plus grand succès de son réalisateur britannique Sam Mendes, qui réussit en prime avec ce film James Bond à sortir la franchise d'une mauvaise passe après la déception Quantum of Solace.

Tous les voyants sont donc au vert et Sam Mendes est confirmé en juillet 2013 à la réalisation du 007 suivant : Spectre. Mais de l'avis général, Spectre ne réédite pas la performance de Skyfall. Si le film remplit sa mission au box-office mondial avec 880 millions de dollars de recettes, les critiques sont mitigées. Et ce n'est pas Sam Mendes qui va aller contre cet avis, venant lui-même de donner un avis plutôt négatif sur son deuxième et dernier film James Bond.

Sam Mendes : "Avec Spectre, j'ai senti qu'il y avait une pression"

Dans une interview récemment donnée à The Hollywood Reporter, le réalisateur de 1917 est revenu sur ses deux films James Bond. S'il ne dit pas que Spectre est, en soi, mauvais, il reconnaît cependant avec lucidité que celui-ci n'est pas du tout à la hauteur de Skyfall. Selon lui, l'emballement suscité par le succès de Skyfall a créé une pression qui n'a pas servi à la production du film de 2015.

Ces films sont très difficiles à écrire. Pendant les 10 mois d'interruption (pour "Skyfall"), c'est là que le scénario s'est vraiment développé, parce qu'on avait le temps d'explorer des choses inédites, comme l'association Bond - Silva. Et je n'ai pas eu ce temps pour "Spectre". Et on peut voir la différence entre les deux scénarios. Avec "Spectre", j'ai senti qu'il y avait une pression. Il est certain que Barbara et Michael (les producteurs du film) ont exercé une pression sur Daniel et moi pour le faire, et ça fait une différence. Le fait que tous me disaient "On veut que tu le fasses", et me courtisaient ardemment pour ça, c'était quelque chose.

Le temps, voici l'élément qui a donc manqué à Sam Mendes pour réaliser au mieux Spectre. Celui-ci s'était montré d'abord hésitant après Skyfall. En effet, il avait alors des engagements au théâtre et ne souhaitait pas se remettre tout de suite à un nouveau James Bond. Alors que de leur côté, les producteurs voulaient aller le plus vite possible pour profiter du momentum créé par Skyfall. Finalement, les deux parties s'accordent et le tournage de Spectre est repoussé à fin 2014 pour que le réalisateur puisse honorer ses engagements. Mais ce temps "perdu" ne sera pas rattrapé...

Skyfall, l'interruption qui a tout changé

Cette pression négative ressentie sur Spectre trouve en réalité sa source dans une configuration inverse. En effet, fin 2009 et début 2010, la MGM connaît de graves difficultés financières. Sam Mendes est choisi en janvier 2010 pour réaliser le 23e James Bond, mais la pré-production de Skyfall s'arrête, pour ne reprendre qu'en décembre 2010, une fois la MGM re-financée. Il s'agit des 10 mois d'interruption auxquels fait référence Sam Mendes, et le temps alors disponible pour travailler à la meilleure histoire possible.

Comme Sam Mendes le détaille dans l'interview donnée au THR, c'est dans cette période que lui et les scénaristes Neal Purvis, Robert Wade et John Logan ont notamment l'idée de faire mourir M (Judi Dench). Une idée finalement révolutionnaire, puisque c'est l'irruption de la mortalité dans le clan Bond.

Ça a matérialisé le passage du temps, pour la première fois, dans la saga. Ça a créé cette réalité que les personnages sont mortels, qu'ils vont vieillir et probablement mourir.

C'est en effet la première fois qu'une figure principale de la franchise 007 meurt. Et dans le cinéma de Sam Mendes, où la filiation et la famille sont des thématiques très fortes, ce n'est pas anecdotique, et c'est même un élément central dans l'histoire de Skyfall. Ce temps de latence imposé par les difficultés financières de la MGM a donc permis aux auteurs d'aller très loin, et de donner son identité à l'ère Craig tout en redéfinissant la franchise, jusqu'à l'événement ultime de Mourir peut attendre.

Un temps qui a donc permis l'élaboration d'un scénario renversant pour Skyfall, ce dont n'a pas bénéficié Spectre. Ce pourquoi, sans doute, entre Skyfall et Mourir peut attendre, il fait bien pâle figure...

Pirates des Caraïbes peine à se relancer

La saga Pirates des Caraïbes aura été très lucrative pour Disney. Dès 2003, avec Pirates des Caraïbes : La Malédiction du Black Pearl de Gore Verbinski, le studio engrange plus de 650 millions de dollars à travers le monde. C'est le début d'une grande aventure portée par Orlando Blum, Keira Knightley et surtout Johnny Depp dans la peau du capitaine Jack Sparrow. Suivront ensuite Le Secret du coffre maudit (2006), Jusqu'au bout du monde (2007), La Fontaine de Jouvence (2011) et La Vengeance de Salazar (2017), pour un total de plus de 4,5 milliards de dollars de recettes dans le monde.

Seulement, depuis 2017, la franchise semble être à l'arrêt. Suite aux problèmes judicaires de Johnny Depp avec son ancienne compagne Amber Heard, Disney a coupé les ponts avec l'acteur. Ce qui n'a pas particulièrement plu, ni au comédien, ni à ses fans. Mais le studio tente donc de relancer la saga avec de nouveaux visages.

Il y a deux ans, deux films étaient annoncés, dont l'un écrit par Craig Mazin et Ted Elliott, et l'autre porté par Margot Robbie. Ce second projet était même encore confirmé par le producteur Jerry Bruckheimer jusqu'en mai dernier. Malheureusement, l'actrice elle-même vient d'affirmer que ce film n'allait finalement pas se faire.

Le projet avec Margot Robbie est mort

Margot Robbie a fait l'objet d'un long portrait pour VanityFair. Même si l'article est centré principalement sur la sortie à venir de Babylon de Damien Chazelle, les projets à venir de la comédienne sont également évoqués à la fin du papier. C'est là que Margot Robbie lâche la bombe.

On avait une idée que nous développions depuis un certain temps, et qui était d'avoir une histoire différente, en partie portée par une femme. On pensait que cela pouvait être vraiment cool, mais je suppose que ce n'est pas ce qu'ils (Disney) veulent faire.

D'après celle qui incarnera prochainement Barbie à l'écran, ce spin-off de Pirates des Caraïbes serait donc mort. Le scénario aurait été refusé et il semblerait que l'aventure pour Margot Robbie s'arrête avant même d'avoir commencé.

Mais pas de panique pour les fans de l'actrice. Actuellement à l'affiche d'Amsterdam, elle sera dans Babylon dès le 18 janvier dans les salles françaises, puis dans Barbie le 19 juillet, et elle a rejoint la pré-production d'un préquel d'Ocean's Eleven. Pour les adeptes de Pirates des Caraïbes par contre, l'avenir de la franchise continue de rester flou.

L'increvable John Wick bientôt de retour

Il faut noter ce phénomène paradoxal et amusant : on attend le retour de l'assassin le plus meurtrier du cinéma comme le messie. Phénomène qui se nourrit aussi de ce fait : l'interprète de cet assassin, le génial John Wick, n'est autre que Keanu Reeves aka la star la plus cool et sympathique au monde. Eh oui, chers toutes et tous, on peut maintenant commencer à sérieusement trépigner d'impatience, parce que le 22 mars 2023, le quatrième film de la saga John Wick déboulera dans nos cinémas, et la bande-annonce de ce John Wick 4 (vidéo ci-dessus) promet une nouvelle orgie de combats, fusillades, et le kill count monstrueux qui va avec.

Et dire que tout ça est arrivé à cause d'un petit chien...

Avant le chaos, John Wick était presque un simple retraité, malheureusement veuf. De sa bien-aimée décédée d'une cruelle et subite maladie lui restaient de tendres et déchirants souvenirs, et un adorable chiot qu'elle lui avait offert de manière posthume. Il aura fallu qu'un imbécile de la pègre russe new-yorkaise tue le chien et vole la voiture de John Wick pour que celui-ci ressorte les flingues et s'en prenne à tous ceux qui se mettraient sur le spectaculaire chemin de sa vengeance. Après donc trois premiers opus qui s'enchaînent directement, John Wick 4 met en scène la guerre promise par John Wick : Parabellum.

Comme John Wick : Parabellum le montrait, les aventures de John Wick l'emmènent maintenant tout autour du monde, et pour ce quatrième opus le continent asiatique sera notamment un de ses champs de bataille. Une ouverture à ce monde aussi illustrée par la présence de Donnie Yen au casting de John Wick 4, un des acteurs maîtres du cinéma d'arts martiaux, ce qui annonce des affrontements épiques. Il y aura aussi un passage par Paris, place de l'Étoile et aussi à Montmartre, comme l'annonçait le tournage repéré en 2021.

On retrouvera au casting des acteurs piliers de la saga comme Lance Reddick, Laurence Fishburne et Ian McShane. Du côté des nouveaux venus, la présence notamment de Hiroyuki Sanada et Scott Adkins est une autre garantie que le spectacle sera au rendez-vous. Et dans la peau d'un énigmatique antagoniste, le marquis de Gramont, Bill Skarsgård a très fière allure. C'est très peu dire qu'on a hâte !

Retour gagnant pour Guillaume Pierret

Avec Balle perdue 2, Guillaume Pierret fait coup double, livrant une performance cinématographique jouissive et salutaire. Jouissive, parce que cette suite directe de Balle Perdue monte de plusieurs crans l'action, que ce soit dans ses bastons comme dans ses courses-poursuites, pour atteindre un niveau inédit dans le cinéma hexagonal. Salutaire, parce qu'il envoie une magnifique balayette aux esprits chagrins qui voudraient que le cinéma français aille mal. À ce sujet, peu importe que ce soit en salles ou sur Netflix qu'on puisse en avoir la preuve : le cinéma français, et en l'occurence le cinéma d'action français, va très, très bien.

Intrigue complexe pour action décomplexée

Lino (Alban Lenoir) va mal. Déprimé, obsédé par retrouver Areski (Nicolas Duvauchelle) et Marco (Sébastien Lalanne), les ripoux de Balle Perdue qui ont tué Charasse et son frère, il surveille le domicile d'Areski, guettant un événement qui le mettra sur une piste. L'occasion pour Guillaume Pierret et Alban Lenoir d'offrir une première séquence de combat très réussie, où les coups font mal comme ils font aussi rire de bon coeur. Un style s'affirme entièrement, et la promesse est belle.

Cette même séquence va provoquer l'intervention de Julia (Stéfi Celma), qui fait comprendre à Lino que son seul moyen d'arriver à ses fins est de réintégrer la police et la brigade des stups. Julia sait comment le convaincre, et lui laisse alors les clés du garage de leurs véhicules d'interception de go fast. Garage dans lequel Lino va retrouver la fameuse Renault 21 de son mentor Charasse, et lui refaire une beauté.

L'intrigue de Balle Perdue 2 est complexe, et le film prend le temps d'exposer ses enjeux. Lino veut retrouver Marco, mais il n'est pas le seul. En effet, Marco et Areski ne formaient que la partie visible d'une organisation plus importante. Et leurs "supérieurs", désireux de couvrir leurs traces, les recherchent aussi. Ces nouveaux ripoux sont plus forts, plus dangereux, et sont surtout dans le viseur de Julia et de Moss (Pascale Arbillot), la cheffe de la brigade. Pour les faire tomber, elles ont leur plan, mais n'ont pas tout dit à Lino au sujet de Marco...

De l'excellent cinéma de genre

Passée la première demi-heure, Balle Perdue 2 rentre dans le vif du sujet et n'en sortira plus. Lancé à 200km/h à la poursuite d'antagonistes, quand il n'en fuit pas d'autres, Alban Lenoir fait des merveilles au volant de sa Renault 21 comme avec ses poings. Difficile de trouver dans le cinéma français une telle ambition dans la chorégraphie de combats et dans la conception de cascades automobiles. Avec Emmanuel Lanzi pour les combats et David Julienne pour les cascades sur route, Guillaume Pierret fait littéralement tout péter avec un plaisir enfantin et une joie communicative.

On parle beaucoup et trop de Fast and Furious pour présenter la saga, mais ce Balle Perdue 2 se nourrit bien d'un autre cinéma. On peut trouver du Terminator dans le nouvel antagoniste au peu de mots et à l'allure robotique, il y a du The Raid dans la longueur accordée aux séquences de combats, des séquences à la lisibilité parfaite, avec du mouvement, une profusion d'angles différents. Il y a peut-être du John Wick dans la détermination et les blessures de Lino. De l'Indiana Jones aussi, dans cette manière de glisser toujours une pointe d'humour dans l'action.

La tôle se froisse vraiment, les explosions sont réelles, et les combattants n'y vont pas de main morte. Actioner ultra-spectaculaire, Balle Perdue 2 ne fait strictement aucune concession au moment d'envoyer son action. Rageur comme le poing de Lino qui s'abat sur le bouton de son étonnant système d'harpon-taser pour propulser les voitures ennemies dans les airs, le cinéma de Guillaume Pierret est ainsi une démonstration exemplaire du genre de l'action à son meilleur.

Un troisième film pour terminer le travail

S'il y a un défaut à Balle Perdue 2, c'est que cette action totale prend logiquement le pas sur un scénario dont la complexité peut alors apparaître superflue et rendre les interactions entre les personnages parfois confuses. Balle Perdue 2 élargit très sensiblement son casting, se déroule dans le sud français et aussi en Espagne, transforme la vendetta de Lino en mise au jour d'une organisation criminelle mystérieuse, intensifie et complexifie la relation entre Julia et Lino, multiplie les enjeux et les antagonismes... C'est beaucoup, et sans doute trop pour parvenir à conférer aux séquences de dialogues de Balle Perdue 2 la même puissance de cinéma délivrée par son action.

Mais cette faiblesse, malgré l'application du casting et la belle ambition de l'écriture, n'apparaît qu'au vu de la grande qualité principale de Balle Perdue 2. Elle constitue en somme le petit "déchet" de fonctionnement inévitable d'une machine par ailleurs parfaitement rodée et qui fonce à pleine balle. Et à ce stade de la saga Balle perdue, puisqu'un troisième film est déjà en développement, ce bémol peut finalement être imputé au caractère de transition de cette histoire, vers le prochain film qu'on pressent sincèrement formidable.

Balle perdue 2 de Guillaume Pierret, disponible sur Netflix le 10 novembre 2022. Ci-dessus la bande-annonce. Retrouvez ici toutes nos bandes-annonces.

Daniel Craig : de James Bond à Benoit Blanc

Daniel Craig aura été pendant de longues années le visage de James Bond. À partir de 2006, avec Casino Royale, jusqu'en 2021, avec Mourir peut attendre. Entre les deux, trois autres films avec le comédien ont été proposés aux fans de 007 : Quantum of Solace (2008), Skyfall (2012) et 007 Spectre (2015). Avec ces cinq longs-métrages bourrés d'action et de retournements de situation, Craig a donc livré une performance mémorable, proposant un James Bond plus complexe et fragile émotionnellement que ses prédécesseurs.

À côté, Daniel Craig s'est trouvé un autre rôle pour une saga. Celui de Benoit Blanc, le détective privé d'À couteaux tirés (2019). Suite au succès du film, Netflix a récupéré la licence et s'apprête à proposer cette fois Glass Onion dans lequel Benoit Blanc devra résoudre une nouvelle affaire de meurtre. L'occasion pour Daniel Craig de reprendre son rôle, mais également de croiser à nouveau la route de Dave Bautista. Celui-là même qu'il affronta, entre autres, dans un train, pour une des meilleures séquences de Spectre.

Spectre, le film de la déprime ?

Durant la promotion de Glass Onion, Dave Bautista s'est justement confié sur ses retrouvailles avec Daniel Craig. Dans une interview d'EW, il s'est attardé sur son ressenti durant le tournage du James Bond. Et, d'après lui, Daniel Craig n'aurait pas semblé très heureux pour filmer sa quatrième aventure dans la peau de 007, notamment à cause d'une pression importante sur ses épaules.

Il a vraiment été mis à l'épreuve sur le James Bond. On pouvait sentir qu'il subissait beaucoup de pression. Il ne semblait pas être la personne la plus heureuse...

L'ancien catcheur poursuit en précisant que, sur le tournage de Glass Onion, c'était "tout l'opposé".

Il était tellement amusant, et il était toujours souriant et heureux et interagissait beaucoup plus. Sur Spectre, il n'y avait pas beaucoup d'interaction avec l'ensemble du casting. Mais Glass Onion était tout le contraire. Nous étions toujours ensemble. J'ai donc appris à mieux le connaître.

Cette pression qu'évoque Dave Bautista est peut-être la raison pour laquelle le retour de Daniel Craig pour un cinquième James Bond n'a pas été confirmé tout de suite. Il aura fallu attendre deux ans après la sortie de Spectre pour que l'acteur fasse cette annonce. Et quatre ans (en partie à cause du Covid) pour que sorte Mourir peut attendre.

Avec Glass Onion, disponible le 23 décembre sur Netflix, le tournage semble en tout cas s'être déroulé dans les meilleures conditions pour Craig. D'ailleurs, un troisième film est déjà prévu.

John Wick, un univers en expansion

C'est une nouvelle pièce prévue à l'univers étendu de John Wick, et celle-ci pourrait bien en être une pièce très majeure. Après les trois premiers films John Wick, qui ont établi une solide franchise et fédéré des millions de fans à travers le monde, le quatrième opus sur l'ex-assassin - ayant évidemment violemment repris du service - incarné par Keanu Reeves est prévu dans nos salles le 22 mars 2023. Également attendue l'année prochaine, sur Prime Video, la série The Continental, divisée en trois épisodes de 90mn chacun.

Mais la plus grosse attente est sans doute celle concernant Ballerina, le spin-off avec Ana de Armas dans le rôle-titre. Un premier long-métrage centré sur un autre personnage que celui de John Wick. Il s'agira en effet de l'histoire la danseuse qui apparaît très brièvement dans John Wick : Parabellum, incarnée dans ce film par Unity Phelan.

Et comme d'abord annoncé par Variety, la superstar Keanu Reeves est sur le point de conclure les négociations pour apparaître dans Ballerina. Si on le savait déjà à la production de ce spin-off, il est donc maintenant quasi assuré qu'il soit aussi à son casting. Ballerina sera réalisé par Len Wiseman et écrit Shay Hatten.

Keanu Reeves et Ana de Armas, duo de rêve

L'acteur et l'actrice cubano-espagnole, au sommet après ses performances récentes dans Mourir peut attendre et Blonde, se retrouveront ainsi une troisième fois, après Knock Knock en 2015 et Suspicions en 2016. L'actrice avait entamé des négociations pour incarner le rôle principal de Ballerina en octobre 2021, à la suite d'une première tendance plaçant Chloë Grace Moretz dans le rôle. Depuis, Ana de Armas a changé de dimension et est devenue une des actrices les plus demandées d'Hollywood.

On ne peut pas actuellement imaginer une association plus prometteuse et glamour que celle réunissant donc Keanu Reeves et Ana de Armas. Même si Ballerina devrait laisser toute la place à de l'action décomplexée comme la franchise John Wick en a le secret, et si peu à la romance. Pour le moment, l'apparition de John Wick dans ce spin-off reste un mystère. Seulement un clin d'oeil ? Un rôle très secondaire ou alors suffisamment développé ? Sera-t-il l'allié ou l'ennemi de la danseuse ? Il faudra attendre de découvrir Ballerina pour le savoir, et avec le tournage qui vient de débuter à Prague, on peut espérer au mieux une sortie fin 2023, si ce n'est pas 2024... L'impatience est réelle.

Avatar 2 : la voie de l'eau arrive le 14 décembre

Enfin ! Après treize ans d'attente et un grand nombre de reports, la suite d'Avatar arrivera dans les salles le 14 décembre prochain. Toujours réalisée par James Cameron, elle se déroule environ dix ans après les événements du premier film. Jake et Neytiri vivent toujours en harmonie avec la nature sur la planète Pandora, et ont eu des enfants (biologiques et adoptifs). Mais une nouvelle menace de la RDA les oblige à quitter leur paradis paisible.

Ils trouvent alors refuge sur les récifs de la planète, et découvrent un tout nouveau monde peuplé de créatures sous-marines extraordinaires. Ils font également la rencontre du clan Metkayina, mené par la charismatique Ronal (Kate Winslet), aux moeurs bien différentes des leurs.

Pour la première fois dans l'histoire du cinéma, James Cameron a eu recours à la performance capture sous-marine. Il a ainsi filmé les acteurs sous l'eau, pour un maximum de réalisme. Le résultat semble saisissant, ce qui valait bien quelques records d'apnée pour les interprètes (comme Kate Winslet).

Pourquoi le film est-il si long ?

La durée d'Avatar : la voie de l'eau est de trois heures et dix minutes. Soit environ trente minutes de plus que le premier film. Une aubaine pour les fans qui passeront ainsi plus de trois heures en immersion dans les paysages féeriques de Pandora.

Mais si le film est si long, c'est que James Cameron avait une idée précise de la direction vers laquelle il voulait conduire les spectateurs. Il s'en est expliqué dans les colonnes de Total Film Magazine (via Variety) :

Le but de cette histoire est de miser sur l'émotion. Et l'accent a été davantage mis sur les personnages, l'histoire et les relations. Nous avons passé plus de temps sur ça dans cette suite que dans le premier film. Il y a plus de personnages, dont plus d'histoires à raconter. C'est un film plus long pour ça.

Enola Holmes 2 : l'arrivée d'un ennemi emblématique

Deux ans après sa première aventure, Millie Bobby Brown est de retour dans la peau d'Enola Holmes sur Netflix. L'héroïne créée par l'écrivaine Nancy Springer, petite soeur des célèbres Sherlock (Henry Cavill) et Mycroft (Sam Claflin), a ouvert sa propre agence mais peine à attirer des clients, car ils ne la prennent pas au sérieux. Elle parvient tout de même à se lancer dans sa première affaire officielle lorsqu'une adolescente prénommée Bessie (Serrana Su-Ling Bliss) la charge de retrouver sa grande soeur Sarah Chapman (Hannah Dodd).

Enola Holmes se met à enquêter dans une fabrique d'allumettes tenue par une riche famille, où les employées meurent du typhus et où travaillait la jeune femme disparue. Ses investigations la conduisent à collaborer avec son frère Sherlock, qui doit quant à lui résoudre des énigmes dispersées dans Londres par son plus grand ennemi, dont il n'a pas encore découvert l'identité.

Helena Bonham Carter, David Thewlis, Louis Partridge, Susan Wokoma, Adeel Akhtar et Sharon Duncan-Brewster complètent la distribution de ce deuxième volet toujours réalisé par Harry Bradbeer (Fleabag, Killing Eve). Un opus pour lequel le metteur en scène et le scénariste Jack Thorne se sont en partie inspirés d'une histoire vraie.

Une intrigue basée sur une véritable révolte

ATTENTION, les lignes qui suivent contiennent des spoilers !

Dans la conclusion d'Enola Holmes 2, l'héroïne comprend que les employées de l'usine ne décèdent pas à cause du typhus mais à cause d'un phosphore de mauvaise qualité utilisé pour la conception des allumettes. Aux côtés de Sarah et de sa petite soeur Bessie (Serrana Su-Ling Bliss), elle se joint à la colère générale des travailleuses. Une péripétie qui s'inspire de la grève des ouvrières de la manufacture Bryant & May, organisée à Londres en 1888 et soutenue par la militante socialiste et féministe Annie Besant.

Cette dernière s'insurge contre le traitement déplorable des employées généralement adolescentes. Des méthodes qu'elle qualifie d'esclavage dans un article publié dans son journal The Link : A Journal for the Servants of Man.

Pendant près de 20 ans, plusieurs mouvements de révolte ont lieu pour lutter contre des conditions de travail très précaires et des salaires extrêmement bas mais celui de 1888 fait véritablement date. Le fait de tremper les allumettes dans du phosphore blanc, moins coûteux que le phosphore rouge mais plus toxique, engendre par ailleurs de graves problèmes de santé pouvant aller jusqu'au décès. Les dents et les gencives des ouvrières pourrissent, ce qui provoque des abcès et des fistules.

Sarah Chapman, l'une des figures du mouvement

Figure de ce mouvement ayant réellement existé, Sarah Chapman est l'une des ouvrières qui demande de l'aide à Annie Besant. Le 11 juillet 1888, environ 1400 ouvrières cessent leur activité. Trois semaines après le début de la grève, les dirigeants de Bryant & May acceptent leurs revendications, améliorent les conditions de travail et augmentent les salaires, supprimant également les punitions visibles dans Enola Holmes 2.

Interrogée par la BBC en 2013 pour le 125e anniversaire de la révolte, la spécialiste du sujet Louise Raw - qui lui a consacré un ouvrage - déclare :

Ces ouvrières ont montré la voie à d'autres travailleuses exploitées. Ce n'est pas une coïncidence si des vagues de grève ont suivi, y compris la grande grève des dockers en 1889. C'étaient les mères de tout le mouvement ouvrier moderne et du Parti travailliste.

Un événement qui a selon elle "changé le monde".

Sean Penn, grand soutien hollywoodien de Volodymyr Zelensky

Actuellement à Kiev, l'acteur et réalisateur Sean Penn a offert dans un geste symbolique un de ses Oscars au président de l'Ukraine Volodymyr Zelensky. L'acteur de Mystic River et Harvey Milk - films pour lesquels il a été distingué de deux Oscars du Meilleur acteur-, se trouvait déjà en Ukraine lors de l'invasion russe le 24 février 2022. Il avait fui le pays à pied le 3 mars. Il est sans doute la star hollywoodienne qui a le plus affiché son soutien à l'Ukraine, un soutien qu'il a donc de nouveau marqué en remettant à Volodymyr Zelensky une de ses statuettes.

C'est Anton Gerashchenko, conseiller du ministère ukrainien de l'Intérieur, qui a filmé cette nouvelle rencontre entre les deux hommes et l'a postée sur Twitter.

Dans cette vidéo, on entend Sean Penn déclarer :

C'est une petite chose symbolique, mais en sachant qu'elle se trouve ici, je me sentirai mieux et plus fort concernant les combats. (...) Quand vous aurez gagné (la guerre, ndlr), vous pourrez la ramener à Malibu. Je me sens mieux sachant qu'il y a une partie de moi ici.

Sean Penn honoré par l'Ukraine

Dans cette même vidéo, on voit aussi le président ukrainien remettre à l'acteur une médaille de l'Ordre du Mérite, une distinction qui récompense des actions exceptionnelles. À la différence de l'Oscar, cette récompense n'est pas que symbolique et est une décoration officielle de l'État ukrainien. Ce que précise Volodymyr Zelensky :

Ce n'est pas de ma part, mais de la part de l'Ukraine. C'est donc plus que ma reconnaissance personnelle.

Par ailleurs, les deux hommes, entourés de soldats lourdement armées, ont aussi inauguré une plaque commémorative en l'honneur de Sean Penn, toujours à Kiev. Ce dernier s'est alors montré touché, expliquant : "Il y a trois endroit dans le monde qui comptent le plus pour moi. L'endroit où ma fille est née, l'endroit où mon fils est né, et ici. Merci."

Diane de Poitiers : Isabelle Adjani en costume pour France 2

Hier, lundi 7 novembre, était diffusés les deux premiers épisodes de la série Diane de Poitiers, la presque reine. Réalisée par Josée Dayan, elle raconte l'histoire de la maîtresse du roi Henri II, qui régna dans l'ombre armée de sa légendaire beauté et de sa redoutable intelligence.

Porté par Isabelle Adjani, le programme avait de quoi séduire les téléspectateurs friands de l'histoire de France et des complots royaux. Malheureusement, ils n'ont pas été du tout réceptifs.

Des premiers avis assassins

Rapidement après le début de la diffusion de la série, les avis des premiers spectateurs n'ont pas tardé à fleurir sur les réseaux sociaux. Sur Twitter en particulier. Ainsi, le hashtag #DianeDePoitiers n'a pas tardé à se hisser en tête des mots-clés les plus utilisés. Et pas vraiment pour dire du bien de la série.

Beaucoup ont critiqué une Adjani en sous-régime, et des dialogues anachroniques. Les décors et les costumes en ont également pris pour leur grade. Morceaux choisis :

Dans les critiques spectateurs chez nos confrères d'AlloCiné, ça n'est pas mieux. En effet, Diane de Poitiers n'a pas non plus convaincu. On peut notamment y lire :

J'aurais adoré aimé, car je suis passionné d'histoire mais cette série n'est pas regardable (...)

Soporifique, un vrai gâchis.

Quelle déception ! Au bout d’un quart d’heure, j’ai regardé la série en accéléré tellement elle est lente et ennuyeuse.

Ennuyeux & désolant. Le paquet est mis pour attirer le chaland avec une pléiade d'acteurs bankables mais le spectacle est désastreux.

Au niveau des audiences, le premier épisode de la série a attiré 2.8 millions de téléspectateurs. Il s'agit du troisième meilleur score de la soirée derrière L'amour est dans le pré sur M6 (4.3 millions) et Le saut du diable sur TF1 (3.8 millions).

Reste à savoir si, face à ce tel désamour, France 2 diffusera les autres épisodes la semaine prochaine. L'intégralité de la série est déjà disponible sur Salto.

La perte de Chadwick Boseman

Black Panther : Wakanda Forever arrive dans le Marvel Cinematic Universe (MCU) après Doctor Strange in the Multiverse of Madness, plutôt convaincant grâce à ses tentatives horrifiques, et le médiocre Thor : Love and Thunder, marqué par de l'humour et une image bas de gamme. De plus, ce Black Panther 2 se présente comme le trentième long-métrage du MCU et la conclusion de la phase IV.

Mais c'est surtout un film qu'aurait dû porter Chadwick Boseman, qui incarnait T’Challa, le personnage principal - depuis 2016 avec Captain America: Civil War, et avec une première aventure solo en 2018 avec Black Panther. Le décès de l'acteur en 2020 fut une tragédie pour ses proches et a obligé Marvel à revoir ses plans. Ne souhaitant pas "simplement" remplacer l'acteur, Ryan Coogler et les scénaristes ont préféré inclure la mort du personnage.

Ainsi, Black Panther : Wakanda Forever devrait, à plus d'un titre, être un film majeur et mémorable au sein du MCU. Seulement, si ce n'est pour son hommage attendu à l'acteur, le film n'a de grand que sa durée (environ 2h40), et se révèle bien plus modeste dans son fond comme sa forme. Ce qui, avec Marvel, peut être autant une qualité qu'un défaut.

Une Black Panther émouvante avec Shuri

En effet, les dernières productions Marvel se sont parfois voulues trop grandioses et faussement complexes. Ici, Black Panther : Wakanda Forever revient au basique, à une échelle humaine, avec une origin story somme toute classique. Celle de Shuri (Letitia Wright), déjà introduite auparavant, mais qui, ici, devient l'héroïne.

Une héroïne marquée par le décès de son frère et qui, un an après, ne parvient toujours pas à faire son deuil. Les premières minutes rendent alors un vibrant hommage à Chadwick Boseman tout en étant assez justes sur le caractère de Shuri.

On ressent une véritable empathie pour elle et la culpabilité qui l'accompagne lui donne une profondeur nécessaire. Il y a parfois l'impression que le film pourrait virer totalement au drame, tant on sent poindre ici et là le fantôme de T'Challa. Mais passée cette première partie, Black Panther: Wakanda Forever offre une histoire déjà vue. Tout un tas de banalités prévisibles et une critique peu subtil des pays colonisateurs (à commencer par les Etats-Unis, pour le moins ironique).

Wakanda Forever, pas à la hauteur de son héritage

On sent l'œuvre tiraillée entre une volonté d'être plus intimiste (peu d'humour, ce qui est appréciable) et une obligation d'offrir le spectacle d'une superproduction. Mais sans jamais convaincre à ce niveau. Pour cette énième aventure du MCU, Shuri devra accepter de prendre le flambeau de T'Challa pour faire face à un nouvel ennemi, Namor (Tenoch Huerta), dont les raisons d'entrer en conflit avec le Wakanda sont particulièrement bâclées.

Outre l'introduction d'un univers aquatique qui offre un semblant de merveilleux (et encore, on est loin d'Avatar), la confrontation entre Namor et Shuri se fait surtout avec une succession de scènes d'action anecdotiques et imperceptibles dès qu'elles se déroulent la nuit, qui alternent avec des séquences dialoguées interminables autour de l'idée que la vengeance, c'est mal.

Bien sûr, on n'attendait pas de Black Panther : Wakanda Forever (ou tout autre film du genre) qu'il pose de grandes questions existentielles. Mais il y a le sentiment que bien plus aurait pu être fait. À partir de cette thématique, et de la question du deuil, Marvel a par exemple fait des choses intéressantes avec le personnage de Wanda. Le film préfère lui rester en surface et Ryan Coogler ne parvient même pas à donner un peu de personnalité à son œuvre, tout le contraire de son premier Black Panther.

Black Panther: Wakanda Forever de Ryan Coogler, en salles le 9 novembre 2022. Ci-dessus la bande-annonce. Retrouvez ici toutes nos bandes-annonces.

The Whale, nouvelle grande oeuvre de Darren Aronofsky ?

Présenté au Festival de Venise 2022, The Whale est le nouveau film de Darren Aronofsky, cinéaste du meilleur comme du pire et qui surtout ne laisse personne indifférent. Son meilleur cinéma est celui qui remue le plus, bien profondément, et sur ce point il n'a peut-être pas retrouvé les sommets atteints avec son inoubliable Requiem for a Dream, sorti en 2000. Mais avec The Whale, qui signe le retour de Brendan Fraser au "grand" cinéma, le réalisateur de Black Swan et Mother tient peut-être une nouvelle oeuvre majeure. C'est en tout cas l'impression qu'il a laissée à Venise lors de sa présentation. Le public lui a réservé une longue standing ovation, qui a ému l'acteur aux larmes.

Filmé dans un format carré, dans la maison de Charlie et dans quelques extérieurs, Darren Aronofsky raconte comment Charlie, un homme de 272 kilos et ancien professeur d'anglais, tente de renouer le contact avec sa fille de 17 ans, Ellie. Atteint de dépression et d'hyperphagie incontrôlée, suite au décès de son amant, Charlie vit maintenant isolé et seul chez lui, et ne peut pas se déplacer. The Whale est une histoire d'abord écrite et mise en scène pour le théâtre par Samuel D. Hunter en 2012.

Brendan Fraser, déjà terrassant

Dans le rôle de Charlie, Brendan Fraser, autrefois superstar dont la carrière a connu depuis La Momie, sortie en 1999, bien plus de bas que de hauts. En retrait pendant de longues années suite à de graves problèmes personnels, Brendan Fraser est enfin de retour pour démontrer, au cas où l'on aurait oublié, quel formidable acteur il est. Dans cette courte première bande-annonce, il lui suffit d'un soupir. D'une question. D'un regard. Avec si peu, cet homme à la forme quasi monstrueuse transmet déjà une émotion bouleversante. Sur un thème musical aussi épique qu'angoissant, cette seule question :

Avez-vous déjà ressenti combien les gens sont incapables de ne pas se faire du souci ? Les gens sont formidables.

On aperçoit dans cette touchante bande-annonce quelques autres comédiens de The Whale. Sadie Sink, qui joue Ellie la fille de Charlie, ainsi qu'Hong Chau. Celle-ci joue Liz, l'infirmière de Charlie. Le reste du casting se compose notamment de Samantha Morton et Ty Simpkins.

Avatar 2 : l'attente fut longue

En 2009, le monde entier découvre la nouvelle merveille de James Cameron : Avatar. Un film à l'ambition 3D démesurée, dans lequel le réalisateur visionnaire nous propulse dans le monde féerique de Pandora où vit le peuple Na'vi. Sur cette planète qui orbite autour d'Alpha Centauri A, des scientifiques ont mis au point un programme qui permet aux humains de s'intégrer à la population locale à l'aide de clones Na'vi. Le but de la manoeuvre étant de parvenir à négocier avec les locaux pour exploiter un minerai rare susceptible de résoudre la crise énergétique sur Terre.

Jake Sully, un Marine paraplégique choisi pour intégrer le programme, va peu à peu tomber amoureux de cette planète et de son peuple. Ainsi, il choisit finalement de devenir un Na'vi et de continuer son existence aux côtés de Neytiri sur Pandora.

Treize ans plus tard, nous retrouverons enfin Jake et Neytiri le 14 décembre prochain dans La Voie de l'eau, la suite très attendu du premier film. Toujours ensemble, ils ont fondé une famille, et coulent des jours heureux sur Pandora. Mais une nouvelle menace venue de la RDA les contraint à devoir quitter habitat naturel et à se réfugier sur les récifs. Dans ce nouvel endroit féerique, ils rencontrent un nouveau clan, les Metkayina, aux moeurs bien différentes des leurs.

Tous les yeux rivés sur le box-office

Avatar est encore aujourd'hui le plus gros succès de tous les temps au box-office mondial avec près de trois milliards de dollars de recettes. La grande inconnue est donc de savoir si La Voie de l'eau peut s'approcher de ce score, voire même de le dépasser. Si cette seconde option semble improbable, le film sera néanmoins considéré comme un échec s'il ne dépasse pas le milliard de dollars.

Mais les fans seront-ils encore au rendez-vous, treize ans après ? Le premier week-end de sortie aux États-Unis sera décisif et enverra un signal clair quant à la carrière du film au box-office. Et en cas d'échec, James Cameron sait déjà ce qu'il fera.

Les deux derniers films attendront

Si James Cameron a souhaité écrire l'intégralité des 4 suites d'Avatar avant de débuter le tournage du deuxième, il n'est pas assuré de toutes les mettre en boîte. En effet, cela dépendra du succès ou de l'échec du 2 et du 3. Le paysage cinématographique a changé, et l'industrie n'est plus aussi stable qu'en 2009. Des éléments que le réalisateur prend en compte lorsqu'il évoque le futur de sa saga.

Lors d'une interview donnée à Total Film (via Games Radar), il a confié ce qu'il se passerait si Avatar 2 ne fonctionnait pas suffisamment au box-office :

Nous compléterons l'histoire avec le troisième film, et nous nous arrêterons là, si ça n'est pas rentable.

Lucide, James Cameron a confié que la pandémie et le streaming avaient été deux coups durs pour l'industrie. Et qu'il était conscient que le monde du cinéma était différent lors de la sortie du premier film. Mais il a également l'espoir qu'Avatar 2 reconnecte le public à l'expérience des salles obscures :

Peut-être que nous réussirons à rappeler aux gens ce que signifie l'expérience cinématographique. Ce film est fait pour ça. Mais est-ce que les gens en ont encore quelque chose à faire ?

Réponse le mois prochain avec la sortie de La Voie de l'eau !

Un petit hommage à Dobby ?

Souvenez-vous. Après avoir été libéré de l'emprise de son maître Lucius Malefoy, Dobby meurt dans les bras d'Harry Potter dans le film Harry Potter et les Reliques de la Mort - partie 1. Le jeune sorcier décide d'enterrer son ami sur une plage. Peu de temps après la sortie des films de David Yates, les fans ont érigé un mémorial en l'honneur du petit elfe de maison sur la plage Freshwater West, là où a été tournée la fameuse scène de son décès. Depuis, de nombreux fans viennent déposer des chaussettes et des pierres colorées en mémoire de Dobby. En effet, dans le film de David Yates, Dobby retrouve la liberté grâce à une chaussette qui vient rompre le maléfice.

Située dans le Pembrokeshire, dans le Pays de Galles, la plage Freshwater West est un lieu de tournage célèbre. Outre les deux derniers volets de la saga Harry Potter, cette plage a également servi de décor au film Robin des Bois de Ridley Scott.

Un fléau pour l'environnement

Récemment, le New York Times vient de publier un rapport de l'association National Trust for Places of Historic Interest (plus communément appelée National Trust) qui met en avant la pollution que représente la fausse tombe de Dobby. Le National Trust est une association britannique à but non lucratif qui se bat pour la conservation des monuments et des sites d'intérêt général au Royaume-Uni. Dans les conclusions de l’examen, l'organisme environnemental demande aux fans d'arrêter de déposer des chaussettes sur la sépulture. Le site de Freshwater West est désormais menacé à cause d'une trop forte fréquentation :

Les chaussettes, les bibelots et les galets peints pénètrent dans l’environnement marin, perturbent la chaîne alimentaire et mettent la faune en danger. Bien que nous soyons ravis que tant de personnes veuillent visiter cet endroit, nous devons équilibrer la popularité du site avec les impacts sur la nature environnante.

Évidemment, les fans ont toujours l'autorisation de visiter le mémorial de Dobby, mais sont fortement encouragés à ne pas laisser de chaussettes ou autres objets polluants sur le site naturel. Le National Trust précise que :

Le mémorial de Dobby restera à Freshwater West dans l’immédiat pour que les gens puissent en profiter. Il est cependant demandé aux visiteurs de ne prendre des photos que lors de la visite du mémorial pour aider à protéger le paysage au sens large.

Il faut bien avouer que la Dobby's Grave est une création plutôt marrante des fans. Et c'est un moyen attachant de rendre hommage à l'univers d'Harry Potter. Mais de là à mettre en danger la plage de Freshwater West, le procédé ne vaut définitivement pas le coup.

Gaumont s'attaque au prince des voleurs

Le héros légendaire, et sans doute le personnage de fiction médiévale le plus connu au monde, va faire son retour sur grand écran, et dans une production française s'il vous plaît. Robin des Bois, seigneur de Locksley, qui vole les riches pour donner aux pauvres, va effectivement avoir un nouveau film à son nom. Gaumont et la société Albertine Productions sont à la production de celui-ci.

Les adaptations cinématographiques de la légende médiévale se compte par dizaines, avec un tout premier long-métrage britannique sorti en 1908. Aujourd'hui, on connaît surtout trois films qui se sont distingués : Les Aventures de Robin des Bois de 1938 avec Errol Flynn et Olivia de Havilland, le film de Disney de 1973 Robin des Bois, et le film avec Kevin Costner sorti en 1991 : Robin des Bois, prince des voleurs. On peut aussi ajouter à ce trio la version de Ridley Scott avec Russell Crowe dans le rôle-titre, sorti en 2010 et dernier essai à avoir convaincu le public mondial.

Autant dire que proposer un nouveau long-métrage sur Robin des Bois, Marianne, frère Tuck, Petit Jean et l'infâme shérif de Nottingham ne peut pas se faire à l'économie. C'est pourquoi Gaumont, qui a annoncé ce projet, souligne d'emblée sa grande ambition.

Un réalisateur de Lupin aux commandes "d'un grand film d'aventure"

Si, à ce stade de développement, on ne sait rien du casting, on sait cependant déjà qui réalisera et qui écrira ce nouveau Robin des Bois. À la réalisation, il s'agit de Ludovic Bernard, à qui l'on doit notamment L'Ascension, 10 jours sans maman et récemment deux épisodes de la partie 2 de Lupin. Il écrira le scénario en collaboration avec Julien Lambroschini, scénariste entre autres de Plonger de Mélanie Laurent et de Le Grand Bain de Gilles Lellouche. Le producteur du film Matthieu Tarot a évoqué l'ambition du projet en ces termes :

L'ambition de "Robin des Bois" est immense. Robin est un brigand avec un grand coeur : il est saxon, il tombe amoureux d'une normande, il est fidèle au roi et il redistribue les richesses. Après Erroll Flynn, le renard de Walt Disney et Kevin Costner, notre souhait est d'apporter une touche française à ce héros des temps modernes. Je suis très fier d'entreprendre ce grand film d'aventure avec Gaumont, dans une relation inestimable de confiance et de loyauté.

Reste maintenant à savoir qui prendra le costume et le carquois du héros, et qui l'entourera au casting !

Henry Cavill : un acteur qui multiplie les licences

Henry Cavill débute sa carrière au début des années 2000. Il enchaîne d'abord des petits rôles dans des films comme Red Riding Hood, Hellraiser VIII ou encore Blood Creek. C'est sa participation aux trois premières saisons de Les Tudors qui lui donne ensuite un début de notoriété. Mais sa carrière décolle véritablement au début des années 2010 grâce à ses apparitions dans Les Immortels, Sans Issue et surtout Man of Steel.

Le rôle de Superman lui donne en effet une réputation d'ordre mondial. Il reviendra ensuite dans la peau du kryptonien à quatre reprises avec Batman V Superman : L'Aube de Justice (2016), Justice League (2017), Zack Snyder's Justice League (2021), et dernièrement Black Adam (2022). Henry Cavill apparaît également dans d'autres franchises. Ses fans peuvent en effet le voir dans Mission Impossible : Fallout, dans Enola Holmes et évidemment dans la série The Witcher.

Sa cascade la plus dingue

Lors d'une récente interview avec Collider, Henry Cavill est revenu sur sa carrière. Steve Weintraub, le rédacteur en chef du média américain, lui a notamment demandé qu'elle était sa cascade la plus dangereuse. Sans surprise, Henry Cavill a cité Mission Impossible : Fallout. La saga de Tom Cruise est réputée pour ses cascades ultra dangereuses. Si Tom Cruise en réalise la grande majorité, certains de ses collègues se font parfois embarquer dans ses folies. C'est le cas d'Henry Cavill qui s'est remémoré la cascade de l'hélicoptère à la fin de Mission Impossible : Fallout :

J'adore cette séquence et je la referais sans hésiter, mais physiquement, c'est la plus difficile que j'ai pu faire. Il faisait extrêmement froid. On était au-dessus des Alpes du Sud en plein hiver. Les portes de l'hélicoptère étaient ouvertes. Je devais mettre mon visage face au vent et tirer à blanc. J'étais complètement sourd, attendant juste que le pilote crie quelque chose d'inaudible et fasse un geste, ce qui signifiait que nous tournions. J'ai fais cette scène encore et encore.

Je regardais soit l'hélicoptère de Tom devant ou derrière, soit la caméra, pour voir quand je pouvais arrêter. J'étais en mode : "D'accord, je pense que cela signifie que je peux m'asseoir maintenant." Je faisais ça pendant 40 minutes, puis on atterrissait, et je m'asseyais près d'un petit radiateur pour réchauffer mes mains. En moins d'une demi-heure, ils me disaient : "Bon, on a fait le plein. On y retourne." On a fait ça pendant au moins deux semaines. C'était dur, mais j'ai vraiment adoré la séquence, et ça en valait vraiment la peine.

La cascade décrite par Henry Cavill survient à la toute fin du film. Point culminant de l'affrontement entre son personnage et celui de Tom Cruise, il s'agit une fois de plus d'une séquence ambitieuse et très impressionnante. Sorti en 2018, Mission Impossible : Fallout marque l'un des rares rôles de méchant d'Henry Cavill. Comme souvent, ce sixième volet de la licence Mission Impossible a été un énorme succès au box-office avec plus de 791 millions de dollars de recettes pour un budget de 178 millions. Ethan Hunt n'en a pas encore fini et sera de retour en juillet 2023 pour Mission Impossible : Dead Reckoning Partie 1.

C'est quoi Overdose ?

Après Bronx sur Netflix, qui avait rencontré un beau succès dans le monde, c'est maintenant sur Prime Video qu'Olivier Marchal présente son nouveau film, Overdose. Adapté du roman de Pierre Pouchairet Mortels trafics, Overdose raconte depuis plusieurs points de vues l'interception d'un important go fast entre l'Espagne et la France. On voit ainsi les narcotrafiquants à l'oeuvre, mais aussi la brigade des stupéfiants de Toulouse à leurs trousses, ainsi qu'une équipe de la police criminelle de Paris qui enquête sur une affaire de meurtres. Des meurtres qui vont se révéler avoir un lien avec le go fast en question...

On ne se refait pas, et Olivier Marchal poursuit donc son exploration ténébreuse des mondes policier et criminel dans ce nouveau film, qu'on trouvera aisément encore plus violent et sombre que ses précédents. Le métal des carrosseries et des armes, le cuir et la toile des vêtements, tout est noir, clairement la couleur préférée du cinéaste. Et que ce soit sous le soleil espagnol ou la neige des Pyrénées, les personnages d'Overdose trimbalent inlassablement leurs cernes et leurs mines soucieuses.

Overdose raconte un affrontement sanglant entre flics et voyous. Ce qui le distingue de Carbone et de Bronx, les deux précédents films de Marchal dont le premier ne s'intéressait qu'aux voyous, et le second qu'aux flics. Avec Overdose, le cinéaste propose une vue des deux univers, et pour ce faire a assemblé un très solide casting.

Un joli casting pour un film policier choral

Une fois n'est pas coutume, Olivier Marchal offre le rôle principal de son film à une actrice. Dans la peau de Sara Bellaïche, à la tête des "stups" de Toulouse, Sofia Essaïdi réussit son retour au long-métrage de cinéma, huit ans après Mea Culpa de Fred Cavayé. À ses côtés, elle peut compter sur son fidèle bras droit Bob Fontana, incarné par Kool Shen. Elle n'est pas la seule actrice à tirer son épingle du jeu puisqu'on peut aussi apprécier le jeu tout en sensualité perverse de Naïma Rodric, qui interprète Vanessa Sanchez, la compagne du très violent et principal bad guy d'Overdose : Eduardo Garcia. celui-ci est interprété par Alberto Ammann, célèbre pour son rôle dans la série Narcos.

Dans le rôle d'un flic infiltré au sein de l'équipe des trafiquants, on retrouve Nicolas Cazalé. Il doit veiller à ne pas griller sa couverture auprès de l'ancien pilote de course Willy De Berg (le fidèle collaborateur d'Olivier Marchal Francis Renaud), ou encore du chien fou Saïd Masriche (Nassim Lyes). Côté flics, Assaâd Bouab occupe un rôle important dans la peau de Richard Cross, chef de la police criminelle parisienne. Il dirige un duo de jeunes flics, incarnés par Zoé Marchal et Moussa Mansaly, ce dernier étant bien connu avec son rôle dans la série Validé. D'autres noms connus sont au casting, notamment Catherine Allégret, Kenza Fortas ou encore Simon Abkarian.

Chacun a son impact, plus ou moins grand, sur l'intrigue d'Overdose, mais aucun ne fait paysage dans ce polar aux multiples ramifications.

Le polar français est un sale boulot, mais faut bien que quelqu'un s'y colle

Overdose n'a sans doute pas la qualité de 36 quai des Orfèvres, ni l'ambition de Les Lyonnais ou l'intention tragique de MR 73. Mais il reprend de nombreux éléments de plusieurs films de la filmographie de son auteur, comme s'il était toujours nécessaire de rappeler que le polar français aux gueules burinées vit encore. Alors, on pourra toujours dire que le temps des punchlines machistes est révolu, certes. Que le temps du film policier manichéen malgré ses quelques zones grises est plus que daté, c'est vrai. Mais au risque de déplaire, Olivier Marchal insiste dans cette veine, racontant encore et encore ces histoires de flics et de voyous, déroulant une partition faite de dialogues sur-écrits, d'engueulades hystériques, de nuits interminables, de fusillades assourdissantes.

Overdose ne veut pas dire ou montrer autre chose que ce qu'il montre et raconte : un polar violent conclu par une morale pessimiste. C'est appréciable parfois, peut-être que ça ne l'est pas souvent... Aujourd'hui, parce qu'Olivier Marchal est le seul à proposer un tel cinéma strictement policier, si certains diront que personne ne fait pire, il est peut-être tout aussi vrai que personne ne fait mieux...

La production d'Equalizer 3 visitée par la police

C'est une publicité dont se serait probablement bien passée la production du troisième opus de la saga Equalizer, avec Denzel Washington dans le rôle principal et Antoine Fuqua à la réalisation. En effet, selon le journal italien Il Giornale, les carabiniers ont fait une descente dans l'hôtel de la côte amalfitaine occupé par l'équipe de catering du film Equalizer 3, qui se tourne actuellement en Italie. En cause, la découverte dans les vêtements du responsable du catering, décédé le dimanche 30 octobre 2022 d'une crise cardiaque, de plusieurs sachets contenant de la cocaïne. Une découverte assez conséquente pour que la police s'y intéresse de plus près...

120 grammes de cocaïne et deux arrestations

Une fois arrivée à l'hôtel, la police italienne a saisi environ 120 grammes de cocaïne. Soit une quantité tout sauf négligeable. Elle a procédé à l'arrestation de deux employés de la société engagée pour assurer le catering pendant le tournage du film. Ces deux personnes ont interdiction de quitter leur hôtel. Et devront a priori répondre des délits de possession de stupéfiants avec intention de les distribuer. Un autre employé a aussi été trouvé en possession d'une petite quantité drogue et son permis de conduire lui a été retiré.

En plus d'une perquisition à cet hôtel, la police a aussi procédé à une perquisition dans la zone du port de la ville de Maiori où la production d'Equalizer 3 est installée. La société à laquelle appartiennent les employés impliqués dans cette histoire est une société italienne, contractée sur place. Ce qui devrait préserver les autres parties prenantes de la production de troisième opus d'Equalizer de conséquences fâcheuses.

Pour rappel, après Equalizer en 2014 et Equalizer 2 en 2018, Denzel Washington reprend son rôle de l'ancien Marine devenu justicier Robert McCall. Pour ce Equalizer 3, annoncé en France le 30 août 2023, il est entouré de Dakota Fanning, David Denman et Gaia Scodellaro. À noter que Denzel Washington et Dakota Fanning se retrouvent donc 18 ans après Man on Fire, le formidable film de Tony Scott dont ils étaient les têtes d'affiche.

Wendell et Wild : le retour d'Henry Selick

Treize ans après Coraline, Henry Selick est enfin de retour. Wendell et Wild, le nouveau film d'animation du spécialiste de la stop-motion est sorti sur Netflix le 28 octobre dernier. Pour ce projet, le cinéaste a collaboré avec le réalisateur de Get Out et Nope, Jordan Peele, et son compère Keegan-Michael Key. Les deux comédiens prêtent ici leur voix aux personnages principaux, deux frères démons qui demandent de l'aide à une adolescente prénommée Kat (Lyric Ross) pour rejoindre le monde des vivants.

Néanmoins, Kat ne compte pas effectuer sa mission sans recevoir de contrepartie. Débute alors une aventure gothique joyeusement horrifique et délirante. Angela Bassett, James Hong, Ving Rhames et Natalie Martinez complètent le casting vocal original. Un long-métrage vendu avant tout sur le nom d'Henry Selick. Ce qui n'était pas le cas en 1993 de L'Étrange Noël de monsieur Jack.

À l'époque, ce chef-d'oeuvre de l'animation est avant tout présenté comme un projet de Tim Burton. Le nom du réalisateur de Batman et Edward aux mains d'argent est nettement plus imposant sur le matériel promotionnel, figurant par exemple juste au-dessus du titre original The Nightmare Before Christmas sur l'affiche américaine.

Le réalisateur oublié de L'Étrange Noël de monsieur Jack

Tim Burton n'a pourtant pas mis en scène le long-métrage, qu'il produit et pour lequel il a créé les personnages. Lors d'un récent entretien accordé à AV Club, Henry Selick est revenu sur le fait d'avoir vu la paternité du film lui échapper, du moins aux yeux du public. Il a déclaré à ce sujet :

C'était un peu injuste parce qu'ils l'ont titré 'Tim Burton's Nightmare...' seulement trois semaines avant la sortie. Et j'aurais été d'accord avec ça, si j'avais signé pour ça. Mais Tim était à Los Angeles en train de faire deux longs-métrages pendant que je réalisais ce film. Tim est un génie, en tout cas il l'était pendant ses années les plus créatives. J'ai toujours pensé que son histoire était parfaite et il a conçu le design des personnages principaux. Mais c'est vraiment mon équipe et moi qui avons donné vie au film.

Henry Selick a également assuré que Tim Burton n'est pas le seul à s'être approprié L'Étrange Noël de monsieur Jack, ajoutant à propos du compositeur Danny Elfman :

Bien sûr, si vous demandez à Danny Elfman, eh bien c'est son film. (Rires) Quand nous avons terminé le film, c'était tellement drôle parce qu'il s'est approché de moi, m'a serré la main et m'a dit : 'Henry, tu as fait un travail formidable pour illustrer mes chansons !' Et il était sérieux, j'ai adoré ça !

Malgré la déception provoquée par cette mise à l'écart, le cinéaste a affirmé qu'il "aime vraiment collaborer". Il a ainsi rappelé que Coraline est basé sur "un très bon livre de Neil Gaiman" et que Wendell et Wild n'aurait probablement pas pu voir le jour s'il n'avait pas fait équipe avec le producteur et scénariste Jordan Peele. Il a cependant conclu :

Mais c'est moi qui dirige l'équipe derrière le film.

Hunger Games 5 : retour à Panem

En mai 2020, Suzanne Collins a sorti un nouveau roman issu de sa saga Hunger Games. Baptisé La Ballade du serpent et de l'oiseau chanteur, il s'intéresse à la dixième édition des jeux et à la jeunesse de Coriolanus Snow. Chronologiquement, les événements se déroulent une soixantaine d'années avant le premier film. À l'époque, les jeux étaient bien plus sordides que ceux auxquels a participé Katniss. C'est ce que va découvrir la jeune Lucy Gray Baird, tribut du District 12, que doit entraîner Coriolanus Snow.

Rapidement après la sortie du roman, le studio Lionsgate a annoncé préparer un cinquième film. Une décision évidente étant donné l'incroyable succès qu'a connu la saga précédente dans les salles. En effet, entre 2012 et 2015, les quatre longs-métrages mettant en vedette Jennifer Lawrence ont rapporté plus de trois milliards de dollars au box-office mondial.

Étant donné que La Ballade du serpent et de l'oiseau chanteur est un préquel, la star des autres films Hunger Games ne sera pas présente au casting. Mais pour attirer le public dans les salles, c'est une nouvelle héroïne du cran de Katniss qui porte l'histoire. Elle sera interprétée dans le film par Rachel Zegler, star du West Side Story de Steven Spielberg, (et future Blanche-Neige du nouveau live action de Disney).  Face à elle, c'est l'acteur Tom Blyth qui interprètera Coriolanus Snow.

Il y a quelques mois, Lionsgate avait dévoilé un tout premier cliché des deux personnages :

Une date de sortie française annoncée

Metropolitan Films, le distributeur français du film Hunger Games : la Ballade du serpent et de l'oiseau chanteur a dévoilé la date de sortie du long-métrage. Il arrivera au cinéma en France le 15 novembre 2023, soit deux jours avant sa sortie aux États-Unis.

C'est Francis Lawrence, le réalisateur des trois derniers films de la saga qui l'a mis en scène. Le reste du casting se compose notamment de Peter Dinklage (Game of Thrones) et d'Hunter Schafer (Euphoria).

Johnny Depp bientôt de retour sur grand écran

Au sortir d'une séquence judiciaire et médiatique très compliquée due à sa séparation houleuse de son ex-épouse Amber Heard, Johnny Depp peut-il s'attirer de nouveau les bonnes grâces du cinéma ? C'est une des questions auxquelles répondra peut-être Jeanne du Barry, le nouveau film de la réalisatrice Maïwenn, drame historique lequel il joue un des personnages principaux : le roi Louis XV. Ce rôle est un événement en soi puisqu'il s'agira de sa première apparition dans un film en langue française, et a fortiori dans une production ambitieuse dirigée par une cinéaste de renom.

Après l'avoir à peu près aperçu dans une première image - une photo de profil les yeux bandés -, on peut maintenant le découvrir entièrement dans ses habits royaux. Une image dévoilée par Why Not Productions, société de production de Jeanne du Barry. Dans celle-ci, ci dessous, on découvre donc la superstar de Pirates des Caraïbes dans son rôle, un mince sourire sous un regard quelque peu fatigué. Dans cette seule posture, difficile d'en déduire plus. Sinon que la photographie a l'air, si l'on s'en tient à cette seule image, très conventionnelle...

Maïwenn - Johnny Depp, des amants contrariés

Dans son film, Maïwenn incarne le rôle-titre, Jeanne du Barry, la dernière maîtresse de Louis XV. Le film, qui se présente donc sous la forme d'un biopic, couvre une bonne partie de la vie de la courtisane, jusqu'à sa décapitation par guillotine le 9 décembre 1793. Sa relation avec Louis XV est une composante essentielle de Jeanne du Barry, et on peut se réjouir à l'idée de voir l'acteur américain et l'actrice-réalisatrice française se donner la réplique. Ils le feront à l'écran entourés d'un solide casting. Une distribution constituée entre autres de Pierre Richard, Melvil Poupaud, Noémie Lvovsky, India Hair et Benjamin Lavernhe.

Malheureusement, comme il a été rapporté, l'ambiance aurait été tout sauf au beau fixe pendant le tournage. Celui-ci est aujourd'hui terminé, après s'être étendu sur 11 semaines, notamment au Château de Versailles et au Château de Vaux-le-Vicomte. Actuellement en post-production, on peut envisager de découvrir Jeanne du Barry durant le premier semestre 2023.

Winnie the Pooh, Blood and Honey : un film qui fait parler

Relativement méconnu jusqu’à présent, Rhys Frake-Waterfield fait parler de lui avec son nouveau film, Winnie the Pooh: Blood and Honey. Car le réalisateur a tenté le pari de revisiter l’un des personnages les plus iconiques des histoires pour enfants, Winnie l’ourson, en le mettant au centre d’un film d’horreur. Dans cette histoire originale, ce dernier est transformé en tueur avec son ami Porcinet après avoir été abandonné par Christopher Robin…

Blood and Honey n’a pas encore été dévoilé. Il sortira le 15 février 2023 aux États-Unis, et on ne sait pas si un distributeur le proposera dans les salles françaises. Mais la sortie de sa bande-annonce, en août dernier, a déjà provoqué de très nombreuses réactions sur les réseaux sociaux. De nombreux utilisateurs ont avoué avoir peur que le film ruine leur enfance. Avant même la sortie de son long-métrage, Rhys Frake-Waterfield a donc réussi la première partie de son pari, en créant un énorme buzz autour de lui avec cette bande-annonce. Et il ne compte pas s’arrêter là.

Rhys Frake-Waterfield enchaîne avec Peter Pan

Comme le rapporte le Daily Mail, le réalisateur de Blood and Honey veut proposer une nouvelle relecture de l’histoire de Peter Pan après celle de Winnie l’ourson. Cette fois, le long-métrage s’intitulera Peter Pan’s Neverland Nightmare. Et ce projet est déjà bien avancé. Car d’après IMDb, le film est d’ores et déjà en tournage.

Cette fois, il s’agira de la deuxième incarnation du héros créé par J. M. Barrie en tant que méchant, après celle de Robbie Kay dans Once Upon a Time. Mais le Peter Pan de Rhys Frake-Waterfield devrait aller encore plus loin en étant donc le principal protagoniste d’une histoire d’horreur. Nul doute que le film va encore beaucoup faire parler lorsque ses premières images seront dévoilées…

Une suite à Blood and Honey également en préparation

Peter Pan’s Neverland Nightmare n’a pas encore de date de sortie. Mais si le tournage est aussi rapide que celui de Blood and Honey, il sortira peut-être d’ici la fin de l’année 2023. Car les prises de vues de ce long-métrage n’ont duré que dix jours. Et selon The Hollywood Reporter, le buzz créé autour du film sur Winnie l’ourson a également poussé son réalisateur à voir plus grand pour cette histoire. Rhys Frake-Waterfield travaille ainsi actuellement sur une suite.

Avatar, La Voie de l'eau : Neytiri et Jake enfin de retour

13 ans après le premier volet, il ne s'agit plus que d'une question de jours avant de pouvoir enfin découvrir Avatar : La Voie de l'eau. Tandis que les spectateurs ont vieilli, assistant notamment à la montée en puissance puis à l'effondrement de la 3D popularisée par James Cameron dans les salles obscures, les personnages ont eux aussi pris de l'âge dans cette suite tant attendue.

Le long-métrage est censé débuter une dizaine d'années après le premier opus, qui trône toujours en haut de la liste des plus gros succès avec ses 2,9 milliards de dollars de recettes mondiales. Si les éléments du synopsis sont révélés au compte-gouttes, on sait que Neytiri (Zoe Saldana) et Jake Sully (Sam Worthington) voient leur existence paisible sur Pandora menacée lorsque la Resources Development Administration fait son retour sur Pandora.

Pour protéger leur peuple et leur planète, le couple va de nouveau devoir affronter l'organisation non-gouvernementale ainsi que le terrible Miles Quaritch (Stephen Lang). Les héros devront pour cela quitter leur habitat et unir leurs forces à celles d'un autre clan, les Metkayina, menés par Ronal (Kate Winslet) et Tonowari (Cliff Curtis). Sigourney Weaver, Jamie Flatters, Michelle Yeoh, Giovanni Ribisi, Jermaine Clement, Edie Falco et Bailey Bass complètent la distribution du film qui vient de s'offrir une nouvelle bande-annonce.

Une odyssée familiale qui s'annonce bouleversante

Kiri, Neteyam et Lo'ak, les enfants de Neytiri et Jake, sont au centre de ces images somptueuses, qui dévoilent également l'univers marin dans lequel se déroule la majeure partie du long-métrage. Un cadre qui permet à James Cameron de développer tout un pan inédit de Pandora et d'introduire de nouvelles créatures.

L'identité du cinéaste se ressent par ailleurs à travers les exosquelettes déjà présents dans le premier, que les Na'vi combattront dans des scènes visiblement épiques. Si cette bande-annonce donne un aperçu des scènes d'action du film, elle se focalise avant tout sur l'odyssée familiale des héros. Un parcours apparemment bouleversant, marqué par des séparations et peut-être la mort, comme le sous-entend l'un des personnages en voix off. Pour le découvrir, rendez-vous dès le 14 décembre prochain au cinéma.

À l'ouest rien de nouveau : le film de guerre percutant à voir sur Netflix

Depuis sa mise en ligne le 28 octobre dernier, À l'ouest rien de nouveau se trouve en tête du top 10 des films les plus regardés sur Netflix. En France comme dans le monde, il occupe la première place des longs-métrages non-anglophones avec plus de 31 millions d'heures visionnées.

Il s'agit de la troisième adaptation en film du best-seller éponyme écrit par Erich Maria Remarque paru en 1929. On y suit un jeune soldat allemand de 17 ans, Paul Bäumer, qui se porte volontaire pour partir au front lors de la Première Guerre mondiale.

Avec ses camarades, il découvre rapidement l'enfer des tranchées et l'horreur de cette guerre qui a coûté la vie à des millions de jeunes hommes. Mis en scène par Edward Berger, le film se montre particulièrement immersif et réaliste lors des scènes de combat. Pour parvenir à un tel degré de réalisme, le tournage s'est fait dans des conditions compliquées pour les acteurs.

L'acteur Felix Kammerer parle du tournage

C'est l'acteur autrichien de 27 ans Felix Kammerer qui a été choisi pour interpréter le jeune Paul Bäumer. Dans une interview donnée au média allemand NetflixWoche, il s'est confié sur le tournage éprouvant de À l'ouest rien de nouveau.

Avant le début des prises de vue, tous les acteurs ont rejoint un boot camp pour se préparer physiquement. Quatre mois avant le tournage, Felix Kammerer s'est souvenu avoir couru dix kilomètres trois fois par semaine pendant quatre mois avec un gilet lesté de dix kilos. Pour se préparer à supporter l'équipement :

C'était trop optimiste. Lorsque nous avons pesé les costumes pour la première fois, pleins de boue et d'humidité, ils pesaient 45 kilos. Et on devait courir avec environ 14 heures par jour.

Une prouesse physique dans un environnement hostile, où la température ne dépassait pas les dix degrés :

Tout ce qui semble épuisant dans le film l'était en réalité. Nous étions vraiment à bout de forces. C'était humide et sale, mes mains et mes bras étaient usés, notamment à cause de l'argile et des grains de sable qui nous griffaient. La température était de 4 à 10 degrés.

Pour découvrir des images du tournage, découvrez la vidéo impressionnante ci-dessous :

Henry Cavill, le Napoleon Solo de Code U.N.C.L.E

Henry Cavill ne sera probablement jamais le James Bond que certains aimeraient voir. Mais on aura au moins eu un aperçu de ce que cela aurait pu donner si la saga 007 était revenu dans les 1960 grâce à Agents très spéciaux : Code U.N.C.L.E (2015). Dans ce film réalisé par Guy Ritchie, et tiré de la série télévisée Des agents très spéciaux (1964-1968), l'acteur incarne Napoleon Solo, un agent de la CIA, obligé de collaborer avec Illya Kouriakine (Armie Hammer), un agent du KGB.

Difficile de ne pas penser à James Bond en voyant Cavill en costume, plus élégant que jamais, et qui joue à fond là-dessus. Car le film est à la fois un hommage à la saga, à la série qu'il adapte, mais surtout à une époque fantasmée, les 60's. Guy Ritchie régale avec Code U.N.C.L.E par son humour et son énergie. Sans oublier la classe des actrices autour des agents, Alicia Vikander et Elizabeth Debicki.

Nouvelle collaboration avec Guy Ritchie

On aurait adoré qu'une suite de Code U.N.C.L.E voit le jour. Malheureusement, le film n'a rapporté qu'un peu plus de 109 millions de dollars pour un budget estimé à 75 millions. Insuffisant pour que Warner ne lance une saga. Ce qui ne va pas empêcher le duo Cavill / Ritchie de se retrouver pour un nouveau film d'action et d'espionnage. Comme annoncé par Deadline, l'acteur aurait rejoint le casting de The Ministry Of Ungentlemanly Warfare, projet projet du cinéaste. L'intrigue ne se déroulera cette fois pas dans les années 1960 mais pendant la Seconde Guerre mondiale.

Inspiré d'événements réels, le film va s'intéresser à la création des premiers commandos britanniques pour combattre les nazis de manière "non conventionnelle". Des soldats qui seront ainsi à l'origine des unités modernes de Black Ops. Henry Cavill sera alors le leader de cette équipe.

En plus de l'acteur, on apprend qu'Eiza González (Ambulance) incarnera un sniper, tandis que Jerry Bruckheimer sera à la production. De jolis noms qui laissent espérer un film rythmé et efficace comme Guy Ritchie en a le secret. On l'imagine facilement aller vers une sorte d'Inglourious Basterds (2009). Mais avant de pouvoir juger du résultat, on pourra retrouver le cinéaste avec la comédie d'action Opération Fortune : Ruse de Guerre, déjà tourné et prévu prochainement. Du côté d'Henry Cavill, l'acteur devrait avoir un emploi du temps chargé puisqu'il a récemment repris son rôle de Superman.

Après American Horror Story

Au même titre que les familles des victimes qui sont montées au créneau, Lionel Dahmer s’est également trouvé choqué par la manière dont Ryan Murphy et Ian Brennan ont abordé les meurtres atroces commis par son fils dans Dahmer : Monstre - L'histoire de Jeffrey Dahmer. Pour autant, et si nous mettons de côté la controverse, le plus grand nombre s’accorde pour dire que l’interprète de Jeffrey Dahmer, Evan Peters, est exceptionnel dans ce rôle de tueur en série.

Devant la palette de rôles que le comédien était déjà parvenue à endosser, saison après saison, dans la série d'anthologie American Horror Story, il est aisé d’imaginer pourquoi Ryan Murphy s’est de nouveau tourné vers lui à l’heure de tourner sa dernière production. Après avoir joué un lycéen tueur dans American Horror Story : Murder House (2011), le mari d’une aliénée dans Asylum (2012-2013), un trépassé reconstitué dans Coven (2013-2014) ou encore un homme-crabe dans Freak Show (2014-2015).

Mais surtout, Evans Peters se glissait déjà dans la peau d'un tueur en série, James Patrick March, dans la saison 5 dénommée Hotel (2015-2016). La performance de l'acteur était hors norme, et la manière d’aborder le meurtre hors du commun. Générique embarrassant, esthétique envahissante, tueurs sanglants et enfants captifs étaient au rendez-vous pour que les morts s’accumulent à un rythme sans précédent.

Dahmer contre Dahmer

Vous l'aviez peut-être oublié, mais au cours de l’épisode 4 de cette saison 5 d'American Horror Story, Evan Peters avait croisé la route de Jeffrey Dahmer. Placé sous le signe d'Halloween, La Nuit du Diable s’ouvre sur le tueur en série Richard Ramirez (Anthony Ruivivar). Mort en 2013, l'homme est convié à la traditionnelle soirée, tout comme l’inspecteur Lowe qui se retrouve attablé avec James Patrick March.

Tous les invités sont des tueurs en série célèbres. « La Demoiselle de la Mort » Aileen Wuornos (Lily Rabe) assiste ainsi à sa treizième Nuit du Diable. Tandis que sont également présents « le clown tueur » John Wayne Gacy (John Carroll Lynch) et le silencieux tueur du Zodiac. Mais également un introverti jeune homme blond qui n’a de cesse de remonter ses lunettes sur son nez… Nous avons nommé, Jeffrey Dahmer !

Ainsi donc March, incarné par Evans Peters, se retrouve face à Dahmer, jadis campé par Seth Gabel. Et ce, lors d’un dîner où il explique avoir tout appris à ces tueurs en série ! Jeffrey Dahmer remercie d'ailleurs le fondateur de l’hôtel, mort il y a quatre-vingt-cinq ans et prénommé « le maître » par ses hôtes, de lui avoir appris à bien retirer la peau des os humains. La fidèle blanchisseuse de March, Hazel Evers (Mare Winningham), amène ensuite un jeune homme drogué à Dahmer. Dans l’espoir qu’il ne le quitte jamais, le tueur lui perfore le crâne à l’aide d’une perceuse avant de déverser de l’acide pour le zombifier.

On peut imaginer que cette séquence aura donné à Ryan Murphy l'idée de faire d'Evan Peters le Jeffrey Dahmer de sa nouvelle série. Dahmer : Monstre - L'histoire de Jeffrey Dahmer est actuellement disponible sur Netflix.

Balle Perdue 2 passe la vitesse supérieure

À une dizaine de jours de sa diffusion mondiale sur Netflix, le film d'action de Guillaume Pierret Balle Perdue 2 s'offre une nouvelle bande-annonce. Celle-ci monte d'un cran l'impatience de voir ce que le réalisateur nous a préparé pour la suite de son succès Balle Perdue. En effet, dans ces nouvelles images, les pneus crissent, les tôles se froissent et Lino (Alban Lenoir) fait parler ses poings. Et autant le dire d'emblée, ça va secouer !

Il est maintenant assez clair que Julia (Stefi Celma) et Lino ne jouent pas le même jeu dans cette intrigue. Et cette intrigue concerne notamment un deal que Marco (Sébastien Lalanne), responsable de la mort du frère de Lino, a passé avec la police. Un deal auquel Moss (Pascale Arbillot), la cheffe de la brigade des stupéfiants, prend part, ce qui ne va pas faciliter la tâche à Lino...

Des ennemis plus costauds

Comme on l'entend de la bouche de Marco, lui et Areski n'étaient que la première ligne d'un groupe plus important de flics corrompus. Lino veut de son côté venger son frère en retrouvant Marco et Areski, quand Julia semble elle avoir un autre objectif. Un objectif qui aurait ainsi à voir avec le mystérieux et inquiétant flic contre lequel Lino lâche un impressionnant "superman punch" ? On aura bientôt cette réponse.

Dans tous les cas, montée sur un son électro des plus énergiques, on peut déjà admirer dans cette nouvelle bande-annonce la grande capacité de Lino à se débarrasser à mains nues de ses assaillants. Ainsi que, séquences "signature" de cette jeune saga, des cascades automobiles stupéfiantes. En bref, de la bagarre, de la vitesse, des coups de feu, une voiture customisée façon Fast & Furious, et un Lino sur les dents qui va tout donner pour arriver à ses fins ! Que demander de plus ?

The Witcher aura une 4e saison, mais sans Henry Cavill

Le 20 décembre 2019, Netflix commençait la diffusion d'une de ses grandes séries : The Witcher. Adaptée de la saga littéraire polonaise d'heroic fantasy Le Sorceleur, The Witcher profite à son lancement d'une popularité déjà mondiale. En effet, avant la série, l'histoire de The Witcher a été adaptée avec succès en une série de trois jeux vidéo, à partir de 2007.

The Witcher raconte l'histoire du sorceleur Geralt de Riv, un puissant mercenaire tueur de monstres, privé a priori d'émotions humaines. Il est dans la série incarné par Henry Cavill, et son destin est lié à ceux des deux autres personnages principaux : Yennefer (Anya Chalotra) et Ciri (Freya Allan). La première saison est un succès, et Netflix enchaîne vite sur une deuxième fournée d'épisodes.

Après les deux premières saisons, la troisième arrivera à l'été 2023. Netflix vient d'annoncer la production d'une quatrième saison, mais avec un sacré twist. Henry Cavill dépose les armes et n'incarnera plus Geralt. Et histoire de gagner du temps, Netflix a aussi donné le nom du nouveau titulaire du rôle pour cette quatrième saison.

Henry Cavill passe le relais à Liam Hemsworth

Henry Cavill a un planning chargé. Il va notamment reprendre son rôle de Superman et sera dans le prochain film de Guy Ritchie The Ministry Of Ungentlemanly Warfare. Des projets incompatibles avec le temps long et l'éloignement de la production de The Witcher, qui se déroule dans plusieurs pays d'Europe. L'acteur a annoncé son départ de la série sur Instagram, tout en déroulant le tapis rouge à son remplaçant : Liam Hemsworth.

Mon aventure en tant que Geralt de Riv a été remplie de monstres et de péripéties et, finalement, je déposerai mon médaillon et mes épées pour la 4e saison. À ma place, le fantastique Mr Liam Hemsworth, reprendra le rôle du Loup Blanc. À la manière du plus grand des personnages littéraires, je passe la flamme avec reconnaissance pour le temps passé à incarner Geralt, et avec l'enthousiasme de voir le point de vue de Liam sur cet homme parmi les plus fascinants et les plus nuancés.

Liam, "good sir", ce personnage a une merveilleuse profondeur, prends plaisir à t'y plonger et voir ce que tu peux y trouver.

C'est une belle opportunité pour l'acteur australien et petit frère de la star Chris Hemsworth. En effet, depuis ses apparitions dans la célèbre saga Hunger Games, Liam Hemsworth ne s'est pas particulièrement fait remarquer. Le rôle-titre de The Witcher lui offrira une exposition mondiale, et il devra ainsi se montrer à la hauteur de son illustre prédécesseur. Petite pression quand même...

plongChristian Bale retrouve Scott Cooper

L'acteur Christian Bale est actuellement dans une séquence de premières. Une première apparition dans le MCU avec son rôle dans Thor : Love and Thunder, et une première fois dans un film distribué directement par Netflix : The Pale Blue Eye. Celui-ci, un thriller policier réalisé par Scott Cooper, sera montré dans quelques salles américaines en décembre 2022, avant une diffusion mondiale sur la plateforme de streaming le 6 janvier 2023.

On peut vite passer sur sa participation dans Thor : Love and Thunder - bien qu'il soit celui qui s'en tire le mieux dans ce très mauvais film -. Mais The Pale Blue Eye mérite toute notre attention (vidéo en tête d'article).

L'acteur et le réalisateur de The Pale Blue Eye se connaissent bien. Ils ont en effet collaboré ensemble pour le drame Les Brasiers de la colère en 2013 et surtout pour le formidable western Hostiles en 2017. Leur troisième collaboration prend donc la forme d'un thriller policier historique. Dans celui-ci, Christian Bale tient le rôle d'Augustus Landor, un enquêteur vétéran chargé d'élucider une série de meurtres à l'académie de West Point. Il est aidé dans cette tâche par un jeune homme qui deviendra plus tard un célèbre écrivain : Edgar Allan Poe (interprété par Harry Melling).

Une ambiance tendue et ténébreuse

Scott Cooper sait parfaitement mettre en scène et en lumière ses récits. C'est d'emblée ce qui saute aux yeux dans ce court teaser de The Pale Blue Eye dévoilé par Netflix. L'ambiance ténébreuse à souhait est ainsi mise largement en avant par rapport à l'intrigue du film. Une intrigue qu'on devine cependant tendue, violente et haletante.

Du froid, de la neige, des roches humides... les somptueuses images d'un hiver dans l'état de New York au 19e siècle sont paradoxalement une invitation chaleureuse à plonger dans une enquête angoissante et mystérieuse. Le duo composé par Christian Bale et Harry Melling s'y annonce brillant. Ils sont soutenus par un très solide casting composé notamment de Gillian Anderson, Robert Duvall, Timothy Spall et Lucy Boynton, ainsi que de Charlotte Gainsbourg.

Chicken Run, plus grand succès d'animation en stop-motion

Si les studios Aardman Animations sont créés en 1972 par Peter Lord et David Sproxton, il faut attendre l'année 2000 pour qu'ils produisent leur tout premier long-métrage : Chicken Run. Après de nombreux courts-métrages, notamment ceux centrés sur Wallace et Gromit qui leur ont offert une renommée mondiale, les studios Aardman se lancent enfin sur grand écran, en association avec DreamWorks Pictures. Et le résultat va dépasser toutes les attentes...

Réalisé par Peter Lord et Nick Park, Chicken Run rencontre un succès planétaire. Ce récit d'évasion de poulets qui prend place en Angleterre dans les années 1950 est un essai triomphal pour les studios Aardman. En plus de critiques dithyrambiques, le long-métrage rapporte plus de 224 millions de dollars au box-office, pour un budget de 45 millions de dollars. C'est encore, à ce,jour, le plus grand succès au box-office pour un film d'animation en volume (avec des objets réels, ndlr).

Depuis, les studios spécialistes du stop-motion ont produit 7 autres longs-métrages. Ils présenteront bientôt Chicken Run 2, intitulé Chicken Run : Dawn of the Nugget et réalisé par Sam Fell. Il est attendu sur Netflix pour 2023.

À l'origine de la création de l'Oscar du Meilleur film d'animation

Depuis leur création en 1929, les Oscars ne distinguaient pas les productions d'animation de celles en prises de vues réelles. Ainsi, à côté des catégories Meilleure chanson originale et Meilleure musique de film, les productions animées pouvaient espérer être aussi nommées dans la catégorie Meilleur film. Ce qui n'était alors arrivé qu'une seule fois, avec La Belle et la Bête en 1992...

De manière inédite, les studios DreamWorks et Aardman font notamment campagne pour le film aux Oscars 2001 dans la catégorie  Meilleurs costumes. En effet, puisque ce sont bien des objets manufacturés à l'écran, pourquoi ne pas récompenser ces admirables créations ? Malgré son plébiscite, le film n'obtient aucune nomination aux Oscars. Et déçus eux-mêmes que le film de Peter Lord et Nick Park ne soit pas nommé dans la catégorie Meilleur film, les membres de l'Académie des Oscars ont alors décidé de créer, l'année suivante, l'Oscar du Meilleur film d'animation.

Ainsi, c'est en 2002 que Shrek, produit par les studios DreamWorks, reçoit la toute première statuette de la catégorie Meilleur film d'animation. Grâce, donc, à Chicken Run. Quant aux studios Aardman, ils remportent l'Oscar de "leur" catégorie en 2006 pour Wallace et Gromit : Le Mystère du lapin-garou.

The Iron Claw : Zac Efron dans la peau de Kevin Von Erich

Récemment à l'affiche de Firestarter et The Greatest Beer Run Ever, Zac Efron tourne actuellement son prochain film. Dans ce long-métrage intitulé The Iron Claw et réalisé par Sean Durkin (Martha Marcy May Marlene, The Nest), le comédien prête ses traits au catcheur Kevin Von Erich. Son père Fritz Von Erich, joué par Holt McCallany dans le projet, a décroché trois titres de champion du monde et a été le propriétaire de la World Class Championship Wrestling.

Le long-métrage racontera le parcours de cette famille d'athlètes, des années 60 à aujourd'hui. Harris Dickinson et Jeremy Allen White incarnent respectivement David et Kerry Von Erich, deux des frères de Kevin. Lily James et Maura Tierney complètent la distribution de ce projet sur l'histoire d'un clan marquée par la réussite mais aussi par plusieurs suicides et un décès accidentel. Parmi les six frères Von Erich, seul Kevin est encore en vie aujourd'hui, âgé de 65 ans.

Le titre original du film, "la griffe de fer" en français, fait référence à la prise emblématique du clan qui consiste à attraper la tête de l'adversaire pour le soulever et le faire tomber sur le dos. Pour le moment, aucune date de sortie n'est prévue pour The Iron Claw. Le Daily Mail a en revanche dévoilé des photos de tournage sur lesquelles Zac Efron apparaît méconnaissable.

Oops!... He did it again

En septembre dernier, le comédien évoquait les ravages de sa préparation physique pour Baywatch : Alerte à Malibu auprès de Men's Health. Une transformation pour laquelle l'acteur s'est astreint à un régime alimentaire drastique et à d'innombrables séances de sport. Une routine épuisante en raison de laquelle il a souffert d'insomnies et de dépression. Zac Efron a déclaré à ce sujet :

Pour toutes les raisons pour lesquelles je pensais que ça serait incroyable, j'étais en fait juste misérable.

Je ne me sentais plus vivant. Je me sentais enlisé et lent.

Néanmoins, la star s'est visiblement relancée dans un challenge similaire pour The Iron Claw. Métamorphosé, Zac Efron affiche une musculature encore plus impressionnante que celle développée pour Baywatch. Une transformation qui colle au physique de Kevin Von Erich, et qui a sans doute dû demander au comédien d'adopter à nouveau une discipline de fer.

Dahmer : une série controversée sur Netflix

Les téléspectateurs raffolent des programmes true crime. Et Netflix l'a bien compris. Sur la plateforme, les contenus mettant en avant des histoires sordides basées sur des faits réels pullulent. Récemment, c'est la mini-série Dahmer créée par Ryan Murphy et Ian Brennan qui a suscité un engouement planétaire.

En quelques jours à peine, le programme inspiré de la vie du tueur en série Jeffrey Dahmer est devenu la deuxième série la plus regardée de l'histoire de Netflix derrière Stranger Things. Pour autant, la mini-série a également suscité la polémique, notamment auprès des familles des victimes.

En effet, plusieurs familles de victimes de celui que l'on surnommait le "cannibale de Milwaukee" ont fustigé le programme. Elles dénonçaient une glorification des meurtres du serial killer, coupable de la mort de 17 jeunes hommes, et regrettaient de ne pas avoir été consultées. De nombreux spectateurs ont également été choqués que le tueur soit ainsi mis en avant dans une mini-série et évoquaient une curiosité morbide malsaine. Même le père de Jeffrey Dahmer songerait à attaquer Netflix en justice.

Ryan Murphy prend la parole

Suite à ces diverses polémiques, Ryan Murphy a décidé de prendre la parole lors d'un récent événement à Los Angeles (via The Hollywood Reporter). Il a notamment confié que, contrairement à ce qui avait été dit, son équipe avait tenté d'entrer en contact avec des familles de victimes :

Pendant les trois ans, trois ans et demi qu'ont duré l'écriture de la série, nous avons essayer d'entrer en contact avec une vingtaine de familles de victimes. Et pas une seule n'a répondu. Nous nous sommes donc énormément reposés sur notre équipe de recherche, qui a fait un travail incroyable. C'était un boulot à temps plein d'essayer de dénicher la vérité.

Le co-créateur de la série a également évoqué la possibilité de payer lui-même un mémorial pour les victimes de Jeffrey Dahmer :

Je le financerais avec plaisir. Il devrait y avoir quelque chose. Nous sommes en train de discuter de ça. Le problème est qu'il est possible que le lieu attire par sa dimension macabre. Mais je pense qu'il faut le faire.

Addict, la nouvelle série originale signée TF1

Ce jeudi 27 octobre, TF1 a dévoilé les deux premiers épisodes de sa nouvelle série originale, Addict. Créée par Gilles Daniel, la fiction suit la vie d’Élodie et Yvan, un couple qui vient d’emménager dans un nouveau quartier. Ils y font alors la rencontre de Bruno, leur voisin. Celui-ci se montre très vite très sympathique envers eux. Mais peu à peu, il dévoile un côté beaucoup plus sombre de sa personnalité. Et lorsqu’Élodie entame une liaison avec lui, elle ne se doute pas de ce qui l’attend…

Pour jouer les principaux personnages d’Addict, les créateurs du show ont choisi de faire confiance à Cécile Bois, Sagamore Stévenin et Medi Sadoun. Ils y incarnent respectivement Élodie, Bruno et Yvan. Mais le personnage d’Élodie a failli avoir un autre visage. Car son interprète a sérieusement hésité avant de finalement décider d’accepter le rôle.

Des scènes très intimidantes pour Cécile Bois

Pour la promotion de la série, Cécile Bois a donné une interview à SudOuest. Et l’actrice y a avoué avoir failli dire non au rôle d’Élodie. Non pas à cause du personnage en lui-même, mais plutôt à cause des scènes intimes auxquelles cette dernière prend part. L’actrice était très intimidée à l’idée de les jouer, elle qui n’avait jamais connu cette expérience auparavant : « J’ai même failli refuser de faire cette série à cause de ça. »

Finalement, Bois a été rassurée par le réalisateur d’Addict au sujet de ces passages. Ce dernier est donc parvenu à la convaincre d’accepter le rôle malgré ses scènes. Et l’actrice avoue que celles-ci n’ont pas été aussi difficiles à tourner que ce à quoi elle s’attendait :

J’en ai beaucoup parlé au réalisateur afin de savoir comment il souhaitait les filmer et ce qu’il en attendait.  Je redoutais ces scènes et, finalement, elles n’ont pas été les plus difficiles.

Encore quatre épisodes avant le dénouement

Au cours de la même interview, Bois a aussi révélé qu’elle ne voyait pas Addict comme un simple thriller. L’actrice a ainsi « essayé de réorienter cette série en comédie romantique pour l’enrichir. » Pour cela, elle a considéré le personnage de Bruno comme « un homme malade » plutôt qu’ « un méchant, pervers manipulateur ».

Quoi qu’il en soit, Addict aura droit à encore quatre épisodes jusqu’à son dénouement. Les troisième et quatrième de la série seront dévoilés le jeudi 3 novembre. Puis, une semaine plus tard, TF1 diffusera l’avant-dernier et le dernier épisode de la série.

Henry Cavill, la base du DCEU

En 2013, Zack Snyder rejoignait l'écurie DC avec Man of Steel. Le film centré sur Superman permettait de relancer le personnage au cinéma et surtout de construire sur ces bases un univers étendu à la manière du Marvel Cinematic Universe (MCU). Le DC Extended Universe (DCEU) est né, avec Zack Snyder a sa tête. Le cinéaste réalisant Batman v Superman (2016), proposant l'histoire de Wonder Woman (2017) ou produisant Aquaman (2018).

Malheureusement, en dépit de scores importants au box-office, le DCEU a toujours eu du mal à proposer quelque chose de clair sur le long terme et à se développer aussi bien que le MCU. Surtout, en 2017, la sortie de Justice League (à l'origine de Zack Snyder) est extrêmement mal reçue par les fans qui estiment que le travail de Snyder a été saccagé par Joss Whedon (venu en renfort pour terminer le projet). Pendant des années une partie du public a réclamé que sorte le montage initial du cinéaste, sa véritable vision, la Snyder's cut de Justice League. Ils auront gain de cause en 2021 grâce à HBO Max.

Depuis, les adeptes de DC espéraient qu'une autre de leur envie soit validée chez Warner Bros. : le retour d'Henry Cavill en Superman. L'acteur a immédiatement convaincu avec Man of Steel mais après "l'échec" de Justice League, le studio américain semblait chercher une nouvelle direction. Jusqu'à ce qu'arrive Black Adam, porté par Dwayne Johnson.

Zack Snyder approuve le retour de Superman

La star a en effet entendu le désir des fans et aurait lui aussi poussé pour un retour de Superman. Cela s'est fait avec une scène post-générique acclamée par les adeptes de DC. Mais également par Zack Snyder lui-même. Le réalisateur s'est lui aussi montré très enthousiaste à l'idée de revoir Henry Cavill dans la peau de Clark Kent. Il a en effet envoyé une vidéo au comédien à l'occasion d'une conversation avec l'acteur organisée par MTV News.

Zack Snyder a d'abord évoqué un souvenir, leur première scène filmée sous fond vert. Il a demandé à Henry Cavill si c'était étrange pour lui de faire semblant de voler en pointant son poing vers la caméra. Avant de le complimenter, le présentant comme "le meilleur Superman" et exprimant sa hâte de retravailler avec lui.

Henry Cavill n'a pas tari d'éloges non plus envers Zack Snyder. Les deux hommes s'apprécient et on espère les voir collaborer à nouveau ensemble. Cependant, pour l'instant, outre le retour de l'acteur dans le rôle, rien d'autre confirmé. Même si on parle d'un Man of Steel 2, Snyder ne serait pas impliqué sur ce projet. Mais étant donné les changements chez Warner Bros. (le départ de Walter Hamada, ancien président de DC Films), et cette déclaration du réalisateur, les fans peuvent encore espérer.

House of the Dragon : une saison 1 prometteuse

Très vite après la fin de Game of Thrones, HBO a eu envie de continuer à porter à l'écran l'oeuvre de George R.R. Martin. Après un premier spin-off avorté sur les marcheurs blancs, la chaîne a finalement commandé un préquel sur les Targaryen, basé sur le roman Feu et Sang. Ainsi le 21 août dernier, le premier épisode de House of the Dragon était diffusé. Et le succès ne s'est pas fait attendre.

Chaque semaine, les téléspectateurs étaient toujours plus nombreux à travers le monde à découvrir les prémices de la guerre de succession qui a déchiré les ancêtres de Daenerys, 200 ans avant sa naissance. Les dix premiers épisodes se sont attachés à raconter la fin du règne de Viserys Ier (interprété par Paddy Considine) et sa décision de nommer sa fille Rhaenyra comme héritière. Un choix qui n'a pas fait l'unanimité dans le Royaume. Et qui a commencé à diviser sa famille.

À sa mort, c'est finalement son fils Aegon qui a été couronné, sans que Rhaenyra ne soit au courant. Une trahison qui déclenchera pour de bon la guerre civile entre les Targaryen, plus connue sous le nom de "danse des dragons".

Cette première saison a été très bien accueillie par les spectateurs et la critique, comme le fut Game of Thrones. Elle ouvre la voie à une possible nouvelle grande série pour HBO. Mais quel est l'épisode qui a été le plus plébiscité ?

La prestation de Paddy Considine impressionne

Les dix épisodes de la saison 1 de House of the Dragon ont reçu d'excellentes notes. Mais il y en a un en particulier qui a marqué les spectateurs. Il s'agit du huitième chapitre intitulé Le sire des marées. Sur IMDb, le site le plus étoffé en matière de notation, l'épisode affiche un joli 9.4 sur 10 avec plus de 40.000 votes à l'heure actuelle.

S'il a fait l'unanimité, c'est en grande partie lié à la performance phénoménale de Paddy Considine dans la peau d'un Viserys à l'agonie.

L'épisode 8 se déroule environ six ans après le 7. La maladie de Viserys s'est aggravée et lui a dévoré une partie du visage. Alors qu'il ne se lève presque plus de son lit, il fait un ultime effort pour protéger le royaume et siège pour la dernière fois sur le trône de fer. Son arrivée dans la salle du trône, rendue douloureuse par la maladie, a bouleversé les spectateurs. Dans la dernière séquence sur son lit de mort, il livre une performance poignante. Cet épisode devrait lui rapporter au minimum une nomination aux prochains Emmy Awards.

Les autres notes

Découvrez ci-dessous le classement des dix épisodes les mieux notés de House of the Dragon (toujours d'après IMDb) :

• Épisode 8 (Le sire des marées) 9.4/10
• Épisode 10 (La reine noire) 9.3/10
• Épisode 6 (Lamarck) 9.2/10
• Épisode 5 (Nous éclairons la voie) 8.9/10
• Épisode 9 (Conseil des Verts) 8.8/10
• Épisode 1 (Les Héritiers du dragon) et Épisode 3 (Aegon le deuxième) 8.7/10
• Épisode 4 (le roi du Détroit) 8.5/10
• Épisode 2 (Le Prince rebelle) 8.4/10
• Épisode 6 (La princesse et la reine) 8.1/10

Étant donné que l'épisode 10 a été diffusé il y a quelques jours à peine, il est possible que le classement évolue. Mais le top 3 ne devrait cependant pas changer.

Matthew Perry publie ses mémoires

C'est ce qu'on peut appeler une belle balayette, bien gratuite. L'acteur et interprète du génial Chandler Bing dans la série culte Friends, Matthew Perry, a eu la bonne idée de publier ses mémoires. Dans celles-ci, il revient sur sa carrière sur les écrans et aussi, de manière étendue, sur son importante toxicomanie. Une somme d'addictions qui ont à plusieurs reprises gravement mis sa santé en danger, mais dont il est heureusement aujourd'hui sevré.

Ainsi, la publication de ses mémoires Friends, Lovers, and the Big Terrible Thing, le 1er novembre, est l'opportunité de tourner une page, voire plusieurs, sur une carrière aussi riche que très chaotique. Et aussi, raconter des anecdotes du monde d'Hollywood et apparemment régler quelques comptes...

À la manière de ses personnages, souvent cyniques et maladroits - d'où le génie de son humour pince-sans-rire -, Matthew Perry s'est ainsi autorisé une déclaration étonnante dans ses mémoires. En effet, sorti de nulle part, il s'en est pris à l'acteur Keanu Reeves. Une déclaration maladroite à double titre. D'abord, aucune inimitié ne leur est connue. Ensuite, sa remarque sur l'interprète de John Wick est inclue dans une forme d'hommage à River Phoenix, duquel Reeves et Perry étaient tous les deux proches...

Keanu Reeves en prend pour son grade

D'un côté, ce genre de déclarations assure une grande publicité au livre et à son auteur. Mais de l'autre, on a connu meilleure publicité... En effet, la pique a priori non-justifiée envoyée à Keanu Reeves pourrait bien se retourner contre son auteur, tant elle arrive comme un cheveu sur la soupe. Lancé dans une réflexion sur ceux qu'il considère être des génies partis trop tôt, Matthew Perry écrit :

La liste des génies en avance sur leur temps est trop longue pour être détaillée ici - on se contera de dire que proche du sommet d'une telle liste devrait être mon partenaire dans "Jimmy Reardon", River Phoenix.

River était un homme magnifique, à l'intérieur comme à l'extérieur - bien trop magnifique pour ce monde, comme il s'est avéré. Il semble toujours que ce sont les mecs les plus talentueux qui disparaissent. Pourquoi est-ce que de vrais penseurs comme River Phoenix et Heath Ledger meurent, alors que Keanu Reeves marche toujours parmi nous ?

Les deux acteurs n'ont jamais travaillé ensemble, et n'ont à peu près rien de comparable. Si la popularité de Matthew Perry liée à Friends est mondiale, il n'y a pas de commune mesure aujourd'hui avec celle de Keanu Reeves, star planétaire des sagas Matrix et John Wick, et personnalité considérée comme "la plus sympathique d'Hollywood". Matthew Perry aurait pu s'arrêter là, après cet étrange aparté sur un acteur dont il juge apparemment le talent limité. Mais, plus étrange encore, il revient à la charge quelques lignes plus loin. Cette fois-ci, c'est au milieu de lignes sur le comédien Chris Farley, décédé en 1997 à l'âge de 33 ans.

"Keanu Reeves marche parmi nous."

La maladie de Chris avait progressé plus vite que la mienne (en plus, j'avais une peur salutaire du mot "héroïne", peur qu'il n'avait pas). J'ai frappé et troué le mur du dressing de Jennifer Aniston quand j'ai appris la nouvelle de sa mort. "Keanu Reeves marche parmi nous". J'ai dû faire la promotion du film "Les Premiers Colons" deux semaines après sa mort. Je me suis retrouvé à parler publiquement de sa mort due aux drogues et à l'alcool. J'étais défoncé durant tout ce moment.

L'attaque n'est pas des plus nobles, étant donné que Keanu Reeves était extrêmement proche de River Phoenix, avec qui il a joué dans My Own Private Idaho. Les déclarations de Matthew Perry, diffusées en avant-première par plusieurs médias comme Variety et le New York Times, ont ainsi agacé pas mal d'internautes, qui ont réagi en nombre pour souligner combien Keanu Reeves ne les méritait pas.

Matthew Perry s'excuse et reconnaît une "erreur"

Face à l'incompréhension générale, Matthew Perry s'est excusé ce mercredi 26 octobre, déclarant dans le magazine People :

En réalité, je suis un grand fan de Keanu. J'ai juste pris un nom au hasard, c'est une erreur. Je présente mes excuses. J'aurais dû utiliser mon propre nom.

Ce rétro-pédalage devrait être apprécié par les très nombreux fans des deux acteurs. Histoire d'oublier d'un côté comme de l'autre cette surprenante balle perdue...

Tous Gégé, tous Butler !

Gerard Butler est de ces acteurs qu'on apprécie particulièrement. Révélé au grand public avec 300 (2007), l'interprète de Léonidas a ces dernières années enchaîné les séries B d'action de manière plutôt fun. En effet, si la majorité de ces productions ne sont pas des chefs-d'œuvre, l'honnêteté avec laquelle Butler les aborde fait toute la différence. Une manière d'assumer le divertissement sans prétention.

On l'a ainsi vu en flic suintant dans Criminal Squad (2018), en commandant de sous-marin dans Hunter Killer (2018) ou encore en tueur à gages dans Copshop (2021) de Joe Carnahan. Également, la très bonne surprise est venue avec le film catastrophe Greenland (2020), aux côtés de Morena Baccarin. Cela sera-t-il le cas avec son prochain film Mayday ? C'est tout ce qu'on espère.

Mayday, le nouveau Jean-François Richet

La bande-annonce de Mayday vient d'être dévoilée (en une d'article). Cette fois, Gerard Butler sera un pilote commercial. Mais les emmerdes le poursuive puisqu'il va se retrouver en pleine tempête avec son avion. Heureusement, le héros parviendra à atterrir et à sauver les passagers. Sauf que, manque de chance, c'est en pleine zone de guerre qu'il pose son engin et se retrouve alors pris en otage avec tous les passagers.

Outre la présence de Gerard Butler et son intrigue qui donne envie, on s'intéresse à Mayday car cela marque le retour de Jean-François Richet. Après L'Empereur de Paris (2018), le réalisateur français revient à une production américaine à l'image de son Blood Father (2016) avec Mel Gibson - une autre série B bien sympathique. Au casting du film, on retrouve également Mike Colter, connu pour avoir incarné le super-héros new-yorkais Luke Cage dans la série éponyme.

Mayday sortira dans les salles le 25 janvier 2023.

Jaula : un point de départ alléchant

Premier long-métrage en tant que réalisateur d'Ignacio Tatay, Jaula débute par une nuit tranquille, qui bascule quand Paula (Elena Anaya) et Simón (Pablo Molinero) frôlent l'accident de voiture. Le couple s'arrête subitement lorsqu'il aperçoit une petite fille en pyjama marcher le long de la route. Prénommée Clara (Eva Tennear), cette enfant montre des signes d'hostilité et refuse de parler.

Paula et Simón l'accueillent chez eux pour tenter de la faire sortir de son mutisme. La fillette s'ouvre à eux petit à petit et ses parents adoptifs comprennent qu'elle n'accepte de se déplacer que dans un chemin tracé à la craie. Un comportement qui ne laisse évidemment pas Paula indifférente. Elle se met donc à enquêter sur son passé pour découvrir les sévices dont Clara a été victime et qui l'ont traumatisée.

Ignacio Tatay signe le script de ce thriller au côté d'Isabel Peña. Cette spécialiste du genre est connue pour sa collaboration avec Rodrigo Sorogoyen, avec lequel elle a travaillé sur Que Dios nos perdone, El reino, Madre, la série Antidisturbios ou encore As bestas. À la production de Jaula, on retrouve notamment Álex de la Iglesia, réalisateur de 800 balles, Le Crime Farpait et Les Sorcières de Zugarramurdi.

Une intrigue à trous

Jaula n'a malheureusement ni la précision et l'intensité des films de Rodrigo Sorogoyen, ni la folie de ceux d'Álex de la Iglesia. S'il parvient à emporter rapidement le spectateur grâce à son point de départ mystérieux, le long-métrage tourne malheureusement vite en rond. Se focalisant avant tout sur le comportement de Clara, le thriller ne développe pas suffisamment la vie du quartier résidentiel de Paula et Simón, qui a pourtant une importance capitale dans les révélations finales. Les personnages semblent constamment observés et jugés par leur entourage mais Jaula creuse à peine cette idée.

Ignacio Tatay n'explore pas non plus certaines thématiques en profondeur, à l'image du désir de maternité de Paula, brillamment incarnée par Elena Anaya, qui porte le film à bout de bras. Et lors du dénouement, des flashbacks et des ellipses rendent le récit confus. Plusieurs questions restent en suspens, ce qui laisse un véritable sentiment de frustration.

N'étant pas suffisamment étouffant malgré son cadre réduit et ne s'attardant finalement que très peu sur l'élément que Clara décrit comme "le croque-mitaine", Jaula est un thriller anecdotique. Meux vaut (re)voir Room et Captives, nettement plus entraînants et dérangeants.

Jaula est disponible sur Netflix.

Le film Avatar 2 prépare sa sortie

Avec la sortie d'Avatar 2 en ligne de mire (le 14 décembre 2022), l'équipe du film et son réalisateur James Cameron viennent d'entamer la promotion de cette suite au succès phénoménal de 2009. Attendu comme une nouvelle révolution cinématographique, les enjeux autour du nouvel opus de la saga épique de science-fiction sont très importants. C'est ainsi dans les pages du journal The New York Times que le cinéaste, accompagné de ses acteurs principaux Zoe Saldaña, Sam Worthington et Sigourney Weaver, se sont ouverts sur Avatar 2.

Les questions, variées, abordent des aspects techniques comme des points plus personnels. Et c'est au détour d'une question sur le fait d'avoir des enfants que James Cameron a surgi les deux pieds décollés du sol pour tacler les films siglés Marvel et DC.

"C'est à vous que je m'adresse, Marvel et DC"

James Cameron est un génie des métiers techniques du cinéma, mais il sait aussi que sans les personnages et leurs développements, toute réalisation aussi spectaculaire soit-elle n'est qu'une coquille vide. L'histoire familiale de la saga Avatar, avec le couple de parents formé par Jake et Neytiri, est ainsi au centre dramatique de sa création et son évolution est fondamentale. Alors, à la question de savoir si être père de famille a changé son rapport au risque, James Cameron répond mais passe vite à sa conception d'un bon personnage.

Oui, j'ai été plutôt casse-cou dans ma jeunesse, et il y a beaucoup de risques que je ne prendrais pas aujourd'hui. Je vois un un peu de ça chez mes propres enfants, et on n'évoque pas certaines choses avant un certain âge. Mais il est certain qu'avoir des enfants change toutes vos perspectives.

Je veux aussi faire ce que les autres ne font pas. Quand je vois ces grands films spectaculaire - c'est à vous que je m'adresse, Marvel et DC -, peu importe l'âge des personnages, ils se comportent tous comme s'ils étaient des étudiants. Ils ont des relations, mais pas vraiment. Ils ne raccrochent jamais parce qu'ils auraient des enfants. Cette chose qui nous remet la tête sur les épaules, nous donne de la force, de l'amour et un objectif ? Ces personnages ne l'expérimentent pas, et je pense que ce n'est pas comme ça qu'on fait des films.

Ouch. Connu pour son franc-parler et ses punchlines, James Cameron a suggéré en quelques mots le peu de bien qu'il pense des films super-héroïques Marvel et DC, actuellement "premier" genre de l'industrie. Difficile de lui donner tort, tant les personnages de ces films ont une fâcheuse tendance aux relations interpersonnelles puériles et sans gravité.

"Il faut que les acteurs puissent s'inspirer leurs expériences personnelles"

James Cameron développe ensuite sa réflexion en partant de la dynamique parentale qu'il a explorée au cours de sa filmographie.

C'est une question qui porte sur ce que fait un scénariste et réalisateur. J'ai appris qu'il faut avoir des éléments auxquels peuvent s'accrocher les acteurs, il faut qu'ils puissent s'inspirer de leurs expériences personnelles. Je savais quand j'écrivis cette histoire que Sam et Zoe étaient de jeunes parents et que ça résonnerait en eux. Et par ailleurs si vous vous adressez à un jeune public, il faut que ceux-là puissent être rassurés sur le fait que ces enfants, sur une autre planète, 200 ans dans le futur, vivent les mêmes galères qu'ils vivent en ce moment.

L'air de rien, en invoquant cette règle d'écriture qui concerne l'authenticité d'une sensation et de son interprétation, James Cameron pique encore les films du genre super-héroïque - dont la recette vise un public de jeunes adolescents et de jeunes adultes -, suggérant en effet que l'identification aux personnages ne peut donc y être que superficielle...

The Guardians of the Galaxy Holiday Special : le nouveau Marvel Studios Special Presentation

Après avoir mis en scène les deux premiers volets de la saga Les Gardiens de la Galaxie, James Gunn est de retour derrière la caméra pour diriger The Guardians of the Galaxy Holiday Special. Attendu le 25 novembre prochain sur Disney+, ce film de 40 minutes est une nouvelle proposition Marvel Studios Special Presentation. La deuxième à sortir sous ce format, après le récent Werewolf by Night.

The Guardians of the Galaxy Holiday Special est une courte aventure des Gardiens de la Galaxie qui prend place après les événements d'Avengers : Endgame, pendant la période de Noël. Star Lord est toujours aussi triste de la disparition de Gamora. Pour lui remonter le moral, le reste de l'équipe décide d'organiser une virée sur Terre pendant la période des fêtes de fin d'année.

Une première bande-annonce

Même si le film ne dure que 40 minutes, toute l'équipe est au rendez-vous. Chris Pratt (Star Lord), Dave Bautista (Drax), Karen Gillan (Nebula), Pom Klementieff (Mantis), Vin Diesel (Groot), Bradley Cooper (Rocket) et Sean Gunn (Kraglin) reprennent tous leurs rôles respectifs pour une aventure annexe qui promet d'être décalée et attachante.

Sans surprise, la première bande-annonce axe le ton de la production sur la comédie grand public. Le récit semble se concentrer majoritairement sur Drax et Mantis qui cherchent un cadeau pour leur ami Star Lord. Les deux Gardiens vont se rendre à Hollywood pour retrouver la trace de l'acteur Kevin Bacon. Ce dernier, bien présent au casting, jouera son propre rôle et tentera d'échapper aux Gardiens de la Galaxie. Une blague plutôt drôle qui fait échos à Avengers : Infinity War, dans lequel Star Lord évoque son adoration pour Kevin Bacon.

Difficile de savoir si The Guardians of the Galaxy Holiday Special aura une quelconque incidence sur le reste du Marvel Cinematic Universe (MCU). Peut-être que Gamora fera son grand retour dans ce court-métrage. En tout cas, un certain Michael Rooker devrait également apparaître dans le film, de retour dans la peau de Yondu, certainement au sein de flashbacks. Rendez-vous le 25 novembre 2022 sur Disney+ pour découvrir ça.

House of the Dragon : la saison 1 se termine en beauté

Diffusée depuis le 21 août dernier, House of the Dragon n'a pas tardé à devenir aussi populaire que Game of Thrones. En effet, chaque semaine, les spectateurs étaient toujours plus nombreux devant leurs écrans à travers le monde pour suivre les prémices de la guerre de succession qui a conduit les Targaryen au chaos.

Se déroulant environ 200 ans avant la naissance de Daenerys Targaryen, la première saison de la série HBO s'est achevée en beauté ce lundi 24 octobre (et a battu un record d'audience).

Après la mort du roi Viserys, c'est son fils Aegon qui a été couronné contrairement à son souhait de mettre sa fille Rhaenyra sur le trône de fer. Cette décision a scellé pour de bon les deux camps Targaryen : les Noirs d'un côté emmenés par Alicent (la mère d'Aegon) et Otto Hightower, et les Verts de l'autre, conduits par Rhaenyra et Daemon Targaryen.

Bien que cette dernière refusa dans un premier temps d'entrer en guerre, la mort de son jeune fils Lucerys tué par Aemond Targaryen et son dragon à la fin de l'épisode 10, a fait naître la fureur dans ses yeux. De quoi attendre avec impatience la saison 2.

Le créateur surpris de la popularité de Daemon

Dès la diffusion du premier épisode de House of the Dragon, les spectateurs se sont passionnés pour le personnage de Daemon Targaryen, interprété par Matt Smith. Une fan base très solide s'est même construite, au point que Daemon est aujourd'hui érigé en héros par de nombreux spectateurs.

Un phénomène qui n'a pas échappé au co-créateur de la série, Ryan Condal, et qu'il ne comprend pas vraiment.

J'ai du mal à comprendre. Dès le premier épisode de la série nous avons été clairs sur Daemon : il est fascinant, mais ça n'est pas Ned Stark (...) pour moi il est l'anti-héros de l'histoire. C'est un personnage qui possède une véritable noirceur en lui, dangereux et charmant à la fois. Je m'attendais à ce qu'il déclenche une fascination chez les spectateurs, mais de la même manière qu'un Jaime Lannister ou Oberyn Martell. Je ne pensais pas du tout que les gens allaient l'aduler en héros, et justifier toutes ses actions

a déclaré Ryan Condal au NY Times, avant de mettre en garde les fans de Daemon :

Je vois les aspects héroïque de Daemon, et je comprends que les gens les voient aussi. Il est très charismatique, beau, il chevauche un dragon, manie une épée. Je comprends. Mais si vous le voyez comme Han Solo qui va toujours essayer de faire le bien, vous vous êtes trompés de franchise les gars.

Dans l'épisode 10 de House of the Dragon, la face sombre de Daemon a de nouveau fait surface. Alors que Rhaenyra évoquait la prophétie d'Aegon le Conquérant avec lui, son époux a fait mine de l'étrangler, lui serrant le cou avec une grande violence.

Ce geste peut s'expliquer par sa rancoeur vis à vis de son frère Viserys, qui l'a une nouvelle fois volontairement mis de côté. La prophétie d'Aegon ne se partage qu'entre roi et héritier et Viserys n'a jamais imaginé que Daemon serait le sien.

Direction la Chine pour Astérix et Obélix

Pour son prochain film, Guillaume Canet a décidé de se montrer plus ambitieux que jamais. Après Lui (2021), tourné en seulement quatre semaines en 2020, avec moins d'une dizaine d'interprètes dedans, l'acteur et réalisateur a pu s'attaquer à un monument de la BD avec Astérix et Obélix : L'Empire du milieu. Avant lui, l'œuvre de René Goscinny et d'Albert Uderzo avec eu droit à plusieurs adaptations en live action. À commencer par Astérix et Obélix contre César (1999) avant qu'Alain Chabat n'offre le mémorable Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre (2002). Par la suite, Astérix aux Jeux olympiques (2008) et d'Astérix et Obélix : Au service de Sa Majesté (2012) ont bien moins fait l'unanimité malgré leurs coûts importants.

Dix ans après le dernier film, Guillaume Canet aura donc un peu de pression avec L'Empire du milieu. D'autant plus qu'il s'agit cette fois d'une histoire originale, et non d'une adaptation d'un album d'Astérix et Obélix. Le réalisateur a ainsi imaginé une aventure du côté de la Chine. Suite à un coup d'état, l'Impératrice chinoise est emprisonnée. Sa fille se rend alors en Gaule pour demander de l'aide à Astérix et Obélix. Seulement, dans le même temps, César se verrait bien lui aussi à la tête de ce pays et décide de s'y rendre avec son armée.

Les nouvelles images de L'Empire du milieu

Jusqu'à présent, Obélix avait toujours été incarné à l'écran par Gérard Depardieu. Mais pour L'Empire du milieu Guillaume Canet a décidé de se passer de ses services pour offrir ce rôle à Gilles Lellouche. Concernant Astérix, le réalisateur s'est chargé de jouer le petit Gaulois, après Christian Clavier, Clovis Cornillac et Édouard Baer. On a donc pu découvrir ce qu'allait donner le duo grâce à une première bande-annonce dévoilée en septembre dernier. Mais alors que le film ne sortira pas avant février prochain, un nouveau teaser a été mis en ligne par Pathé (vidéo en une d'article).

On comprend un peu mieux le ton du film, avec des références de notre époque, comme le geste du rappeur Jul fait par Jules César en début de bande-annonce. Et des personnalités dans leur style habituel, comme Jonathan Cohen en roue libre et Zlatan Ibrahimović pour assurer l'action.

On pourra découvrir Astérix et Obélix : L'Empire du milieu, et ses innombrables invités (dont Zlatan Ibrahimović) à partir du 1er février 2023 dans les salles.

Ant-Man : le plus petit des héros

Ant-Man a rejoint le Marvel Cinematic Universe (MCU) en 2015, devant la caméra de Peyton Reed. Après un deuxième volet intitulé Ant-Man et la Guêpe et sa participation à Avengers : Endgame ; le plus petit des héros va revenir dans une troisième aventure en solitaire intitulée Ant-Man et la Guêpe : Quantumania.

Toujours réalisé par Peyton Reed, ce troisième volet est attendu le 15 février prochain dans les salles obscures.

Cette fois, Ant-Man, toujours incarné par Paul Rudd, va avoir fort à faire puisqu'il va se confronter au terrible Kang, introduit sous les traits de Jonathan Majors dans la série Loki. En attendant la sortie du film cet hiver, Marvel Studios vient de dévoiler la toute première bande-annonce de ce nouveau blockbuster. Et ça a l'air totalement dingue !

Une bande-annonce bourrée d'indices

Porté par la musique Goodbye Yellow Brick Road d'Elton John, cette bande-annonce, qui s’inscrit parfaitement dans la continuité des deux premiers films, met l'accent sur les personnages du film. Avec quelques inspirations empruntées à Les Gardiens de la Galaxie, cette nouvelle aventure va emmener nos héros dans le monde quantique.

Cassie Lang, cette fois interprétée par Kathryn Newton (qui succède à Emma Fuhrmann qui était le visage du personnage dans Avengers : Endgame), crée une machine qui emporte toute sa famille dans le monde quantique.

Scott Lang (Paul Rudd), Hope van Dynhe (Evangeline Lilly), Hank Pym (Michael Douglas), Janet van Dyne (Michelle Pfeiffer) et Cassie Lang se retrouvent tous plongés dans ce monde méconnu qui sera donc développé dans Ant-Man et la Guêpe : Quantumania. Se dégage alors un univers visuellement superbe, à la fois féérique et dangereux. Mais évidemment, derrière ce monde coloré et déconstruit, se cache une menace majeure : Kang !

Ce premier trailer met à la fois l'accent sur le personnage de Michelle Pfeiffer qui va se servir de son expérience pour guider sa famille dans le monde quantique ; et évidemment sur Kang, le prochain grand méchant du MCU. Ces premières images suggèrent également que Cassie Lang va être au centre de l'intrigue, pour ensuite l'ajouter aux Young Avengers. Enfin, on peut également apercevoir le tout premier visuel de Bill Murray, toujours dans un rôle tenu secret... Rendez-vous le 15 février 2023 !

House of the Dragon : fin de la saison 1

Après plus de deux mois passés en compagnie des Targaryen, l'heure est venue de les quitter. En effet, la saison 1 de House of the Dragon s'est clôturée ce lundi 24 octobre avec un épisode 10 à la hauteur des attentes des fans.

Après la mort de Viserys à la fin de l'épisode 8 et un quiproquo qui a emmené Alicent à penser que ce dernier avait finalement désigné leur fils Aegon comme héritier, le couronnement a eu lieu durant l'épisode 9. Un moment charnière dans la danse des dragons. C'est au début de l'épisode 10 que Rhaenyra et son époux Daemon ont appris non seulement la disparition de Viserys mais également le couronnement d'Aegon de la bouche de Rhaenys.

Plutôt que de déclencher une guerre sur le champ, Rhaenyra a préféré réunir ses conseillers autour de la table pour évaluer ses options. Elle a finalement choisi d'envoyer ses messagers aux quatre coins du Royaume pour s'assurer que les maisons qui lui avaient prêté allégeance lorsque Viserys l'avait désignée comme héritière lui étaient toujours fidèles. Parmi ses messagers se trouvaient ses deux fils nés de son premier mariage, Jacaerys et Lucerys Velaryon. Ce dernier est envoyé à Accalmie chez lord Borros Baratheon sur le dos de son dragon Arrax.

Une séquence choc

Alors qu'il pense la tâche aisée, il aperçoit l'immense dragon Vhagar dans la cour de la forteresse. Son oncle Aemond, le frère et soutien du roi Aegon, est déjà sur place, en vue de négocier avec les Baratheon. Une dispute éclate entre Lucerys et Aemond, ce dernier réclamant toujours que Lucerys paie pour lui avoir crevé un oeil. Sous les ordres de lord Borros, les deux jeunes hommes quittent Accalmie. Mais Aemond le poursuit dans les airs, avec Vhagar, terrifiant Lucerys qui chevauche un dragon cinq fois moins gros.

Alors qu'il n'a aucune chance contre Vhagar, Arrax désobéit à son dragonnier et fait feu sur l'immense bête, déclenchant la fureur de celle-ci. Malgré les ordres d'Aemond, Vhagar ne fait qu'une bouchée d'Arrax et de Lucerys, sous son regard médusé.

Dans le tome 2 de Feu et Sang écrit par George R.R. Martin, d'où est tirée House of the Dragon, ce duel est également l'événement qui déclenche pour de bon la danse des dragons. Cependant, dans le roman, on comprend qu'Aemond a voulu tuer Lucerys, que ça n'était pas accidentel. Interrogé à ce sujet par Variety, le showrunner de la série Ryan Condal a tenu à s'expliquer :

Les historiens ont conclu qu'Aemond avait voulu tuer Luke, mais je pense qu'aucun d'eux ne pouvaient savoir ce qui s'était passé dans sa tête à ce moment-là (...) ça apporte de la complexité et de la nuance au personnage (...) c'est ce qui m'intéresse.

Accident ou non, la mort de Lucerys a déclenché une fureur jamais vue chez Rhaenyra. Le plan final sur son regard en dit long sur sa détermination à anéantir Les Verts.

Les hostilités débuteront dans la saison 2 de House of the Dragon, dont le tournage devrait commencer début 2023. Si HBO n'a pour le moment pas communiqué de date de diffusion, nous pouvons espérer découvrir les nouveaux épisodes fin 2023, ou début 2024. L'attente va être longue !

The Stranger, "petit polar" et grande sensation

Présenté dans la section Un certain regard au Festival de Cannes 2022, The Stranger est un thriller policier australien, qu'on peut ranger dans la catégorie true crime que Netflix affectionne tant. Réalisé par Thomas M. Wright, il s'agit de son deuxième long-métrage après le drame biographique Acute Misfortune, sorti en Australie en 2019. The Stranger a pour lui deux acteurs au sommet de leur art : Joel Edgerton et Sean Harris. Les deux hommes ont d'ailleurs récemment partagé l'affiche de The Green Knight. On les retrouve ainsi dans The Stranger pour un face-à-face psychologique tortueux et dangereux.

Dans The Stranger, Joel Edgerton incarne Mark Frame, un policier sous couverture. Sa mission ? Gagner la confiance d'Henry Teague aka Pete Morley. Celui-ci est un criminel suspecté de l'enlèvement et du meurtre d'un adolescent il y a huit ans. Pour résoudre ce cold case, la police australienne met en place une fausse organisation criminelle dans le seul but de gagner la confiance d'Henry et lui faire avouer son crime, preuves à l'appui. Mark, père d'un jeune garçon et obligé de se rapprocher le plus possible d'Henry, va souffrir de la charge psychologique que représente sa mission : lui offrir son amitié et gagner sa confiance.

Un polar ultra-noir inspiré d'une histoire vraie

La mise en scène de The Stranger est aride, dans des teintes grises et sombres avec une caméra souvent épaulée et toujours à hauteur d'homme. Une sensation d'étouffement autant que d'inquiétude saisit ainsi vite le spectateur. En bus, dans des voitures, dans un avion, Henry est comme enfermé dans le cadre. Et il ne doit pas s'en échapper, auquel cas le meurtre que la police souhaite élucider ne le sera jamais. Il faut souligner, en plus d'une réalisation qui tire le meilleur de son économie de moyens, une performance majeure de Sean Harris.

Comme de coutume, dans ce format true crime, c'est en effet l'antagoniste et bad guy qui dispose d'une large marge de manoeuvre pour incarner la folie criminelle. Avec peu de mots, d'une présence glaçante malgré son apparente absence au monde qui l'entoure, l'acteur célèbre pour son rôle de Solomon Lane dans Mission Impossible : Rogue Nation et Mission Impossible : Fallout est absolument saisissant. Face à lui, Joel Edgerton livre lui le portrait psychologique complexe et douloureux d'un policier engagé dans une telle manipulation. Et quand ni lui ni Joel Edgerton ne sont à l'image de The Stranger, c'est pour explorer la tension du côté des autorités, où la détective Kate Rylett (Jada Alberts) supervise cette importante enquête.

The Stranger, disponible sur Netflix depuis le 19 octobre 2022, s'inspire d'une histoire vraie. Il est en effet basé sur le livre The Sting: The Undercover Operation That Caught Daniel Morcombe's Killer. Celui-ci fait le récit de l'enquête de la disparition et le meurtre du jeune Daniel Morcombe, un des faits divers les plus retentissants dans l'histoire contemporaine australienne.

Black Adam : le 11ème film du DCEU

Si on met de côté la Zack Snyder's Justice League, Black Adam est le 11ème film du DC Extended Universe. Réalisé par Jaume Collet-Serra (La Maison de cire, The Passenger, Instinct de survie), le long-métrage raconte les aventures de Teth Adam qui, il y a plusieurs millénaires, a reçu les mêmes pouvoirs que Shazam. Libéré de sa prison antique, Black Adam se réveille dans un monde moderne très différent de ce qu'il a connu. Un monde dans lequel il doit trouver sa place entre le bien et le mal. Le long-métrage marque la deuxième association entre Jaume Collet-Serra et Dwayne Johnson après le récent Jungle Cruise.

Même si le film a reçu des critiques majoritairement négatives, Black Adam a déjà rapporté plus de 140 millions de dollars de recettes au box-office en moins d'une semaine d'exploitation. Un démarrage qui le place, sans surprise, en tête du box-office américain (déjà 67 millions de dollars de recettes lors de son premier week-end d'exploitation).

Une suite déjà d'actualité ?

Emmené par Dwayne Johnson, Black Adam permet donc d'introduire la némésis de Shazam. Cela faisait maintenant de nombreuses années que Dwayne Johnson voulait interpréter un super-héros sur grand écran. Et le choix de Black Adam n'est pas anodin. Avec ce personnage, il veut incarner un anti-héros violent et ambigu, qui cherche à s'éloigner du traitement classique des super-héros. Surtout, il veut par la suite réutiliser le personnage pour le confronter à Superman en personne.

La scène post-générique du film tease évidemment le retour de Black Adam dans le DCEU. Et l'on pourrait apparemment revoir le personnage plus vite que prévu. En effet, Dwayne Johnson a précisé sur son compte Twitter, en réponse au commentaire d'un fan, qu'il travaille d'ores et déjà sur la suite des aventures de Black Adam. La star a ainsi déclaré :

Nous travaillons sur "ce qui va suivre" au moment où j'écris ces lignes.
Restez connectés.

Pour le moment, on ne connaît pas encore l'étendue de l'implication de son personnage dans le DCEU. Mais Black Adam devrait avoir des retombées sur l'ensemble de l'univers DC puisque Dwayne Johnson veut notamment mettre en place un affrontement avec Superman. Reste maintenant à savoir si ce combat iconique va être présenté dans un éventuel Black Adam 2 ou au sein d'un autre film. Affaire à suivre donc.

30 jours de nuit : les vampires envahissent l'Alaska

Adaptation de la bande dessinée éponyme créée par Steve Niles et Ben Templesmith, 30 jours de nuit marque le retour à la réalisation de David Slade après l'éprouvant Hard Candy. Sorti en 2008, ce film d'horreur fait voyager le spectateur dans la petite ville de Barrow, en Alaska, où les habitants s'apprêtent à ne plus voir le soleil pendant un mois. Si certains préfèrent s'en aller pour ne pas se retrouver dans l'obscurité, d'autres restent, comme le shérif Eben Oleson (Josh Hartnett).

Le policier et son ex-compagne Stella (Melissa George), qui n'a pas réussi à quitter la ville à cause d'un accident, sont très vite témoins de plusieurs événements inquiétants après l'arrivée d'un mystérieux étranger (Ben Foster), qui montre des signes d'agressivité et sabote tous les moyens de communication. Ils découvrent très vite que cet homme n'est pas venu seul lorsque des créatures effectuent un véritable carnage dans la bourgade. Pour tenir pendant un mois face à ces vampires menés par Marlow (Danny Huston), les survivants se réfugient dans un grenier. Manquant progressivement de vivres, ils élaborent un plan pour tenter de s'en sortir...

Alors que l'acteur est à l'époque la coqueluche d'Hollywood, 30 jours de nuit est le dernier projet marquant de Josh Hartnett au cinéma à la fin des années 2000. Révélé par The Faculty, Virgin Suicides ou encore Pearl Harbor, le comédien se fait par la suite nettement plus discret, continuant de tourner dans des projets plus modestes et dont la plupart passent inaperçus.

"Je ne faisais confiance à personne"

Josh Hartnett recommence à faire parler de lui à partir de 2014 avec l'excellente série Penny Dreadful, dans laquelle il donne la réplique à Eva Green et Timothy Dalton. À l'époque, l'acteur évoque sa mise en retrait remarquée auprès du magazine Details. Cité par Us Weekly, il déclare :

Je faisais la couverture de tous les magazines. Je ne me sentais pas bien dans ma peau, j'étais seul, je ne faisais confiance à personne.

S'il décide de renoncer à sa place de choix dans l'industrie hollywoodienne, c'est parce qu'il vit mal certaines expériences, à commencer par le tournage de Hollywood Homicide, pendant lequel il a beaucoup de mal à s'entendre avec Harrison Ford. Le comédien comprend qu'il ne veut pas être une star de ce calibre, comme il le confie à Mr Porter en 2021 :

J'ai décidé d'avoir une vie. (...) Cela a toujours été mon principal objectif. (...) Les gars qui sont tout en haut sont terrifiés à l'idée que quelqu'un arrive derrière eux. Si c'est votre véritable ambition, d'être au top tout le temps, alors vous allez passer toute votre vie à regarder par-dessus votre épaule. Je n'ai jamais voulu ça. Je veux faire du bon travail avec des gens que j'apprécie et passer mon temps libre avec des gens que j'aime.

Le refus de plusieurs rôles emblématiques

À son apogée, John Hartnett est par ailleurs approché pour incarner deux célèbres super-héros : Superman et Batman. Concernant le premier, l'acteur se souvient auprès de Mr Porter :

À l'époque, c'était évident pour moi de refuser. On me proposait des films de très grands réalisateurs. Et Superman était un risque. Oui, il y avait beaucoup d'argent en jeu, mais ce n'était pas une fin en soi.

Le comédien se montre plus nuancé lorsqu'il aborde le fait de ne pas avoir tourné pour Christopher Nolan, avec lequel il parle du Chevalier Noir au cours d'une discussion, d'après The Guardian. Cité par El País, Josh Hartnett ne masque pas ses regrets, affirmant à ce sujet :

J'ai définitivement dit non aux mauvaises personnes. J'ai dit non parce que j'étais fatigué et que je voulais passer plus de temps avec mes amis et ma famille. C'est mal vu dans cette industrie... J'ai appris ma leçon quand Christopher Nolan et moi avons parlé de Batman.

Il ajoute auprès de The Guardian :

Ils me regardaient comme quelqu'un qui avait mordu la main qui m'avait nourri. Ce n'était pas ça. Je ne l'ai pas fait pour être récalcitrant ou rebelle. (...) J'ai essayé de trouver des plus petits films et en faisant ça, j'ai coupé les ponts avec les gros studios parce que je ne participais pas à leurs projets. Nos objectifs n'étaient pas les mêmes.

Des années plus tard, Josh Hartnett a bel et bien pu collaborer avec Christopher Nolan. L'acteur fait partie de la distribution phénoménale d'Oppenheimer aux côtés de Cillian Murphy, Emily Blunt, Florence Pugh, Matt Damon, Robert Downey Jr., Gary Oldman ou encore Kenneth Branagh.

Dahmer, la série qui ne laisse pas indifférent

Le 21 septembre dernier, Netflix a mis en ligne la nouvelle création de Ryan Murphy et Ian Brennan, Dahmer : Monstre – L’histoire de Jeffrey Dahmer. La mini-série s’intéresse au tueur en série surnommé « le cannibale de Milwaukee », qui a assassiné dix-sept personnes de 1978 à 1991. Depuis son lancement, elle s’est révélée être un gros succès pour Netflix.

Elle a même battu le record de la série la plus vue de la plateforme de streaming en l’espace d’une semaine. Et est devenue le deuxième show anglophone le plus regardé de l’histoire de Netflix derrière Stranger Things.

Mais si Dahmer a obtenu de très gros scores d’audience, la série n’est pas pour autant la plus populaire de la plateforme. Loin de là. Depuis sa sortie, de nombreux abonnés l’ont critiquée, l’accusant notamment de glorifier la violence de son personnage central. Certains membres des familles des victimes du tueur, dont le cousin d’Errol Lindsey, sont aussi montés au créneau pour protester. Et même le propre père du tueur est en colère contre la création Netflix.

Le père du tueur veut porter plainte

The Sun nous apprend ainsi que Lionel Dahmer, le père de Jeffrey, a demandé des conseils juridiques pour potentiellement porter plainte contre Netflix. Il accuse lui aussi la création de Ryan Murphy et Ian Brennan de glorifier les meurtres de son fils. Et il en veut au service de streaming de ne jamais l’avoir contacté pour la série polémique qui cartonne sur la plateforme.

Mais il est aussi en colère contre un documentaire sur son fils. Réparti en trois épisodes d’une heure et également produit par Netflix, ce dernier s’intitule Jeffrey Dahmer : Autoportrait d'un tueur. Il contient entre autres des vidéos d’interviews entre « le cannibale de Milwaukee » et son avocate réalisées avant son procès. Et Netflix n’a pas non plus demandé la permission à Lionel Dahmer avant d’utiliser ses vidéos.

Plus d’un mois après sa sortie, Dahmer continue donc de faire parler d’elle. La série ne cesse de susciter la polémique et de se mettre à dos des personnes directement impactées par les meurtres du tueur en série…

House of the Dragon, les prémices de la Danse des Dragons

Lancée le 21 août sur HBO, la série House of the Dragon vient de conclure sa première saison ce 24 octobre. Durant dix épisodes, le public a pu découvrir la famille Targaryen, à la tête de Westeros, le royaume imaginé par George R. R. Martin. Emmenée par le roi Viserys Ier, la famille va au fur et à mesure se briser en raison du désir des uns et des autres de succéder au roi sur le Trône de fer. Se sont alors formés deux clans. D'un côté celui de Rhaenyra, la fille de Viserys et héritière désignée, et de l'autre celui d'Alicent, l'épouse du roi.

Cette dernière a, dans les derniers épisodes, supposé que Viserys, juste avant sa mort, lui donnait sa bénédiction pour mettre son fils Aegon sur le trône. Un quiproquo malheureux, puisqu'en réalité le roi, pensait s'adresser à sa fille Rhaenyra en évoquant le rêve de leur ancêtre Aegon le Conquérant. Résultat, à la mort de Viserys, le vrai visage des proches d'Alicent s'est révélé au grand jour et tout a été parfaitement orchestré pour le couronnement d'Aegon. C'était sans compter sur Rhaenys qui parvient à s'échapper de Port-Réal et à retourner auprès de Rhaenyra pour lui annoncer la triste nouvelle. Et c'est donc sur cette dernière que se focalise l'épisode 10, et sur les préparations de sa riposte.

L'histoire de la saison 2

Il y aura évidemment une saison 2 d'House of the Dragon. Si on se base sur l'œuvre de George R. R. Martin, on sait que la guerre, la Danse des Dragons, débute l'année de la mort de Viserys, en l'an 129. Le combat ne va donc pas tarder entre les Noirs, partisans de Rhaenyra, et les Verts, qui suivent le roi Aegon. Une guerre relativement courte puisqu'elle s'achève dès l'an 131. Mais le conflit fera de nombreux morts en impliquant des dragons légendaires.

À ce sujet, le showrunner Ryan Condal a donné des détails sur cette saison 2 d'House of the Dragon. Interrogé par le Times (via Deadline), il a logiquement confirmé qu'il y aurait "davantage de spectacle". La première saison servant avant tout à développer les personnages pour permettra au public de s'investir. Dans cet esprit, Condal a également affirmé (cette fois via Variety) que la série allait nous emmener dans de nouveau lieux et s'étendre dans tout Westeros.

Nous avons été pendant un moment dans trois mondes différents : Port-Réal, Peyredragon et Lamarck. Je pense que ces lieux continueront d'être à la base de la série. Mais une guerre approche qui nécessite des allégeances de différents royaumes et armées sur toute la carte de Westeros.

Mais alors que la guerre dure normalement deux ans, cela ne signifie pas qu'House of the Dragon suivra le rythme d'une année par saison. HBO compte, a priori, faire durer davantage son show. Il n'y aura donc plus de bonds dans le temps, comme c'était le cas en saison 1. C'est ce qu'a affirmé le showrunner en expliquant (via TV Line) que l'histoire se déroulerait "en temps réel à partir de maintenant". Ce qui ne va pas dire que les prochains épisodes seront avares en événements importants. Le créateur a également comparé la suite à la partie intermédiaire de Game of Thrones, avec un rythme plus lent et des tragédies importantes.

Enfin, même s'il promet du spectacle, Ryan Condal a évoqué la volonté des scénaristes d'amener des moments de légèreté dans House of the Dragon - comme on pouvait avoir dans Game of Thrones avec Tyrion Lannister. Il pointe pour cela Daemon, estimant que "Matt Smith est très drôle". Son personnage, jusqu'à présent plutôt sérieux et violent, pourrait donc montrer un autre visage dans le futur.

Quelle date pour la saison 2 ?

La saison 2 n'a pas encore de date de sortie. Néanmoins, aux dernières nouvelles (via Variety), le tournage devrait débuter début 2023. Ce qui rend difficile une diffusion fin 2023. D'après Ryan Condal, cela reste "à déterminer". Puis, Casey Bloys, directeur des contenus HBO et HBO Max s'est exprimé à ce sujet auprès de Vulture, et a affirmé qu'il ne fallait pas s'attendre à voir d'autres épisodes en 2023. Ce qui nous mène donc à 2024 pour la saison 2. Rappelons qu'House of the Dragon saison 1 a tout de même nécessité de longs mois de tournage et pour la création des effets spéciaux. Il faudra là encore du temps pour tout mettre en boîte, comme a insisté Casey Bloys.

Nous commençons tout juste à élaborer le plan et, comme la dernière fois, il y a beaucoup d'inconnus. (...) Vous ne voulez pas annoncer que ce sera prêt à une date pour ensuite devoir la déplacer.

En attendant, toute la saison 1 d'House of the Dragon est disponible sur OCS.

Kevin Spacey, les nombreuses accusations d'agressions sexuelles

En quasiment un claquement de doigts, Kevin Spacey est passé de grande star hollywoodienne à persona non grata. Jusqu'en 2017, l'acteur avait tout pour lui, portant notamment la série à succès House of Cards. Puis vint l'affaire Harvey Weinstein, et les langues ont commencé à se délier sur des personnalités d'Hollywood (entre autres). Parmi elles, Kevin Spacey donc, accusé en octobre 2017 de harcèlement sexuel et d'agressions sexuelles. Le premier à avoir porté ces accusations fut Anthony Rapp. D'après lui, le comédien aurait tenté d'abuser de lui dans son appartement de New York, en 1986, lorsqu'il n'avait que quatorze ans et que Kevin Spacey était âgé de vingt-six ans.

Par la suite, d'autres personnes ont porté des accusations à l'égard de la star pour des faits similaires. De plus, huit employés d'House of Cards ont pointé son comportement inapproprié sur le tournage de la série Netflix. C'est à la suite de cela que la plateforme a décidé de se séparer de la vedette du show - Robin Wright devenant le personnage principal de la saison 6 à sa place. En plus de Netflix, il y a également la production de Tout l'argent du monde (2017) qui a préféré retourner toutes ses scènes en le remplaçant par Christopher Plummer plutôt que de sortir le film avec lui dans un contexte aussi délicat.

Depuis, Kevin Spacey est très peu apparu devant les écrans et a dû faire face aux nombreuses accusations. L'acteur a ainsi été condamné, en novembre 2021, à payer 31 millions de dollars à la production d'House of Cards pour combler les pertes financières du show causées par son comportement et son image.

Le verdict du procès face à Anthony Rapp

Si certains procès dont il faisait l'objet ont été abandonnés, il restait celui de son premier accusateur Anthony Rapp. Le verdict a finalement été rendu le jeudi 20 octobre, comme le relaie Variety. Et les conclusions sont cette fois allées du côté de Kevin Spacey. Après délibération, les membres du jury new-yorkais ont estimé qu'il n'était pas prouvé que l'acteur avait "touché le sexe ou une partie intime" d'Anthony Rapp.

Pour la défense de Kevin Spacey, ses avocats avaient notamment mis en avant des incohérences dans le témoignage d'Anthony Rapp et dans sa description de l'appartement de l'acteur. De leurs côtés, les avocats de Rapp ont, dans leur plaidoirie, déclaré que Kevin Spacey était "un prédateur sexuel qui avait profité d'un enfant".

Suite à cette décision du jury, Anthony Rapp, qui réclamait dans cette affaire 40 millions de dollars de dommages et intérêts, s'est exprimé sur les réseaux sociaux. Il a remercié d'abord les membres du jury pour leur service. Puis s'est dit malgré tout satisfait d'avoir pu mettre en lumière son cas, au sein "d'un mouvement plus large autour de la lutte contre toutes formes de violences sexuelles".

Kevin Spacey est toujours poursuivi pour des agressions sexuelles contre trois hommes. Des faits qui remonteraient à une période entre mars 2005 et avril 2013, lorsqu'il occupait le poste de directeur d'un théâtre londonien. L'acteur a plaidé non coupable en juillet dernier.

Christophe Gans prépare un nouveau cauchemar

Silent Hill (2006), réalisé par Christophe Gans, est une adaptation du jeu vidéo éponyme, un survivor horror terrifiant sorti sur Playstation en 1999. Si le long-métrage a d'innombrables qualités, principalement visuelles (Gans a bien retranscrit l'ambiance angoissante du jeu), c'est moins le cas de Silent Hill: Révélation (2012), dirigé lui par M. J. Bassett. Depuis, on espérait qu'un jour Christophe Gans revienne s'attaquer à un nouveau film Silent Hill. Et la bonne nouvelle est finalement arrivée en juin dernier.

C'est à l'occasion de la ressortie dans les salles du Pacte des loups en 4K que le réalisateur nous confiait travailler sur un nouveau Silent Hill. Précisant qu'il s'agissait d'une nouvelle histoire avec des nouveaux personnages, mais toujours dans la ville de Silent Hill. Son idée étant de reprendre le concept anthologique des jeux. Ainsi, ne vous attendez pas à revoir les personnages de Radha Mitchell, Sean Bean, ou encore Jodelle Ferland, qui portaient le premier film.

Plusieurs mois se sont écoulés et les bonnes nouvelles continuent pour ce prochain Silent Hill. Dans la nuit du 19 au 20 octobre 2022, l'éditeur de jeux vidéo Konami a fait une série d'annonces au sujet de la franchise. Notamment, côté jeux, un remake de Silent Hill 2 ou encore un jeu inédit titré Silent Hill f. Mais surtout, le studio a évoqué directement le prochain film qui portera donc le titre de Return to Silent Hill.

Return to Silent Hill, adaptation de Silent Hill 2

Dans une vidéo teaser (en une d'article), Christophe Gans lui-même apparaît pour rappeler le succès du premier film avant d'en dire davantage sur l'histoire du prochain, qui ne sera ni plus ni moins qu'une adaptation du second jeu !

Il s'agit de Silent Hill 2. Le film raconte l'histoire d'un jeune homme qui retourne à Silent Hill, là où il a connu un grand amour. Et ce qu'il va découvrir là-bas sera un pur cauchemar.

Le cinéaste poursuit en évoquant comment "les créateurs ont complètement changé les règles pour ce jeu".

Nous sommes donc de retour à Silent Hill, dans la même ville, mais nous regardons ce monde étrange du point de vue du héros qu'on joue. On se rend compte que Mary a disparu quelque part dans cet étrange endroit.

Outre Christophe Gans, le producteur Victor Hadida (déjà derrière le premier film) intervient également en évoquant lui le mythe d'Orphée comme inspiration, et "jusqu'où un homme peut aller, au plus profond de l'enfer, pour ramener à la vie la personne qu'il aime le plus".

En clair, tout cela est de très bonne augure. D'autant plus avec le soutien "à 100%" de Konami et la volonté de Gans de moderniser Silent Hill 2 tout en restant très fidèle. Et cela passera notamment par les créatures, dont le retour annoncé de Pyramid Head, accompagné de surprises...

Return to Silent Hill est en bonne voie mais ne devrait pas sortir avant 2023.

Harry Potter : une saga mémorable

Le tragique décès de Robbie Coltrane (qui jouait Hagrid) ainsi que les nombreux hommages rendus ont rappelé que les films Harry Potter ont profondément marqué le grand public. La saga basée sur les romans éponymes de J.K Rowling a vu le jour au cinéma en 2001. Soit la même année que le premier volet d’une autre adaptation littéraire : Le Seigneur des Anneaux.

Cependant, à la différence de la trilogie réalisée par Peter Jackson entre 2001 et 2003, la saga retraçant les aventures du petit sorcier n’a jamais reçu les honneurs d’une récompense aux Oscars. Cela ne l’a pas empêché malgré tout de devenir l’une des séries de films les plus populaires et rentables de l’histoire du cinéma. Une franchise devenue si célèbre que ses décors principaux sont devenus depuis 2012 une zone touristique très prisée de Londres.

Les films Harry Potter ont surtout révélé de nombreux acteurs. En effet, parmi eux, on retrouve bien évidemment celui qui joue le rôle principal : Daniel Radcliffe. Ainsi, à 12 ans seulement, il devient une véritable star après le succès d’Harry Potter à l’école des sorciers, premier grand succès de la saga. Repéré par le producteur de la licence David Heyman qui décèle en lui une vraie présence, le comédien britannique grandit et évolue sous les yeux des spectateurs durant 10 ans.

Ayant brillamment réussi la transition post-Harry Potter, Daniel Radcliffe est aujourd’hui un acteur reconnu, pouvant jouer dans tous les genres de films possibles. Toutefois, qu’il le veuille ou non, son image reste toujours associée au sorcier à lunettes. Bien que la saga soit finie depuis plus de 10 ans, les anecdotes de tournage continuent à fleurir. Et ce n’est pas Tom Felton (interprète de Drago Malefoy) qui dira le contraire.

Quand Tom Felton cafte

Récemment, dans l’émission spéciale Retour à Poudlard qui marquait la réunion des acteurs et réalisateurs de la franchise, les fans avaient découvert que Daniel Radcliffe avait eu un crush pour l’actrice Helena Bonham Carter (qui joue l’horrible Bellatrix Lestrange). Lors de leurs retrouvailles dans cette émission, la star de la saga Harry Potter n’avait d’ailleurs pas hésité à lire le contenu de la lettre d’amour qu’il avait rédigée pour elle il y a quelques années.

Toutefois, l’acteur de 33 ans a également eu le béguin pour une autre célèbre actrice. Et pour se rappeler au bon souvenir de la rivalité entre leurs deux personnages respectifs, Tom “Malefoy” Felton n’a pas hésité à afficher son ancien partenaire de jeu.

En effet, d'après Variety, le comédien blond aurait révélé dans ses mémoires que Daniel Radcliffe disposait d’une surprenante aide pour réaliser ses séquences de vol en balai : une photo de Cameron Diaz. Si l’acteur n’a jamais caché son amour de jeunesse pour celle qui s’est révélée dans The Mask, nous ignorions que Radcliffe se servait d’un de ses portraits comme point de repère pour ses scènes aériennes.

Ainsi, Tom Felton précise, qu’étant donné que ce type de séquences se tourne sur fond vert, il est toujours difficile pour un comédien de savoir où poser ses yeux quand il ne vit pas réellement la scène qu'il joue. L'acteur nous apprend donc que Daniel Radcliffe a décidé d'utiliser comme objet personnel une photo de Cameron Diaz pour savoir où maintenir son regard. Une méthode loin d’être malsaine donc, mais terriblement amusante.

Quand Ben Affleck demande Olivier Marchal

Pouvoir associer Olivier Marchal, ex-flic-acteur-scénariste et réalisateur français, à l'acteur-scénariste-réalisateur et producteur américain Ben Affleck, ça n'arrive pas tous les jours. Et la raison de cette association, qui nous ramène à la fin des années 2000, vaut le détour.

Les années 2000 sont fructueuses pour Olivier Marchal qui, en parallèle de sa carrière d'acteur, passe à la réalisation avec trois films : Gangsters (2002), 36 quai des Orfèvres (2004) et MR 73 (2008). De ces trois films, 36 quai des Orfèvres connaît la plus belle carrière. Il rencontre un grand succès populaire et obtient pas moins de huit nominations aux César 2005. Dont trois "personnelles" pour Olivier Marchal : César du Meilleur film, César de la Meilleure réalisation et César du Meilleur scénario original. Le film et son réalisateur se font donc connaître.

Pour Ben Affleck, ce sont des années plus confuses, avec quelques succès mais surtout des échecs cinglants, notamment le tristement célèbre Amours troubles dont il partage l'affiche avec sa compagne Jennifer Lopez, ou encore Daredevil. Dans la tourmente en tant qu'acteur, il sort la tête de l'eau avec sa première réalisation Gone Baby Gone en 2007. Le film est un grand succès critique et permet à Ben Affleck de retrouver un peu de son aura de leading man.

En 2013, son troisième long-métrage Argo obtient trois Oscars, dont celui du Meilleur film, et lui apporte la consécration. Entre Gone Baby Gone et Argo, il s'est aussi distingué avec un polar de très haut niveau : The Town. Un film qu'il co-écrit, réalise et dans lequel il joue. Mais avant de le mettre en scène lui-même, il aurait proposé la réalisation à... Olivier Marchal. On n'invente rien, c'est l'intéressé lui-même qui nous l'a confié (vidéo ci-dessous).

"Moi, réaliser devant lui ?"

C'est lors d'une rencontre avec Olivier Marchal, autour de son nouveau film Overdose (disponible le 4 novembre 2022 sur Prime Video), que le réalisateur a parlé de cette collaboration avortée. À l'évocation de The Town, qu'il classe d'emblée dans "ses films cultes", il se lance alors dans un aparté : "pour la petite histoire..."

"The Town", c'est un de mes films cultes. Pour la petite histoire, mon agent m'avait dit que Ben Affleck cherchait à me contacter, parce qu'il cherchait un réalisateur pour le faire. Et j'avais dit non parce que... sans lire, parce que je parle pas assez bien anglais. Et puis Ben Affleck, pour moi, c'est un monstre de réalisation... Moi, réaliser devant lui ? Il a bien fait de le faire, parce que le film est quand même un petit bijou.

Olivier Marchal à la rescousse ?

En 2008, lorsque le projet d'adapter le roman Le Prince des braqueurs de Chuck Hogan obtient enfin le feu vert des dirigeants de Warner, c'est au terme d'un développement laborieux étendu sur cinq ans. En effet, les différentes versions de scénario proposés par Peter Craig et Chuck Hogan lui-même ne remplissent pas les contraintes imposées par Warner : une durée de 2h maximum et un budget de 37 millions de dollars. Les scénaristes ne parviennent pas à "réduire" leur adaptation et Adrian Lyne, réalisateur désigné du projet, jette l'éponge. C'est alors que les producteurs se tournent vers Ben Affleck, scénariste oscarisé de Will Hunting et scénariste-réalisateur de Gone Baby Gone. Ce dernier ayant été un succès, avec une durée de 1h49 et un budget de 19 millions de dollars.

Un format finalement assez proche de 36 quai des Orfèvres, d'une durée de 1h51 et réalisé pour un budget de 13 millions d'euros... Si Olivier Marchal dit vrai, et il n'y a aucune raison de ne pas le croire, alors on peut faire l'hypothèse que Ben Affleck ait été recruté pour le projet The Town avant tout pour ses compétences de scénariste et sa capacité à proposer une adaptation faisable, en plus d'interpréter le rôle principal. Avec une vue d'abord optionnelle sur la réalisation, il a donc très bien pu proposer The Town à l'ex-flic et réalisateur français, auteur du fameux 36 quai des Orfèvres...

Matrix Resurrections, un quatrième volet 18 ans plus tard

Dix-huit ans après Matrix Revolutions et vingt-deux ans après le premier film, Lana Wachowski dévoile en décembre 2021 le quatrième volet de l’une des sagas de science-fiction les plus célèbres du cinéma. Intitulé Matrix Resurrections, le long-métrage nous replonge dans l’univers aux réalités parallèles. On y retrouve Neo, aux prises avec une Matrice plus sophistiquée et plus puissante que jamais.

Pour mettre en scène cette nouvelle histoire, Lana Wachowski a fait confiance à un casting composé de certains nouveaux venus dans l’univers Matrix. Mais elle a aussi rappelé les interprètes de personnages présents dans les premiers films. On a ainsi pu notamment revoir dans Resurrections Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss ou encore Lambert Wilson. En revanche, Laurence Fishburne n’y est pas présent. Mais, près d’un an après sa sortie, le célèbre interprète de Morpheus a donné son avis sur le long-métrage.

Laurence Fishburne partagé sur le film

Le comédien sera bientôt à l’affiche du nouveau long-métrage estampillé Netflix, L'École du bien et du mal. Et il était présent à l’avant-première pour le promouvoir. Variety a profité de cette occasion pour lui demander ce qu’il avait pensé du dernier volet de Matrix. Et l’acteur a donné une réponse contrastée :

Ce n’était pas aussi mauvais que ce à quoi je m’attendais, mais ce n’était pas aussi bien que ce que j’espérais.

Variety a ensuite demandé à Laurence Fishburne s’il aurait voulu faire partie de Resurrections. Et l’acteur a avoué que ce n’était pas le cas. Il ne semble donc avoir aucun regret de ne pas avoir été rappelé par Lana Wachowski pour rejouer Morpheus. On peut même penser qu’il s’estime heureux de ne pas en avoir fait partie, après le gros échec qu’a subi le film. En plus de son flop au box-office, de nombreux fans de la trilogie originale ont ardemment critiqué Resurrections lors de sa sortie…

Quoi qu’il en soit, les fans de Laurence Fishburne peuvent dès maintenant le retrouver dans L'École du bien et du mal. Réalisé par Paul Feig, le film est sorti ce mercredi 19 octobre sur Netflix.

Notre-Dame, la part du feu : une fiction chorale

Dans l'après-midi du 15 avril 2019, la charpente de Notre-Dame de Paris prend feu. L'incendie s'étend rapidement, provoquant notamment la chute de la flèche ainsi que la destruction des toitures de la nef. Des milliers de badauds se rassemblent et assistent sidérés à l'événement. Pendant près de 15 heures, les pompiers luttent contre les flammes, craignant qu'une partie de la structure puisse s'effondrer. Le lendemain, aux alentours de 10h du matin, l'incendie est totalement maîtrisé.

En mars dernier, le réalisateur Jean-Jacques Annaud dévoile Notre-Dame brûle, long-métrage qui reconstitue heure par heure les faits, offrant un spectacle inégal, certes immersif mais laissant peu de place aux personnages pour exister. Avec la mini-série en six épisodes Notre-Dame, la part du feu, le scénariste et metteur en scène Hervé Hadmar (Pigalle, la nuit, Les Témoins) commence avec une narration similaire mais s'en écarte rapidement pour construire un drame choral, oscillant entre le combat contre le feu et le passé des protagonistes touchés de près ou de loin par l'événement.

À propos de son ambition, Hervé Hadmar a expliqué à Franceinfo :

L'incendie de Notre-Dame, pour moi, fait partie de ces événements qui peuvent nous rassembler. Ils disent quelque chose de notre époque et moi, je suis parti du principe qu'on avait tous un feu intérieur à éteindre. Notre-Dame qui brûle, c'est un peu le symbole de notre société qui crame aussi.

Un casting convaincant

Dans cette galerie de portraits, les spectateurs découvrent celui du général Ducourt (Roschdy Zem), chef des pompiers de Paris sur le point de remettre sa lettre de démission après la mort de son fils lors d'une intervention. Un fils qu'aimait Alice (Megan Northam), qui parvient à convaincre sa supérieure Gabrielle (Caroline Proust) qu'elle est de nouveau prête à agir aux côtés des autres effectifs mobilisés malgré le traumatisme qu'elle est en train de surmonter.

En parallèle, la journaliste Éléna (Alice Isaaz) fait tout pour aller au coeur de l'incendie afin de filmer des images exclusives pour sa chaîne d'information en continu. À deux pas, Victoire (Marie Zabukovec), escort girl toxicomane qui souhaite à tout prix fuir Paris, sauve un petit garçon de la noyade dans la Seine, pendant que son père Max (Simon Abkarian) cherche à renouer le contact avec elle pour lui annoncer une terrible nouvelle.

Sandor Funtek, Frédéric Chau, Victor Belmondo et Kassem Al Khoja complètent cette distribution convaincante. Assumant totalement le côté romanesque et le fait de lorgner vers le mélodrame, Hervé Hadmar s'applique à écrire un parcours à chacun de ses personnages principaux et à les lier entre eux, glissant parfois vers des péripéties téléphonées et une narration confuse. Il n'oublie néanmoins pas l'élément essentiel du récit, proposant une plongée impressionnante dans la cathédrale et rendant hommage à la solidarité des pompiers pour sauver l'un des plus célèbres monuments au monde.

Notre-Dame, la part du feu est à découvrir sur Netflix dès le 19 octobre 2022.

She-Hulk : la pire série Marvel ?

Nouvelle série Marvel disponible sur Disney+, She-Hulk partait initialement avec un bon a priori de la part des fans. En effet, le personnage est assez populaire, dispose d’une propension à briser constamment le 4ème mur (comme le fait Deadpool) et se présente comme l’héritier naturel d’Hulk, au cas où ce dernier quitte le navire. Malheureusement, dès les premières bandes-annonces du show, les critiques ne se sont pas fait attendre. Le principal reproche vient des effets spéciaux, jugés médiocres et indignes d’une production Marvel (qui nous a habitués à beaucoup mieux par le passé). Puis arrive la diffusion et les polémiques qui s’en suivent.

Entre les scores désastreux de la part du public sur Rotten Tomatoes (36% de notes au-dessus de la moyenne, ce qui est le pire résultat réalisé jusqu’ici par une série MCU sur Disney+), une séquence twerk lors de l’épisode 3 qui a fait vriller la twittosphère et un ton très décalé par rapport aux productions Marvel habituelles, She-Hulk n’a clairement pas fait l’unanimité. Et ce n’est pas notre rédaction qui vous dira le contraire.

Pire, son épisode final a plongé dans la perplexité bon nombre d’internautes. En effet, parmi la dizaine d’épisodes de la saison 1, l’épisode final est sans doute le plus complexe à analyser.

Une quantité de fins prévues

Pour rappel, cet épisode final était censé résoudre la plupart des intrigues de la saison. A commencer par la fameuse identité d’Hulkking, un véritable troll d’Internet qui était bien décidé à mener la vie dure à Jennifer Walters et son alter-ego géant. Sauf qu’après une quinzaine de minutes, la protagoniste décide de briser le 4ème mur comme jamais auparavant, estimant que ce season finale n’a aucun sens. She-Hulk se rend donc à Marvel Studios pour rencontrer un certain KEVIN (allusion à Kevin Feige) qui se révèle être une machine. S’en suit une discussion où Jennifer souhaite que certains éléments de cet épisode final soient modifiés. Complexe, on vous a dit…

Dans une interview pour Entertainment Weekly, Tatiana Maslany revient sur cet épisode plus humoristique et méta qu’autre chose. Selon ses dires, une autre fin était prévue. Par ailleurs, l’équipe de la série avait travaillé sur 20 fins alternatives. L’actrice n’en a visionné que deux : celle qui a été retenue, et celle qui a été initialement prévue. Toutefois, selon Maslany, la fin retenue est la plus cohérente, par rapport à l’autre :

Cette version-là était très différente, un peu plus sérieuse et on voyait moins Jennifer. Il y avait plus de She-Hulk, donc c'était beaucoup trop cher. Et puis, il y avait une stratégie différente. Ce que j'aime dans la fin que nous avons choisie, c'est que nous retrouvons Jen avec le sentiment que KEVIN est son collaborateur et son égal, et que ses idées méritent le respect.

Au vu de la tonalité globale du show, ce choix apparaît assez logique. Cependant, on aurait été curieux de connaître plus de détails sur cette fin non retenue. Cela aurait permis un débat plus équitable pour que le public puisse juger par lui-même quel était le meilleur choix à faire.

Une idée de Kevin Feige présente dans l’épisode final

Truffé de surprises, cet épisode final de She-Hulk voit également le retour de Bruce Banner aka Smart Hulk. Toutefois, celui qui était parti sur la planète Sakaar en tout début de série, est revenu avec un surprenant invité : Skaar, son propre fils. Dans l’univers des comics, ce personnage existe réellement et ses aventures pourraient même s’avérer être un intéressant champ d’exploration pour les futures intrigues du MCU. Cependant, dans Entertainment Weekly, la créatrice de She-Hulk, Jessica Gao nous apprend que l’apparition de Skaar dans les dernières minutes de cet épisode est née du cerveau de Kevin Feige, et non d’elle :

Au début, quand nous avons parlé de la façon dont la saison devait se finir, nous nous disions : «Ce serait amusant si nous faisions un caméo à la toute fin de l’épisode, comme le MCU sait le faire. Ce serait trop cool. » Mais on a réalisé que cela dépendait de qui serait prêt à le faire, de sa disponibilité, et qu’au stade de l’écriture, nous n’aurions aucune garantie de leur capacité à le faire. C’est finalement Kevin lui-même qui a décidé que ça devait être Skaar, alors dirigez toutes les futures questions vers lui.

Nul doute qu’au vu de cet épisode final, il aura droit à de nombreuses questions. A commencer par savoir si She-Hulk rejoindra les Avengers au cinéma.

Black Adam : Dwayne Johnson pas très vilain

Après plusieurs divertissements familiaux gentillets, Dwayne Johnson troque les chemises couleur kaki de Jumanji, Rampage : Hors de contrôle et Jungle Cruise contre le costume de Black Adam. Des années après No Pain No Gain, la star est-elle enfin prête à interpréter une nouvelle crapule au cinéma ? Non, évidemment.

Black Adam part d'emblée avec plusieurs excuses pour ne pas être trop méchant, à l'instar de ses concurrents Venom et Morbius qui sévissent faussement du côté de chez Marvel. Ancien esclave du Kahndaq, l'anti-héros a passé cinq millénaires emprisonné après avoir tenté de libérer son peuple et avoir été jugé indigne de ses pouvoirs par les anciens sorciers. Forcément, il est en rogne à son réveil.

Pour calmer la situation, la Justice Society of America se rend sur place. Mais Black Adam ne compte pas se laisser faire par cette équipe composée d'Hawkman (Aldis Hodge), Dr. Fate (Pierce Brosnan), Cyclone (Quintessa Swindell) et Atom Smasher (Noah Centineo).

De la première minute au générique final, le blockbuster respecte son cahier des charges à la lettre, ne s'offrant aucune surprise ni démesure, se reposant simplement sur le charisme de sa tête d'affiche qui enchaîne des poses que son personnage de Be Cool n'aurait pas reniées.

Black Adam tue, mais pas trop longtemps. Le sang coule, mais seulement quelques gouttes. Quant aux seconds rôles, en dehors de Doctor Fate et de Hawkman, ils sont dépouillés de toute évolution intéressante. Censés guider le protagoniste, Adrianna (Sarah Shahi) et son fils Amon (Bodhi Sabongui) ne sont que ses faire-valoir, tandis que Cyclone et Atom Smasher sont uniquement là pour assurer le quota de vannes. Inutile d'évoquer l'antagoniste incarné par Marwan Kenzari, qui finit par se fondre dans le déluge numérique pendant le dernier acte.

L'art du recyclage

Depuis qu'il s'est éloigné de l'horreur après La Maison de cire et Esther, malgré un bref retour au genre avec Instinct de survie, Jaume Collet-Serra s'est trouvé un premier acolyte en la personne de Liam Neeson, avec lequel il a multiplié les thrillers parfois sympathiques mais interchangeables (Non-Stop, Night Run, The Passenger). Pour ses retrouvailles avec Dwayne Johnson, il ne se contente pas de reprendre la formule de Jungle Cruise, préférant plutôt aller piocher chez ses confrères hollywoodiens.

Pour ce qui est du traitement des malédictions et des périples dans des tombeaux, le cinéaste emprunte quelques idées à La Momie de Stephen Sommers. Pour construire une relation entre un anti-héros inadapté et un adolescent doué pour lui apprendre des punchlines, la meilleure source d'inspiration reste bien sûr Terminator 2 : Le Jugement dernier. Enfin, pour l'esthétique désaturée et contrastée ainsi que la passion pour les ralentis, rien de tel que certains films de Zack Snyder, ancien maître d'œuvre du DCEU, à commencer par 300 et sa version de Justice League.

Le long-métrage se suit sans déplaisir, mais sans grand enthousiasme non plus. L'implication de Dwayne Johnson se ressent et l'acteur - qui officie aussi en tant que producteur - a parfaitement compris que certains moments, certaines images et certaines apparitions permettent de susciter un engouement capable de faire oublier la banalité de tout le reste. C'est ce que prouve la scène post-générique, qui fera sans doute plus parler que les deux heures qui la précèdent.

Black Adam de Jaume Collet-Serra, en salles le 19 octobre 2022. Ci-dessus la bande-annonce. Retrouvez ici toutes nos bandes-annonces.

Michael B. Jordan est de retour

Sans Sylvester Stallone, mais avec Michael B. Jordan de retour devant la caméra et pour la toute première fois à la réalisation d'un long-métrage, Creed 3 se dévoile dans une bande-annonce forcément musclée et brutale (à voir en tête d'article). Après s'être défait de Viktor Drago dans Creed 2, Adonis Creed (Michael B. Jordan) vit un rêve aussi bien sur les rings qu'avec Bianca (Tessa Thompson) et leur fille Amara.

Des personnages connus sont notamment de retour, comme la belle-mère d'Adonis (Phylicia Rashad) et son entraîneur Tony "Little Duke" Evers Jr (Wood Harris). Mais le "retour" qui nous intéresse le plus ici, c'est celui d'Anderson Dame. Ce dernier est un ami d'enfance d'Adonis, tout juste sorti de prison et lui aussi boxeur, incarné par un Jonathan Majors transformé physiquement.

Efficace et sans pitié

Pour son premier film en tant que réalisateur, Michael B. Jordan ne semble pas s'embarrasser d'un scénario trop complexe. Mais c'est sans doute ce qu'il lui faut pour faire de ce Creed 3 une réussite. L'histoire est donc simple : sorti de nulle part - enfin de prison - un ancien ami retrouve Adonis. Ce dernier, dont on devine qu'il se sent redevable, lui offre de s'entraîner dans sa salle. Mais Anderson Dame a une rancoeur. Boxeur bodybuildé et ultra-violent, il va se retourner contre Adonis et le défier. Objectif : tout lui prendre et vivre sa vie.

De la rancoeur, une ambiance de vengeance et de comptes à régler, tous les éléments nécessaires pour que ça explose sur le ring. Comme le montrent les images de cette bande-annonce, on aura droit à des séquences de combats où les coups vont pleuvoir et s'abattre comme des enclumes.

Creed 3 arrive dans nos cinémas en mars 2023.

Man of Steel : une saga sans cesse bouleversée

En 2013, la sortie de Man of Steel sonnait comme une envie de DC/Warner de croiser le fer avec Marvel/Disney. En effet, pendant que les Avengers construisaient leurs univers cinématographiques avec des films solos et des films réunion, DC avançait également ses pions pour mettre en chantier la Justice League. Cependant, si le film réalisé par l’ambitieux Zack Snyder et porté par Henry Cavill (dans la peau de Superman) est un énorme succès commercial, la critique ne se montre pas aussi enthousiaste que du côté de Marvel.

C’est dans ce contexte que sort trois ans plus tard Batman v Superman, sorte de Man of Steel 2 mais qui ne l’est pas officiellement. Là encore, le film est un joli succès au box-office. Toutefois, les résultats commerciaux sont en deçà de ce qu’espérait le studio. Surtout, les critiques se révèlent encore plus mitigées que pour Man of Steel.

Dans ce contexte, Warner panique et accumule les mauvais choix, comme en témoignent Suicide Squad et Justice League. On connaît la suite : le projet DCEU patine et les films de super-héros de cette écurie deviennent indépendants les uns des autres. Entretemps, Henry Cavill décroche en 2018 le rôle de Geralt de Riv dans la superproduction Netflix The Witcher. Dès lors, son agenda devient surbooké et il se on l'imagine de moins en moins pouvoir porter à nouveau le costume de Superman.

Mais les fans de l’acteur ont pu pousser un cri de joie lorsqu’ils ont appris que Dwayne Johnson faisait tout pour que son Superman apparaisse dans Black Adam ainsi que dans les futures productions DCEU. D’après The Hollywood Reporter, ce come-back du “Man of Steel” sur grand écran pourrait bel et bien se faire.

DC sens dessus dessous

Selon le média américain, Warner Bros. Discovery souhaite ardemment reprendre le chantier d’un Man of Steel 2. Le film serait produit par Charles Roven et porté par Henry Cavill qui ferait un come-back improbable dans la peau de Superman. Mais ce n’est pas tout. Selon THR, le studio serait à la recherche d’un réalisateur et de scénaristes pour travailler sur ce projet. Et un nom ronflant revient régulièrement pour diriger cette suite : Christopher McQuarrie (qui a travaillé avec Henry Cavill sur Mission Impossible : Fallout). Le boss de la saga Mission Impossible pourra-t-il jongler avec la saga d’espionnage et les films de super-héros ? Il faudra attendre la confirmation du metteur en scène pour le savoir.

THR indique toutefois que Man of Steel 2 pourrait ne pas être le seul film consacré à Superman. En effet, Walter Hamada, le président de DC Films a pour projet d’offrir à son public un Superman noir pour apporter toujours plus de diversité aux films de super-héros. Si ce projet dispose de peu d’informations quant à son intrigue, le média parle de J.J. Abrams à la production.

Entre Dwayne Johnson qui veut que son Black Adam se batte avec Superman, Warner Bros. Discovery qui a envie d'une suite de Man of Steel et le PDG de DC films qui souhaite son Black Superman, nul doute que l’homme à la cape rouge est très sollicité.

Captain America 4 : un nouveau “rôle” pour Anthony Mackie

En 2019, Chris Evans abandonne le costume de Captain America qu’il a porté durant huit ans avec brio et charisme. Comme un symbole, son personnage donne son bouclier fétiche à son fidèle partenaire, Sam Wilson alias Falcon dans Avengers : Endgame. Cependant, il a fallu du temps au super-héros pour accepter son nouveau rôle et ses nouvelles responsabilités.

Chose qu’a plutôt bien montrée la série Falcon et Le Soldat de l’Hiver durant six épisodes. Au final, Sam Wilson endosse le costume symbolique, devenant le nouvel Captain America.

Rapidement après la fin de la série, un nouveau long-métrage Captain America a été annoncé par Marvel Studios. Intitulé Captain America : New World Order, il sera le premier film de la saga qui ne sera pas porté par Chris Evans. Il faudra donc voir ce que vaut Anthony Mackie dans ce nouveau rôle de super-héros de l'Amérique. L’acteur ne sera toutefois pas seul puisqu’il devrait être accompagné par l’acteur Danny Ramirez (vu dans Falcon et le Soldat de l’Hiver) qui jouera Joaquin Torres, un personnage bien connu des lecteurs des comics Marvel. En effet, il s’agit du nouveau Falcon.

Dans le reste du casting, on retrouvera deux autres personnages surprise : Sabra (interprétée par Shira Haas) qui est connue pour être une mutante, ce qui laisse de plus en plus entendre que les X-Men sont en chemin pour rejoindre le MCU. De l’autre côté, Captain America : New World Order verra le retour de Samuel Sterns, que l’on n'avait plus vu depuis L’Incroyable Hulk en 2008. Et, au vu de sa dernière apparition dans ce film, le personnage interprété par Tim Blake Nelson devrait revenir sous les traits du super-vilain Le Leader.

L’aventure MCU commence pour Harrison Ford

L’un des principaux points d’interrogation de ce nouveau volet de Captain America était la présence ou non du Général Thaddeus Ross. En effet, son interprète attitré dans le MCU depuis 2008 n’était autre que le regretté William Hurt, qui nous a quittés en mars dernier à l’âge de 71 ans. A cela, Marvel a donc répondu oui en lui trouvant un prestigieux remplaçant : Harrison Ford.

Icône du grand divertissement hollywoodien avec des sagas cultes telles que Star Wars, Blade Runner ou bien Indiana Jones, la star hollywoodienne âgée de 80 ans reprendra donc le rôle de ce chef militaire intransigeant que l’on a vu dans L'Incroyable Hulk, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War, Avengers: Endgame et Black Widow.

Cependant, ce n’est pas tout ! Selon The Hollywood Reporter, Harrison Ford reprendra également ce rôle pour les besoins du film Thunderbolts prévu pour 2024. Rejoindra-t-il cette redoutable équipe d’anciens super-vilains ? Dans les comics, le personnage en fait partie… Sous les traits d’un Hulk ! En effet, le père de Betty Ross est connu pour détester au plus haut point Bruce Banner. Suite à une expérience, il subit une dose de rayonnements gamma et d'ondes cosmiques qui le transforment en titan à la peau rouge. Il se fait alors appeler Red Hulk, et dispose des mêmes capacités surpuissantes que son compatriote vert.

Harrison Ford est-il parti pour se transformer en géant durant les prochaines phases du MCU ? Nous le saurons peut-être dès le 1er mai 2024, date de la sortie de Captain America : New World Order.

James Bond avant Harry Potter

Mondialement connu pour son rôle d'Hagrid dans la saga Harry Potter, l'acteur Robbie Coltrane, décédé le 14 octobre 2022, l'était aussi pour son rôle dans la saga James Bond. Et ce n'est pas rien, si on n'appartient ni au MI6 ni à l'organisation SPECTRE, d'arriver à exister dans cet univers. Robbie Coltrane a débuté au cinéma dès 1980 devant la caméra de Bertrand Tavernier dans La Mort en direct, et n'a ensuite plus quitté les écrans. Mais il lui faut en effet attendre GoldenEye en 1995 pour accéder à une popularité mondiale.

Dans GoldenEye, il est Valentin Dmitrovich Zukovsky, un ex-agent du KGB reconverti en boss de moyenne envergure de la mafia russe. On apprend qu'il a un historique avec James Bond, incarné dans GoldenEye par Pierce Brosnan. En effet, du temps des années actives de Zukovsky au KGB, James Bond lui aurait tiré dans la jambe, volé sa voiture et sa copine. Du James Bond tout craché, mais les deux hommes entretiennent cependant une relation où l'amitié prend vite le pas sur la méfiance.

Robbie Coltrane reprendra son rôle dans Le Monde ne suffit pas en 1999, dans lequel son personnage est bien plus présent mais connaît une fin tragique. Allié de 007, Valentin Dmitrovich Zukovsky a gagné en deux films, et en partie grâce au talent de Robbie Coltrane, sa place chez les personnages iconiques de la saga d'espionnage. Et dans le coeur de Pierce Brosnan, qui lui a rendu hommage à l'annonce de son décès.

"On a tellement ri pendant le tournage des films James Bond"

Pierce Brosnan, titulaire du rôle de James Bond le temps de quatre films entre 1995 et 2002, s'est ainsi exprimé sur Instagram pour déplorer la mort de son ami et collègue de travail. Il a posté deux photos, un portrait de l'acteur et une image en noir et blanc des retrouvailles de leurs personnages dans GoldenEye. Des photos qu'il a aussi accompagnées de mots touchants en légende.

Je suis dévasté par l'annonce du décès de mon cher ami Robbie Coltrane. On a tellement ri pendant le tournage des films James Bond. "GoldenEye" et "Le Monde ne suffit pas"... La seconde photo a été prise lors de notre premier jour de tournage de "GoldenEye" aux studios Leavesdon. Je n'arrive pas à imaginer un acteur plus subtil et un homme plus humain et drôle avec qui partager la scène mondiale en ce jour, comme déjà à l'époque. Mes sincères condoléances, mes prières d'amour et de respect à sa famille.

Les Anneaux de pouvoir : de grosses révélations finales

ATTENTION, cet article contient des spoilers majeurs !

Ce vendredi 14 octobre, Prime Video a mis en ligne le huitième et dernier épisode de la série événement Le Seigneur des anneaux : Les Anneaux de pouvoir. Une conclusion riche en surprises et en émotions, qui apporte certaines des réponses attendues de cette première saison inégale, marquée par des fulgurances comme l'éruption du volcan mais aussi par de longs passages de creux et d'attente.

Intitulé Alliés, cette fin est donc parsemée de révélations sur les personnages les plus mystérieux, réussissant ainsi à relancer l'attente pour la suite, dont le tournage a d'ores et déjà débuté. Les premiers anneaux ont notamment été forgés par Celebrimbor (Charles Edwards), Galadriel (Morfydd Clark) et Elrond (Robert Aramayo).

Mettant de côté les Terres du Sud et ses personnages comme Bronwyn (Nazanin Boniadi) ou Arondir (Ismael Cruz Córdova), ainsi que les Montagnes de Brume et les Nains, cet ultime épisode s'est concentré sur les Elfes, les Piévelus et un Homme, Halbrand (Charlie Vickers). Tentant d'abord de faire croire que l'Étranger (Daniel Weyman) serait en réalité Sauron, la conclusion confirme ensuite l'une des théories qui a le plus circulé sur la Toile ces dernières semaines : le supposé héritier du trône du Sud n'est autre que le Seigneur des Ténèbres, déguisé pour mieux duper les Elfes et prendre le contrôle de la Terre du Milieu.

Sauron se dévoile enfin

Plusieurs indices ont évidemment laissé planer le doute autour de cette révélation. Outre l'attitude suspicieuse de Galadriel, l'intérêt soudain de Halbrand pour les anneaux et son envie de trouver à tout prix une solution pour réussir à les forger a mis la puce à l'oreille, au même titre que sa capacité à guérir très vite de ses blessures. Le personnage évoque par ailleurs son maître sans le nommer, faisant sans doute référence à Morgoth, le premier Seigneur des Ténèbres.

Son ultime échange avec Galadriel avant sa fuite vers le Mordor appuie sur le fait qu'il n'a rien laissé au hasard, de leur rencontre à leur assaut aux côtés des Hommes de Númenor. Comme le rappelle le magazine Time, le Haut Roi Gil-galad (Benjamin Walker) avait prédit dès le premier épisode que la guerrière était sur le point de ramener le mal qu'elle combat.

Ce qui est effectivement arrivé dès le second épisode, où Galadriel et Halbrand étaient les deux seuls survivants à bord d'un radeau. Plus tard, lorsqu'ils sont retrouvés emprisonnés à Númenor, il lui a clairement affirmé qu'il n'est pas le héros qu'elle recherche, ce qu'elle avait refusé d'entendre. Enfin, lors de sa confrontation avec Adar (Joseph Mawle), qui prétend avoir tué Sauron, Halbrand avait refusé de lui dévoiler son identité, et le lien mystérieux entre les deux personnages était totalement perceptible.

Qu'en est-il de l'Étranger ?

Les trois sorcières à la poursuite de l'Étranger et des Piévelus se sont donc trompées sur l'identité de Sauron. Mais qui peut bien donc être ce géant tombé du ciel ? L'ultime épisode précise qu'il est sans doute un Istari, c'est-à-dire un magicien. Saroumane ? Radagast ? Gandalf ? En plus de sa complicité avec Nori (Markella Kavenagh) qui rappelle celle avec Frodon et Bilbon, une phrase laisse penser qu'il pourrait bien s'agir du sorcier incarné par Ian McKellen dans les films de Peter Jackson.

Prêt à se lancer dans une aventure avec la jeune héroïne, l'Étranger lui dit que "dans le doute, il faut toujours suivre son flair". Un conseil que Gandalf donne à Merry dans Le Seigneur des anneaux : La Communauté de l'anneau, lorsqu'ils cherchent à sortir des mines de la Moria. Si rien n'est confirmé pour le moment, cette phrase est un nouvel indice de taille...

Twister, 26 ans après

1996 a été une grande année pour les films catastrophes avec Independence Day et Twister. Deux films qui ont dominé ensemble le box-office mondial de cette année, Twister accumulant près de 500 millions de dollars de recettes, derrière les 817 millions du film de Roland Emmerich. Réalisé par Jan De Bont, Twister raconte l'histoire de Jo (Helen Hunt) et Bill Harding (Bill Paxton), un couple de météorologues et "chasseurs de tornades" en instance de divorce. 27 ans après avoir vu son père emporté par une tornade de puissance F5 (puissance maximale déjà mesurée d'une tornade), Jo va devoir faire face à un nouveau "monstre" météorologique.

Twister est un très grand succès, sur le plan financier et critique. Produit notamment par Steven Spielberg et Kathleen Kennedy, avec un scénario co-écrit par Michael Crichton et Anne-Marie Martin, son récit comme ses effets spéciaux inédits ont ravi le public. 26 ans plus tard, alors que le développement d'un nouveau film a débuté depuis 2020, les planètes sont enfin alignées pour la production d'une suite, titrée Twisters. Comme révélé par Deadline, Universal Pictures et Amblin Entertainment espèrent en effet débuter son tournage au printemps 2023.

Une short-list de réalisateurs en négociations

Le réalisateur de Top Gun : Maverick, Joseph Kosinski, était attaché au projet en tant que réalisateur depuis les premières phases de développement. Mais celui-ci s'est retiré de Twisters en juin 2022 pour prendre en charge le film sur la Formule 1 avec Brad Pitt, du côté de chez Apple. Il manque à cet instant un réalisateur ou une réalisatrice, mais on devrait très bientôt connaître son nom. En effet, selon Deadline, Steven Spielberg s'est montré très convaincu par le scénario de Mark L. Smith (The Revenant) et a insisté pour que la production de Twisters devienne prioritaire.

Pour prendre la relève de Joseph Kosinski, Dan Trachtenberg est un des noms évoqués. On lui doit au cinéma le récent et très réussi Prey, ainsi que 10 Cloverfield Lane. Côté télévision, il a réalisé un épisode de Black Mirror en 2016 et un épisode de The Boys en 2019.

Peut-être moins connus mais terriblement talentueux, les documentaristes Jimmy Chin et Elizabeth Chai Vaserhelyi, très remarqués pour leur documentaire primé aux Oscars en 2019 Free Solo.

Enfin, très actif dans le cinéma d'animation, Travis Knight est aussi dans cette short-list. Il a notamment réalisé Kubo et l'Armure magique et, en prises de vues réelles, Bumblebee. Quelques autres cinéastes seraient aussi en course, mais n'ont pas été nommés.

Helen Hunt de retour ?

Autre effort en cours du côté des studios : faire revenir l'actrice Helen Hunt. Celle-ci reprendrait pour Twisters son rôle de Jo Harding dans un scénario qui se concentrerait sur la fille qu'elle a eue avec Bill. La continuité serait parfaite et permettrait aussi de rendre hommage à l'acteur Bill Paxton, tristement disparu en 2017.

Enfin, le monde traversant une dramatique crise environnementale avec des catastrophes naturelles inédites et de plus en plus fréquentes, il est fort probable que cette suite prenne le parti d'un réalisme aussi spectaculaire que glaçant. Affaire à suivre donc.

Précédemment dans House of the Dragon

House of the Dragon n'a pas cessé de nous éblouir ces dernières semaines et de mettre nos nerfs à rude épreuve. Lors de l'épisode 8, on voyait la famille Targaryen se réunir et faire un semblant de paix aux côtés d'un Viserys plus faible que jamais. Seulement dans un dernier souffle avant de passer l'arme à gauche, le roi, pensant s'adresser à sa fille Rhaenyera et non Alicent, évoque le rêve d'Aegon le Conquérant. De cela né un quiproquo aux graves conséquences, puisque dès lors Alicent pense que son époux lui demande de mettre leur fils Aegon sur le trône, et non plus Rhaenyera.

L'épisode 9 a alors permis de révéler le vrai visage des conseillers du roi, dont Otto, qui ont depuis longtemps comploté dans le but de mettre Aegon sur le trône et d'éliminer Rhaenyera. Cette dernière n'est évidemment pas au courant de ce qui se trame durant cet épisode, et le couronnement d'Aegon peut avoir lieu.

C'était sans compter sur Rhaenys Targaryen, qui jusqu'au bout soutient la décision de Viserys et fait une entrée (et sortie) fracassante sur son dragon Meleys. Une conclusion qui ouvre vers un épisode final qui nous fera enfin entrer dans la "Danse des Dragons", la guerre civile qui oppose le can de Rhaenyra et celui d'Aegon dans l'œuvre de George R.R. Martin.

Au programme de l'épisode 10

Comme chaque semaine, HBO a dévoilé la bande-annonce du prochain épisode. Dans la vidéo (en une d'article), on peut voir dans un premier temps Rhaenys prévenir Rhaenyera de ce qui l'attend et du danger qu'encourent ses enfants. Car si elle refuse de plier le genou et jurer allégeance au "roi Aegon", elle sera tout simplement éliminée. Mais ni elle ni Daemon ne compte se laisser faire.

On peut ainsi entrevoir les prémices de la guerre, et le conseil de Rhaenyera préparer une contre-attaque. On nous promet du lourd et de grandes oppositions avec des... Dragons !

L'épisode 10 d'House of the Dragon sera disponible sur OCS lundi 24 octobre.

House of the Dragon : un avant dernier épisode sous tension

La saison 1 de House of the Dragon touche bientôt à sa fin. En effet, le dixième et dernier épisode sera diffusé le lundi 24 octobre prochain. C'est lors de celui-ci que débutera officiellement la danse des dragons, lorsque Rhaenyra Targaryen apprendra que son demi-frère Aegon a été couronné à sa place après la mort de Viserys.

Elle était absente de l'épisode 9, qui prenait place uniquement à King's Landing dans les heures suivant le trépas du roi. Malgré le souhait de ce dernier de voir sa fille aînée lui succéder, un quiproquo a poussé sa femme Alicent Hightower à convaincre le conseil que le roi avait finalement désigné Aegon comme héritier légitime sur son lit de mort. Ce dernier a été couronné à la fin de l'épisode sans que Rhaenyra et Daemon n'en soient informés. Une décision que Rhaenys Targaryen n'a pas supportée.

Ce "Dracarys" que tout le monde attendait

Pour ne pas mettre en péril le couronnement d'Aegon, les opposants à ce choix présents à King's Landing ont été éliminés par le conseil vert. Rhaenys Targaryen (Eve Best), qui soutenait la décision de Viserys de nommer sa fille Rhaenyra, était donc en grand danger.

Un membre de la garde royale désirant la protéger l'a donc escortée hors du Donjon Rouge, en direction de la Néra. Mais cette dernière en a profité pour s'éclipser et faire une entrée fracassante lors du couronnement d'Aegon sur le dos de son dragon Meleys.

Surgissant depuis les souterrains situés sous le Grand Septuaire de Baelor, Meleys chevauché par Rhaenys, fait face à Aegon Targaryen et Alicent Hightower. Alors que cette dernière attendait un "dracarys" qui l'aurait réduit en cendres (et nous aussi), Rhaenys s'est contentée d'un rugissement de son dragon avant de s'envoler.

"Ça n'est pas sa guerre"

Une décision que beaucoup de spectateurs n'ont pas comprise, et sur laquelle la scénariste de l'épisode, Sara Hess, et la réalisatrice, Clare Kilner, se sont exprimées (via The Hollywood Reporter).

Ça n'est pas sa guerre. La décision de tuer tout le monde ne lui revient pas, même si ça aurait arrangé les affaires de Rhaenyra. À ce moment-là, elle regarde Alicent dans les yeux, et cette dernière se met devant son fils pour le protéger. C'est une mère face à une autre. Rhaenys est en colère, mais elle respecte Alicent, même si elle n'est pas d'accord avec elle. Elle ne peut pas tuer une autre femme comme ça

a déclaré Sara Hess.

Nous avons parlé à Eve Best de ce moment. Dans la séquence précédente, elle a l'impression qu'Alicent la voit vraiment pour la première fois telle qu'elle est vraiment. Ce sont deux mères dans ce terrible monde créé par les hommes, et elle ne peut pas la tuer

a renchéri Clare Kilner.

Concernant les dizaines de morts dans le septuaire qu'a provoqué son entrée fracassante, Sara Hess a simplement déclaré que "dans Game of Thrones, les civils ne comptent pas !"

Robbie Coltrane nous a quittés

Il était un géant. Enfin, un demi-géant si l'on veut être précis sur son rôle dans la saga Harry Potter, celui qui l'a rendu célèbre et adoré tout autour du monde : Rubeus Hagrid. Décédé le 14 octobre 2022 à 72 ans, Robbie Coltrane a définitivement remisé son costume d'Hagrid, figure de Poudlard et fidèle allié d'Harry, Ron et Hermione. À la manière d'Alan Rickman avec Severus Rogues, il a su faire entièrement sien le demi-géant imaginé et écrit par J. K. Rowling, pour en faire un inoubliable personnage de cinéma.

Son décès, survenu alors que les soucis de santé s'accumulaient, a bouleversé les millions de fans des films Harry Potter, ainsi que les professionnels du cinéma. Ces derniers ont salué un acteur de grand talent, mais aussi un homme d'une infinie sensibilité et d'une profonde gentillesse. Les trois acteurs Daniel Radcliffe (Harry Potter), Emma Watson (Hermione) et Rupert Grint (Ron Weasley), qui ont débuté le cinéma avec lui et l'ont côtoyé pendant dix ans et huit films, lui ont aussi rendu hommage. Conscients sans doute que, sans Robbie Coltrane, l'aventure Harry Potter n'aurait pas été la même.

Rupert Grint : "Personne d'autre sur cette planète n'aurait pu jouer Hagrid, seulement Robbie."

Sans Hagrid, Harry, Hermione et Ron n'auraient pas pu s'intégrer aussi facilement à Poudlard, et surtout n'auraient pas pu vaincre à plusieurs reprises Voldemort et ses mangemorts. Gardien, professeur, ami et confident, le personnage incarné par Robbie Coltrane emportait la sympathie et le respect de tous. Sur Instagram, Rupert Grint s'est donc dit très touché par sa disparition, se remémorant sa présence unique et sa gentillesse.

J'ai le coeur brisé d'apprendre que Robbie est parti. Je n'oublierai jamais l'odeur des cigares mêlée à la colle de sa barbe - une combinaison magnifique. Personne d'autre sur cette planète n'aurait pu jouer Hagrid, seulement Robbie.

Tout comme Hagrid l'est dans les livres et les films, Robbie était chaleureux, sensible et hilarant. Un homme au grand coeur qui s'occupait de nous, même une décennie plus tard. Toutes mes pensées à sa famille. On se voit de l'autre côté Bobser.

Emma Watson a elle posté en story sur Instagram un message à l'accent personnel.

Robbie était comme l'oncle le plus marrant qu'on peut avoir, mai surtout, il était profondément attentif et sensible avec moi, en tant qu'enfant puis adulte. Son talent était tellement immense qu'il était logique qu'il joue un géant - il pouvait remplir n'importe quel espace avec son talent.

Robbie, si jamais je parviens à être aussi gentil que tu l'as été avec moi, sur un tournage, je te promets que je le serai en ton nom et ta mémoire. Sache combien que je t'adore et je t'admire. Ta gentillesse, tes surnoms, ta chaleur, tes rires et tes câlins me manquent déjà. Tu as fait de nous une famille. Il n'y a jamais eu de meilleur Hagrid. Tu as fait de mon rôle d'Hermione une joie.

Daniel Radcliffe se dit "incroyablement chanceux"

Ce n'est pas sur les réseaux sociaux mais via un communiqué transmis à Deadline que l'acteur Daniel Radcliffe, titulaire du rôle d'Harry Potter, a lui aussi rendu un hommage émouvant à Robbie Coltrane. Des trois jeunes acteurs qui forment le trio d'apprentis sorciers, c'est évidemment Daniel Radcliffe qui a eu le plus de scènes partagées avec Robbie Coltrane.

Robbie était une des personnes les plus drôles que j'ai rencontrées, qui nous faisait rire constamment sur les tournages. J'ai des souvenirs géniaux de lui qui nous remontait le moral sur Le Prisonnier d'Azkaban, quand on se réfugiait dans sa hutte pour s'abriter pendant des heures de la pluie battante, il nous racontait des histoires et des blagues.

Je me sens incroyablement chanceux d'avoir pu le rencontrer et travailler avec lui, je suis très attristé par son décès. C'était un acteur incroyable et un homme adorable.

Quant à Tom Felton, interprète du détestable Drago Malefoy, il a lui aussi eu des mots touchants pour Robbie Coltrane, en légende d'une photo où il apparaît aux côtés de l'acteur, de Rupert Grint et d'Emma Watson.

Un de mes souvenirs préférés d'Harry Potter est une séquence de tournage nocturne pour le premier film, dans la forêt interdite. J'avais 12 ans. Robbie s'occupait et prenait soin de tous ceux qui l'entouraient. Sans effort. Et il les faisait rire. Sans effort. Il était ce grand géant affectueux à l'écran mais l'était encore plus dans la vie. Je t'aime mon ami - Merci pour tout.

Black Panther : Wakanda Forever : une sortie en France menacée

Malgré le décès de Chadwick Boseman en août 2020 et le gros doute de Ryan Coogler après cet événement tragique, Black Panther aura bien droit à une suite. Intitulée Black Panther : Wakanda Forever, elle rendra hommage à l’ancien interprète du héros Marvel. L’intrigue du film débutera juste après la mort du roi. Dans un royaume endeuillé, Namor, roi de Talocan, viendra rompre la paix en déclarant la guerre au Wakanda. Shuri et ses proches devront donc défendre leur royaume avec l’aide de nouveaux alliés.

Les fans Marvel attendent avec impatience la sortie de Wakanda Forever. Mais en septembre dernier, nous apprenions que la sortie du film était menacée en France. En cause, la chronologie des médias. Celle-ci empêche toute œuvre sortie au cinéma d’être montrée sur une plateforme de streaming avant au moins 17 mois. Disney a fait pression sur le gouvernement français pour que cette loi soit abrogée. Pour cela, la firme aux grandes oreilles a utilisé le deuxième volet de Black Panther. Elle a ainsi menacé de ne pas le sortir dans l’Hexagone si elle n’obtenait pas gain de cause.

Disney accepte de sortir son film dans les salles françaises

Les fans du MCU français attendaient donc anxieusement de savoir si ce conflit allait se régler. Et heureusement pour eux, Disney et le gouvernement ont trouvé un terrain d’entente. La firme aux grandes oreilles a donc confirmé que Wakanda Forever sortirait dans les salles de l’Hexagone. La présidente de sa branche française, Hélène Etzi, explique sur son compte Twitter qu'elle a été convaincue par la décision du gouvernement de discuter d’une réforme de la chronologie des médias :

Les pouvoirs publics ont clairement reconnu la nécessité de moderniser la chronologie des médias et un calendrier précis a désormais été arrêté pour en discuter. Dans ce contexte, The Walt Disney Company a donc décidé de confirmer la sortie au cinéma de Black Panther : Wakanda Forever le 9 novembre prochain.

Disney précise que des discussions se tiendront en février 2023 pour décider de la réforme à adopter concernant la chronologie des médias. En attendant, le célèbre studio décidera « au cas par cas de la stratégie de sortie » de ses longs-métrages. Quant au deuxième volet de Black Panther, il ne pourra donc pas être visible sur Disney+ en France avant le printemps 2024. Mais les fans Marvel pourront donc le découvrir dans les salles de cinéma. Il y sortira le 9 novembre 2022.

Mort du comédien Robbie Coltrane

Le site américain The Wrap vient d'annoncer une triste nouvelle. L'acteur écossais Robbie Coltrane est décédé à l'âge de 72 ans. Depuis plusieurs années, la santé du comédien souffrant d'arthrose déclinait. En 2019, il était apparu affaibli et en fauteuil roulant à Londres. Une source confiait alors au tabloïd britannique The Sun :

Robbie souffre depuis des années et son genou se détériore constamment. Il est devenu incapable de marcher sans aide et il a reçu une chaise roulante dans l’attente d’une intervention chirurgicale spéciale en Amérique pour réparer son articulation.

Les causes de son décès n'ont pour le moment pas été dévoilées.

Inoubliable Hagrid dans la saga Harry Potter

Né le 30 mars 1950, Robbie Coltrane effectue des études de peinture et de cinéma à la Glasgow School of Art. Il débute sa carrière dans La Mort en direct de Bertrand Tavernier, avant de jouer dans Flash Gordon, Krull, Mona Lisa, Henry V, From Hell ou encore Ocean's Twelve. L'acteur donne à deux reprises la réplique à Pierce Brosnan dans la saga James Bond, GoldenEye et Le Monde ne suffit pas, où il prête ses traits à Valentin Dmitrovich Zukovsky, ancien agent du KGB devenu trafiquant et parrain de la mafia russe.

Mais son rôle le plus célèbre reste évidemment celui de Rubeus Hagrid dans la franchise Harry Potter. Présent dans tous les films, le garde-chasse de Poudlard qui devient par la suite professeur de soins et de créatures magiques est l'une des figures les plus rassurantes et attachantes de la saga, sur laquelle Harry, Ron et Hermione peuvent toujours compter. À propos de sa participation aux longs-métrages, il déclarait dans Harry Potter : Réunion à Poudlard :

Je pense que c’est la fin d’une ère... Ça a été 10 ans de ma vie et mes enfants ont grandi pendant cette période. La génération de mes enfants montrera les films à ses enfants. On regardera toujours ces films dans 50 ans. Je ne serai plus là malheureusement, mais Hagrid le sera.

Un forfait Netflix à 5.99 euros par mois

Pour la première fois en dix ans, Netflix avait annoncé en juillet dernier avoir perdu près d'un million d'abonnés. Un chiffre néanmoins en-deçà des prévisions, puisque la firme avait annoncé qu'elle devait perdre deux millions d'abonnés. Face à cette perte de vitesse, notamment liée à la multiplicité des services de streaming payants, l'entreprise a décidé de réagir.

Elle s'est notamment diversifié en se lançant dans le jeu-vidéo mais a aussi serré la vis concernant les partages de comptes. Dès le mois de novembre prochain, Netflix proposera une formule low cost à 5.99 euros par mois en intégrant pour la première fois de son histoire de la publicité. Une manière d'attirer de nouveaux abonnés, et de rester concurrentiels dans un marché de plus en plus compliqué.

Le détail de l'offre

Ce jeudi 13 octobre, le géant du streaming a partagé tous les détails de son offre à 5.99 euros par mois. Alors comment en bénéficier, et à quoi donne-t-elle droit ?

Cette formule s'appelle Essentiel avec pub. Elle sera disponible à partir du 3 novembre à 17h simultanément dans douze pays, dont la France et les États-Unis. Cette formule propose les mêmes options que le forfait Essentiel de Netflix, avec cependant quelques changements.

Le choix de séries et de films reste le même, disponible sur la plupart des téléviseurs et appareils mobiles, avec la possibilité de modifier ou d'annuler ce forfait à tout moment. La qualité vidéo est jusqu'à 720p en HD. Ce qui change par rapport à la formule Essentiel est une moyenne de 4 à 5 minutes de publicité par heure. Au lancement, des publicités de 15 à 30 secondes seront diffusées avant et pendant les programmes. L'option téléchargement des programmes ne sera pas disponible sur cette formule.

Avec cet abonnement low cost, Netflix compte toucher un public plus large, notamment très jeune, qui regarde de moins en moins la télévision.

Black Adam : Dwayne Johnson devient un super-héros

Après son arrivée au cinéma dans Le Retour de la momie, ses multiples rôles de justiciers testostéronés (Tolérance zéro, Faster), son affrontement et sa collaboration mouvementée avec Vin Diesel dans la saga Fast & Furious ou encore son incursion hilarante chez Michael Bay (No Pain No Gain), Dwayne Johnson interprète son premier super-héros dans Black Adam. L'ancien catcheur prête ses traits au personnage créé par Otto Binder et C. C. Beck, libéré de sa tombe et prêt à prendre sa revanche dans le monde moderne après cinq millénaires d'emprisonnement.

Viola Davis, Sarah Shahi, Pierce Brosnan, Aldis Hodge, Noah Centineo et Quintessa Swindell complètent la distribution du blockbuster orchestré par Jaume Collet-Serra, auquel on doit notamment Esther, The Passenger ou encore Jungle Cruise. Les spectateurs n'ont plus que quelques jours à patienter avant de le découvrir, puisque le long-métrage sortira le 19 octobre 2022 dans les salles obscures.

Une scène post-générique qui fuite sur la Toile

ATTENTION, les lignes qui suivent contiennent des spoilers majeurs !

Outre Amanda Waller de The Suicide Squad, un autre personnage emblématique de DCEU fera son retour dans Black Adam, comme l'ont dévoilé des internautes en partageant une scène extrêmement attendue du long-métrage sur les réseaux sociaux. Dans la séquence post-générique du film, Black Adam se retrouve face à l'Homme d'acier. Ce dernier, toujours incarné par Henry Cavill lance :

Cela fait un moment que personne n'a rendu le monde aussi nerveux.

Un trait d'humour qui annonce un futur combat entre les deux figures DC. L'apparition de Superman dans Black Adam n'est pas vraiment une surprise, puisque Dwayne Johnson n'a cessé de semer le doute et de faire monter l'excitation des fans pendant toute la campagne promotionnelle.

Le nouvel envol de Superman au cinéma ?

En 2013, sept ans après avoir été interprété de Brandon Routh dans Superman Returns, le Kryptonien le plus célèbre revient au cinéma avec Man of Steel. Basé sur une histoire de David S. Goyer et Christopher Nolan, réalisé par Zack Snyder, le long-métrage remonte aux origines de Kal-El, retraçant notamment sa naissance, la destruction de sa planète et son arrivée sur Terre. Un blockbuster mêlant séquences intimes, notamment lorsqu'il aborde sa relation avec Lois Lane (Amy Adams) ou celle avec ses parents adoptifs Martha (Diane Lane) et Jonathan (Kevin Costner), et scènes de destruction massives.

Depuis, le Clark Kent d'Henry Cavill a fait face à Bruce Wayne (Ben Affleck) dans Batman v Superman : L'Aube de la justice. Après leur affrontement, ils ont uni leurs forces à celles de Wonder Woman (Gal Gadot), puis à celles d'Aquaman (Jason Momoa), Flash (Ezra Miller) et Cyborg (Ray Fisher) dans Justice League. Un projet malade, marqué par le départ de Zack Snyder après le suicide de sa fille et l'arrivée houleuse de Joss Whedon. Si le DC Universe s'est poursuivi au cinéma avec par exemple Wonder Woman 1984, Henry Cavill n'était plus réapparu dans le costume de Superman depuis 2017, si l'on met de côté Zack Snyder's Justice League, version du réalisateur de 300 sortie en grande partie grâce à la mobilisation des fans.

Ces derniers réclamaient d'ailleurs le retour de l'acteur dans la peau du super-héros depuis un bon moment. Une demande remarquée par Dwayne Johnson, qui rappelait sur Twitter le 1er juillet dernier qu'il ne prend jamais à la légère les attentes du public. De quoi nourrir encore un peu plus l'espoir d'un éventuel come-back d'Henry Cavill dans le DC Universe... qui a finalement lieu dans Black. Une apparition qui laisse évidemment espérer un nouvel envol de Superman.

Le retour en grâce de la superstar de La Momie

Brendan Fraser est de retour cette année, et quel retour ! À l'affiche de The Whale, nouveau film de Darren Aronofsky dans lequel il incarne un homme dépressif et isolé de 272kg, l'acteur américano-canadien âgé de 53 ans y livre une performance phénoménale, saluée par la presse et le public des festivals dans lesquels le long-métrage a été présenté. Il sortira en France le 22 février 2023. Par ailleurs, on le verra aussi dans le prochain film de Martin Scorsese : Killers of the Flower Moon.

The Whale marque donc le retour dans un premier rôle pour l'acteur, ce qui ne lui était pas arrivé depuis 2013 et le très dispensable Breakout. Et grâce à ce film, il réintègrera peut-être la A-List hollywoodienne. Un cercle restreint dans lequel il avait fait une belle entrée en 1999 avec le grand succès La Momie. Film d'aventure culte pour toute une génération, il a rapporté près de 416 millions de dollars dans le monde et attiré dans les salles plus de 3 millions de spectateurs français.

Le film raconte dans les années 1920 l'association entre une jeune bibliothécaire et égyptologue (Rachel Weisz) et un aventurier (Brendan Fraser) pour retrouver une cité mythologique, la cité des Morts. Leur expédition compte évidemment de nombreuses péripéties toutes plus folles les unes que les autres, avec la concurrence d'un groupe d'explorateurs rivaux et l'intervention de phénomènes surnaturels. La Momie a deux suites : Le Retour de la momie en 2001, et La Momie : La Tombe de l'empereur Dragon. Dans ces deux suites, Brendan Fraser reprend son rôle de l'aventurier Rick O'Connell.

Brendan Fraser tacle le remake avec Tom Cruise

En 2017, Alex Kurtzman tente un remake avec Tom Cruise. Ce nouveau film La Momie doit ouvrir le Dark Universe, univers cinématographique d'Universal Pictures à la manière du MCU. Succès financier (409 millions de dollars de recettes au total), le film s'attire néanmoins de très mauvaises critiques. Le reboot de la franchise part aux oubliettes. Et dans un portrait qui lui a été consacré récemment dans Variety, l'acteur Brendan Fraser a donné son opinion sur ce film, et la raison selon lui de son échec.

C'est difficile de faire ce film. L'ingrédient qu'on avait pour notre film "La Momie", et que je n'ai pas vu dans celui de 2017, était le "fun". C'est ce qui lui manquait. C'était trop un film d'horreur au premier degré. "La Momie" doit être une expérience à sensations fortes, pas quelque chose de terrifiant et d'effrayant.

Sautant à pieds joints dans le piège du ridicule, La Momie avec Tom Cruise a raté ce qu'avait réussi le film de 1999 : générer l'amusement franc de son public en détournant les codes d'un genre fantastico-horrifique. C'est d'ailleurs ce que soulignait le critique Roger Ebert à sa sortie : "Je ne peux pas argumenter en faveur du scénario, de la réalisation, du jeu des acteurs ou même de la momie. Mais je peux dire que je ne me suis pas ennuyé et que certains moments m'ont procuré un plaisir déraisonnable. Il y a un peu d'immaturité logée au fond des crânes de même les plus sagaces d'entre nous, et nous devrions la chérir."

Pour effacer le raté de 2017, Brendan Fraser pourrait-il reprendre son rôle dans un quatrième film ? Il n'est pas contre. Plus précisément, il déclare :

Je ne sais pas si ça fonctionnerait. Mais je serais ouvert à l'idée si quelqu'un arrivait avec le bon concept.

Paradise City : l'un des derniers films de Bruce Willis

En mars dernier, les proches de Bruce Willis annonçaient la retraite de l'acteur de Sixième Sens, Piège de cristal et Le Cinquième élément. Le comédien de 67 ans souffre d'aphasie, pathologie causée par des dommages au cerveau. Ce trouble du langage peut se caractériser de différentes manières, de la difficulté à trouver ses mots à la perte totale du langage. Ces derniers temps, la santé de la star inquiétait ses collaborateurs sur le tournage de ses longs-métrages, pour la plupart destinés au marché vidéo. Plusieurs incidents ont d'ailleurs failli virer au drame.

Si Bruce Willis a donc choisi de quitter les plateaux de tournage, ses fans pourront encore le découvrir dans plusieurs films déjà finalisés ou en post-production, parmi lesquels Paradise City. Mis en scène par Chuck Russell, réalisateur de The Mask, L'Effaceur et Le Roi Scorpion, ce long-métrage marque ses retrouvailles avec John Travolta. Ce dernier avait d'ailleurs rendu hommage à son partenaire sur Instagram en mars dernier, partageant une photo souvenir et écrivant :

Bruce et moi sommes devenus de bons amis quand on a partagé deux de nos plus grands succès, Pulp Fiction et Allô maman, ici bébé. Des années plus tard, il m'a un jour dit : "John, je veux que tu saches que quand quelque chose de bien t'arrive, c'est comme si ça m'arrivait aussi". Voilà combien il est une âme généreuse. Je t'aime Bruce.

Une nouvelle confrontation après Pulp Fiction

Une amitié qui se transforme une nouvelle fois en rivalité, 28 ans après leur premier affrontement dans Pulp Fiction. S'ils ne se croisaient que deux fois dans le chef-d'oeuvre de Quentin Tarantino, leurs confrontations se passaient très mal. Ce devrait encore être le cas dans Paradise City, au vu de la bande-annonce. Dans le film, Bruce Willis prête ses traits à Ian Swan, un chasseur de primes présumé mort dans une fusillade alors qu'il était en mission à Hawaï.

Aidé par l'ancien partenaire de son père incarné par Stephen Dorff et par une détective locale (Praya Lundberg), son fils Ryan (Blake Jenner) enquête sur son décès. Ils se retrouvent face à un parrain local interprété par John Travolta, que Ian traquait depuis de nombreuses années. Ils prennent ensuite la fuite sur l'île de Paradise City, où ils tombent sur un allié inattendu. Un scénario classique pour des scènes d'action visiblement paresseuses, dans la lignée des récents projets de ses deux têtes d'affiche.

Aux États-Unis, Paradise City sortira le 11 novembre 2022 au cinéma et en vidéo à la demande. En France, aucune date n'a pour le moment été annoncée.

The Whale, le grand retour de Brendan Fraser

Brendan Fraser aura connu des heures sombres dans sa carrière. Alors qu'il fut un acteur phare dans les années 1990 - avec notamment La Momie (1999) - il a commencé à apparaître de moins en moins à Hollywood dans les années 2000. D'après l'acteur, en 2003, il aurait été victime d'une agression sexuelle par Philip Berk, l'ancien président la Hollywood Foreign Press Association. Après cela, Brendan Fraser aurait été blacklisté.

Mais ces dernières années le comédien est revenu au premier plan. D'abord avec des séries, comme sa performance dans Trust (2018) qui aura marqué les esprits. Ou encore avec Doom Patrol (2019). Même si on le voit peu à l'écran, il reste indissociable du personnage de Robotman, à qui il prête sa voix. Côté cinéma, on l'a vu tourner pour Steven Soderbegh dans No Sudden Move. Et il était très attendu en méchant de Batgirl, mais le long-métrage a malheureusement été jeté à la poubelle par Warner.

Qu'importe, Brendan Fraser est parvenu à faire un retour fracassant avec The Whale. L'acteur a été acclamé à la Mostra de Venise pour le film de Darren Aronofsky. Et on voit déjà en lui un grand favoris pour les prochains Oscars.

Il faut dire qu'avec The Whale, Brendan Fraser s'est vu offrir un rôle particulier. Celui de Charlie, un homme qui pèse 272 kilos, qui souffre du syndrome d'hyperphagie incontrôlée et qui tente de renouer avec sa fille de dix-sept ans. Pour cela, l'acteur a dû porter un costume pesant jusqu'à 150 kilos. Un rôle également profond et émouvant à en croire les retours sur le film. Dans tous les cas, Darren Aronofsky a fait confiance à Brendan Fraser pour incarner ce personnage, et cela a payé.

Le choix de Darren Aronofsky

Dans un long dossier de Variety, le cinéaste a expliqué avoir longtemps cherché la bonne personne pour ce rôle. Pendant des années, Darren Aronofsky aurait rencontré des tonnes d'acteurs. Mais ce n'est qu'après être tombé sur la bande-annonce d'un "film brésilien à petit budget" dans lequel a joué Brendan Fraser, qu'il a senti qu'il pouvait faire l'affaire. Il l'a alors rencontré, et a rapidement compris qu'il fallait l'engager.

Dès qu'il a quitté mon bureau après notre première rencontre, je l'ai senti. Je savais qu'il allait pouvoir jouer une personne que la plupart des gens commenceraient par rejeter. Mais en moins de cinq minutes, ils allaient ressentir quelque chose pour lui. Puis, après vingt minutes, ils commenceront à tomber amoureux du personnage, car il y a quelque chose de spécial chez Brendan. Et assez vite, il commence à vous briser le cœur.

Un come-back différent de Mickey Rourke

Un bel hommage de la part de Darren Aronofsky à Brendan Fraser qui aura tout donné pour ce rôle.

Si je n'aborde pas chaque jour de travail comme si c'était la première et la dernière fois que je jouais, alors je ne suis pas l'homme de la situation. Avec ce film, tout ce que j'avais à offrir est tout ce que vous voyez à l'écran.

Aronofsky a continué en comparant Brendan Fraser à une autre ancienne gloire qu'il a pu diriger, Mickey Rourke dans The Wrestler (2009). D'après lui, ce dernier avait autour de lui une "énergie négative à cause du doigt d'honneur qu'il a fait à l'industrie". Mais concernant Brendan Fraser, la situation reste très différente car il était aimé, "mais n'a pas eu l'opportunité de montrer toutes ses facettes".

Cela se ressent en effet dans tous les retours sur le film et l'engouement autour de la performance de Fraser. Pour le découvrir en France, il faudra attendre le 22 février 2023. Après quoi, peut-être, l'acteur remportera sa première statuette lors des Oscars, le 12 mars 2023.

Deadpool 3 : un film très attendu

Viendra ou ne viendra pas dans le MCU ? Alors que Disney avait racheté la Fox, on se demandait si Marvel Studios comptait également s'occuper de proposer de nouvelles aventures de Deadpool au cinéma. En effet, il faut dire que son adaptation cinématographique sortie en 2016 a fait l'effet d'une bombe auprès des spectateurs et critiques : humour très noir, violence extrême, langage grossier, autodérision permanente des productions de super-héros, et même de la carrière de l'acteur qui interprète le personnage : Ryan Reynolds.

Comment Deadpool pouvait donc intégrer un univers jugé parfois trop lisse qu'est le MCU, sans se renier ? Il semblerait que Marvel Studios et Ryan Reynolds aient trouvé un accord pour mettre en forme un Deadpool 3 qui verrait le super-héros avoir la possibilité de croiser les Avengers et compagnie. Une bombe accompagnée d'une autre, puisque ce troisième volet marquera le retour de Hugh Jackman, qui reprendra son costume de Wolverine.

Cependant, tout le monde ne sera pas convié à la fête...

Une amitié brisée

À commencer par l'acteur T.J Miller. En effet, celui qui jouait Weasel, le meilleur ami hilarant de Deadpool (avec qui il échangeait sans cesse des vannes scabreuses) ne devrait pas être présent dans ce troisième épisode. Et pour cause, comme il l'explique lors de son passage dans The Adam Carolla Show, les relations entre les deux hommes se sont détériorées durant la production du second volet. Ainsi, selon lui, Ryan Reynolds le détesterait et l'a même prouvé au détour d'une séquence improvisée où le but était de rabaisser le comédien :

Il était horriblement méchant avec moi. Il m'a dit durant un dialogue improvisé : "Tu sais ce qui est génial chez toi, Weasel ? Tu n'es pas la star, mais tu fais juste assez d'exposition pour que ce soit drôle, et ensuite on peut revenir au vrai film". (...) J'ai trouvé cela bizarre, puis je suis sorti du cadre parce qu'ils me disaient" Coupez".

Durant ce même entretien, T. J Miller aurait ajouté que, depuis son rôle dans Deadpool qui lui a permis de gagner une nouvelle notoriété, l'acteur canadien aurait pris la grosse tête, ce qui explique pourquoi l'humoriste ne serait pas disposé à retravailler avec lui. Il faut cependant se souvenir que les ponts entre les deux se sont vraiment distendus en 2017, lorsque T. J Miller fut accusé d'agressions et de violences sexuelles. Un an plus tard, celui qui jouait également dans la série Silicon Valley a dû la quitter, suite à des plaintes sur son comportement. À la suite de cela, Ryan Reynolds avait commencé à prendre ses distances avec lui.